La artista visual paraguaya Riesbri (Alexandra Riesemberg Britez), oriunda de Asunción, inaugurará su exposición individual titulada “Heatborne” el próximo 5 de noviembre de 2026 en el espacio autogestionado Fais-moi l’art, ubicado en el sector de Plateau-Mont-Royal en Montreal. Presentada en el marco de la trienal de pintura Pictura 2026 y bajo la curaduría de India-Lynn Upshaw-Ruffner, la muestra reúne pinturas recientes sobre lino que abordan de forma crítica los efectos físicos del calentamiento climático.

Definida por la propia autora como una palabra inventada para describir “lo que es llevado, o producido, por el calor”, la exposición parte de una distinción conceptual entre el abstracto cambio climático y el calor físico que penetra en los hogares y los paisajes. Como artista mixta guaraní desplazada de su tierra ancestral y criada entre Brasil y Canadá, Riesbri asume una identidad de refugiada climática. Obras como la pintura Sombra (acrílico sobre mezcla de lino con un marco de acacia, madera evocadora del arca de Noé) plantean el cuidado cotidiano como una forma silenciosa de resistencia ante la sequía.

El corpus de la exhibición incluye piezas destacadas como Trying to kill the sun, mapa en la mano, pantalla I, pantalla II, pájaro campana sobre fuego, tratando de dormir y andorinhas. Cada obra está enmarcada en maderas cuidadosamente seleccionadas como sipo, fresno y arce ambrosia, reflejando la estrecha vinculación de la creadora con los recursos naturales. Sobre su proceso creativo, la escultora graduada con honores en la Universidad Concordia ha señalado: “La materialidad siempre ha guiado mi forma de crear. Los materiales que elijo nunca son simples soportes: llevan sus propias historias, memorias y significados”.

La propuesta busca habitar la ansiedad y la incomodidad de vivir dentro de las consecuencias del colapso ecológico, tales como la sequía, la extracción y el desplazamiento forzado. Lejos de ofrecer soluciones simplistas, la muestra interroga a los espectadores sobre aquello que todavía puede ser resguardado y transmitido en tiempos de crisis ambiental. Su trayectoria reciente incluye muestras individuales como Techaga’u en la Galería Arte Actual de Asunción (2024) y Haku Porã en la Galería POPOP de Montreal (2025), además de haber sido seleccionada en 2026 para L’art en mouvement de BIXI y Loto-Québec.

La exposición cuenta con el respaldo de una beca de Investigación y Creación otorgada por el Consejo de las Artes de Canadá para el periodo 2025-2026. La inauguración oficial está programada para el jueves 5 de noviembre a las 18:00 horas, y la muestra permanecerá abierta al público hasta el 24 de noviembre en los horarios establecidos por la galería organizadora. Con este despliegue internacional, la creadora consolidada en Montreal reafirma su compromiso de utilizar su herencia guaraní para visibilizar problemáticas globales de migración y sostenibilidad.

La artista visual paraguaya Verónica Melgarejo inauguró su primera exposición individual titulada “El jardín de Beatriz”, el pasado 11 de septiembre, en la sala Miguel Acevedo del Centro Cultural de la Ciudad Carlos Colombino - Manzana de la Rivera, ubicada en Ayolas esquina Benjamín Constant, con entrada libre y gratuita.

La muestra, que permanecerá abierta al público hasta el mes de octubre, reúne una serie de obras recientes desarrolladas en tres formatos principales: pinturas, sedas e instalaciones. A través de este montaje, la creadora invita a los visitantes a explorar un espacio de contemplación donde la naturaleza y la memoria se entrelazan mediante jardines urbanos y del recuerdo.

Melgarejo cuenta con una formación multidisciplinaria que abarca la danza, el piano, la actuación, la escritura y diversas técnicas pictóricas, perfeccionadas en el Taller Crearte del Club Centenario. Egresada del Colegio Americano de Asunción, culminó la carrera de Artes Visuales en el Instituto Superior de Arte (ISA de FADA/UNA) y actualmente se encuentra en proceso de elaboración de su tesina.

Además de su trayectoria en las artes plásticas, la autora es licenciada en Psicología, traductora pública y profesora de inglés. Con esta exhibición, la artista consolida una propuesta estética sensible que busca conectar las vivencias personales con la exploración visual de los entornos naturales.

La joven artista paraguaya Alicia Delgado fue la responsable de la ilustración utilizada en los materiales de difusión y en las redes sociales de la octava edición del 3 Margens Festival Latinoamericano de Cine, que se desarrollará del 8 a 21 de noviembre de 2026 en las ciudades de Foz do Iguazú (Brasil), Puerto Iguazú (Argentina) y Ciudad del Este (Paraguay).

“Desde pequeña siempre tuve cercanía con el arte, pero comencé a trabajar de manera formal durante mi etapa universitaria, cuando estudié Artes Visuales en la Universidad Nacional. Allí tuve contacto con distintas corrientes artísticas”, expresó la artista que trabaja como diseñadora gráfica, ilustradora y artista visual.

Desde hace varios años, el evento abre espacio a talentos locales en cada una de sus ediciones. Artistas visuales como Cleise Vidal y Debora Berté ya han ilustrado distintas ediciones del material gráfico que, desde hace ocho años, acompaña a profesionales y realizadores emergentes del ámbito cinematográfico.

Maurício Ferreira, coordinador del evento, explica que la idea de convocar a artistas de las tres fronteras está directamente relacionada con el propósito del festival. “Nuestro objetivo es buscar artistas de la frontera e ir rotando cada año entre los tres países para darles visibilidad”, comentó.

Ali, como es conocida en las redes sociales, vive en Ciudad del Este, Paraguay, y revela que su producción artística siempre ha estado vinculada a temas sociales. “Las injusticias sociales y otros temas silenciados por la sociedad son los principales ejes de mi creación artística.”

En la identidad gráfica de la octava edición del Festival no fue diferente. La artista reunió elementos como los ríos y las aves nativas de América Latina para construir la propuesta visual. “Siempre admiré las piezas creadas para las ediciones anteriores del evento, pero nunca imaginé que ilustraría la identidad del festival. La invitación llegó como una sorpresa y la recibí con muchísima alegría. Quise representar cómo el arte libera y conecta a las personas, sin importar el país en el que estemos, porque todos vivimos bajo el mismo cielo.”

Para ella, la vida en la frontera es dinámica e intensa. “A veces uno siente que no pasa nada y, al mismo tiempo, en otras ocasiones siente que puede perderse en medio de todo eso. Pero a mí me encanta vivir en un ambiente multicultural y creo que esa experiencia también influye en mi producción artística.”

La artista considera que la producción cultural de la frontera avanza lentamente, pero de forma constante. “Es muy motivador para los artistas emergentes ver que cada vez hay más personas que se animan a producir. Ciudad del Este no es solo un polo comercial; aquí hay mucho más. Hay personas dispuestas a apostar por el desarrollo cultural, y eso necesita ser visibilizado y fortalecido tanto como el comercio.”

Octava entrega

El 3 Margens Festival Latinoamericano de Cine mantiene abiertas las inscripciones para sus muestras competitivas hasta el 20 de agosto. En su 8.ª edición, el festival se realizará del 8 al 21 de noviembre de 2026, ocupando salas de cine y espacios culturales de la región trinacional: Foz do Iguaçu (Brasil), Ciudad del Este (Paraguay) y Puerto Iguazú (Argentina).

La iniciativa busca fortalecer el audiovisual independiente, promover el intercambio cultural en la frontera y valorar a nuevos realizadores mediante la exhibición y difusión de producciones contemporáneas. Para más información sobre el Festival, visite https://festival3margens.com o siga a @3margensfestival en redes sociales. Para conocer el trabajo de Ali Delgado, visite sus redes sociales en @alidelgado.

Paz Moreno Re obtuvo el primer puesto con su obra “Trescientas”, que incorpora al ñandutí y la realidad aumentada para hablar de la historia de las mujeres paraguayas.

• Por Jimmi Peralta
• Fotos Gentileza

“La obra reflexiona sobre un hecho que no se conoce: 300 muje­res que fueron trofeo de gue­rra durante la toma de Asun­ción al término de la guerra contra la Triple Alianza. Ellas fueron llevadas a la plaza de los héroes (detrás del Pan­teón) y ahí vivieron los peo­res crímenes de guerra”, comenta la artista visual Paz Moreno Re, ganadora del Pre­mio Henri Matisse 2026, con su obra “Trescientas”, que fue el punto de inspiración de su creación ganadora.

“Mi escultura está inspirada en el grabado del cabichuí de dos mujeres luchando con el jaguareté, yo instalo esta obra en la plaza y con la rea­lidad aumentada (mediante una app) cuando posiciono el celular ellas están presentes en la plaza. Y se las recuerda”, agrega.

El pasado miércoles tuvo lugar el acto de premiación y apertura de exposición de las obras distinguidas, en el marco de la edición 28 de este concurso organizado por la Embajada de Francia en Paraguay, la Alianza Francesa en Asun­ción y Gente de Arte.

“Desde 2017 vengo investi­gando y aprendiendo herra­mientas para poder crear, en 2024 fui becada en el pro­grama Expylab laboratorio de experiencias inmersivas y ahí me enseñaron cómo la tecnología puede apli­carse a procesos de crea­ción. Entonces para mí todo lo que aprenda puede incor­porarse a mi lenguaje artís­tico”, explicó la artista.

El jurado, compuesto por Laura Gérard, Lucie Breche­tte, Fredi Casco y Arnaldo Cristado, destacó la potencia con la que la artista articula la memoria histórica, desarro­llando un lenguaje escultórico y recursos tecnológicos para visibilizar un episodio silen­ciado de la historia paraguaya.

Paz se formó en el Instituto Superior de Arte, donde comenta que aprendió a amar la curiosidad y la experimen­tación.

“Lo textil es mi manera de expresarme, es donde encuentro hoy por hoy cami­nos para explorar y muchos desafíos que me hacen feliz transitar. En el caso del ñandutí, es una técnica que tiene mucho por mostrar poética y materialmente. Me emociona llevarlo al otro continente y ponerlo a dialogar con otras técnicas”, comentó.

El primer lugar en el Matisse otorga una residencia artís­tica de 10 a 12 semanas en la Cité Internationale des Arts en París, incluyendo pasaje, alojamiento y viáticos.

Según explica la artista, su investigación tiene la base de la experimentación del ñandutí, lo que se observa en “Trescientas”, y en ello aborda “otros lenguajes atra­vesada por mi ser mujer y las historias de otras mujeres”, en sus palabras.

Camila Ocampos se quedó con el segundo puesto en el Matisse 2026, con sus obras “Umbrales I y II”. “Ambas obras parten de la instalación, la primera (‘Pieles de carnaval’) es una pieza textil con silicona dispuesta en un soporte de madera; mientras que la segunda (‘Sudor y baterías’) es un video en anima­ción 2D con una narrativa más experimental, que se aleja de la estructura con­vencional lineal, insertada en una gran caja”, explica Camila Ocampos la natu­raleza de su propuesta artística que la llevaron a obtener el segundo puesto en el Premio Matisse 2026, con sus creaciones “Umbrales I - La primera, pie­les de carnaval”, y “Umbrales II - Sudor y baterías”.

El reconocimiento fue otor­gado por creaciones que abordan las tensiones entre la intimidad, el cuerpo y la exposición. Su trabajo logra construir una poética material que vuelve visible lo oculto. Camila es licenciada en Diseño de Indumentaria por el Instituto Supe­rior de Arte Dra. Olga Blinder y en Cinematografía por la Universidad Colum­bia del Paraguay, instituciones en las que también ejerce la docencia.

“Con estas obras establezco un diálogo con mi experiencia con la ansiedad, sobre el miedo a la exposición, a esa otra mirada que siempre está, incluso de una para con­sigo misma. Las consecuencias, y en momentos, causas de esas inseguridades y, sobre todo, cómo eso se plasma en el cuerpo y cómo el cuerpo lo atraviesa”, explica la artista. Las obras premiadas incorporan a la tecnología y se desarrollan en una segunda plataforma, ampliando la narrativa y el ámbito de sensibilidad a otro territorio.

“Son temáticas que parten de lo personal, pero al exponer o expresar lo particular espero –y creo– se puede empezar a conversar y trasladarlo a un tema compartido, se vuelve colectivo. Al final, muchas personas experimentan miedos, inseguridades, y atraviesan problemas de salud mental, y aunque mi experiencia no representa un colectivo ni pretende hacerlo, sí espero provoque una apertura a esos temas, donde lo particular pueda ser compartido”, concluyó.