La última película del británico Robert Pattinson y un documental sobre los hermanos de Oasis estarán presentes este año en septiembre en el Festival de Venecia, que finalmente no contará con Alejandro González Iñárritu y su filme “Digger”, protagonizado por Tom Cruise.

Los organizadores desvelaron una programación repleta de producciones independientes y de cine de autor, pero sin el respaldo de las grandes productoras de Hollywood, una tendencia que también se ha observado este año en otros festivales europeos.

Un total de 20 películas competirán por el prestigioso León de Oro en este festival del 2 al 12 de septiembre, entre ellas “Prime Time”, de Lance Oppenheim, sobre un programa de televisión estadounidense que buscaba desenmascarar a los pedófilos.

Está protagonizada por Pattinson, quien acaba de recibir elogios por su interpretación del villano Antinoo en “La Odisea”, de Christopher Nolan. “Esta película cuenta la historia real del presentador sin escrúpulos de un inquietante reality show de la NBC”, declaró a la prensa el director del Festival de Venecia, Alberto Barbera.

Otros títulos en competencia incluyen “Wild Horse Nine”, una comedia negra del irlandés Martin McDonagh protagonizada por John Malkovich y Sam Rockwell, así como “Bunker”, de Florian Zeller, con la pareja española Javier Bardem y Penélope Cruz.

Como se anunció anteriormente, el festival comenzará con una película sobre la transformación de los medios de comunicación británicos a cargo del magnate de la prensa Rupert Murdoch, dirigida por Danny Boyle, director de “Trainspotting”.

También competirá por el León de Oro “Ritorno a Buenos Aires”, del director chileno-italiano Marco Bechis, sobre un médico italiano que regresa a la capital argentina para testificar contra los exmilitares de la dictadura que lo secuestraron.

Hollywood y los gigantes estadounidenses del streaming, Netflix y Amazon, eligieron Venecia el año pasado para presentar una serie de películas de gran presupuesto, pero este año han decidido mantenerse al margen.

Las grandes productoras ya ignoraron el festival de Berlín en febrero y el de Cannes en mayo. Algunos observadores esperaban que “Digger”, de Alejandro Iñárritu y protagonizada por Tom Cruise, hiciera una entrada espectacular en el Lido de Venecia.

El documental producido por Disney sobre la banda inglesa de rock Oasis y su gira de regreso, “Don’t Look Back in Anger”, es la excepción. “Los hermanos Gallagher han prometido que estarán en Venecia”, dijo Barbera a los periodistas. Otro documental también llamará sin duda la atención, aunque pondrá a prueba la capacidad de concentración de los espectadores: una exploración de cuatro horas sobre Elon Musk a cargo del director estadounidense Alex Gibney.

Fuente: AFP.

La nueva película de Christopher Nolan superó las expectativas y convirtió su estreno en un fenómeno comercial. En apenas un fin de semana recuperó prácticamente todo su presupuesto de producción y se posicionó entre las grandes aperturas de Hollywood.

El regreso de los grandes estrenos cinematográficos como motores económicos quedó demostrado con La Odisea, la nueva producción dirigida por Christopher Nolan, que en su primer fin de semana en cartelera generó ingresos por USD 264,1 millones a nivel mundial, consolidándose como uno de los lanzamientos más exitosos del año para Hollywood.

La adaptación del clásico poema épico de Homero recaudó USD 124,5 millones en Estados Unidos y Canadá, mientras que los mercados internacionales aportaron otros USD 139,6 millones, según datos de la industria.

El resultado permitió que la película prácticamente alcanzara el valor estimado de su producción, calculado en alrededor de USD 250 millones, en solo sus primeros días de exhibición.

Desde una perspectiva económica, el desempeño de La Odisea representa una fuerte apuesta por el modelo tradicional de las grandes producciones cinematográficas, basado en presupuestos millonarios, distribución global y experiencias premium en salas.

La cinta fue rodada completamente con tecnología IMAX, un factor que impulsó la venta de entradas de mayor valor y elevó la rentabilidad inicial del proyecto.

El estreno también reafirma el peso comercial de Christopher Nolan dentro de la industria. Con esta producción, el director logró una de sus mejores aperturas internacionales y superó las previsiones iniciales de los analistas, que estimaban una recaudación inferior a los USD 100 millones durante el primer fin de semana en Norteamérica.

La película, protagonizada por Matt Damon junto a un elenco integrado por Anne Hathaway, Tom Holland, Zendaya y otros nombres destacados, se convirtió en un producto de alcance global que combina una marca cinematográfica reconocida, una historia universal y una estrategia de distribución orientada a maximizar ingresos en salas.

Industria de grandes estrenos. Aunque La Odisea logró una apertura extraordinaria, todavía se encuentra lejos de los récords históricos de Hollywood. El mayor estreno mundial registrado corresponde a “Avengers: Endgame”, que en 2019 obtuvo más de USD 1.200 millones en su primer fin de semana global, mientras que en el mercado norteamericano alcanzó aproximadamente USD 357,1 millones, liderando el ranking de aperturas domésticas.

Entre las mayores aperturas de Estados Unidos y Canadá también figuran “Spider-Man: No Way Home”, con unos USD 260 millones, y “Avengers: Infinity War”, con cerca de USD 257,7 millones en sus primeros días de exhibición.

En ese escenario, los USD 124,5 millones obtenidos por La Odisea no representan un récord absoluto, pero sí un resultado destacado para una película que no pertenece a una franquicia de superhéroes ni está basada en una saga moderna de consumo masivo. Su rendimiento confirma que los grandes nombres de la dirección, las producciones de alto presupuesto y las experiencias cinematográficas diferenciadas todavía tienen capacidad para atraer multitudes.

El impacto económico no se limita a las entradas vendidas. El éxito de un estreno de esta magnitud genera ingresos adicionales para cadenas de cines, plataformas de entretenimiento, empresas de distribución, fabricantes de productos asociados y todo un ecosistema vinculado a la industria audiovisual.

Con La Odisea, Hollywood vuelve a mostrar que una película puede transformarse en un verdadero activo económico global: una inversión multimillonaria que, cuando logra conectar con el público, puede convertirse en un fenómeno cultural y financiero.

El material cuenta con ocho canciones que se desenvuelven entre el pop, el rock y el indie.

“Realmente hacemos música para producir esas cosas noso­tros, música que nos haga expresar en nuestras melan­colías, nuestras alegrías, no es tanto que busquemos que el público sienta algo, por­que o si no vamos a privar­nos, de repente, de algunas cosas a nivel compositivo”, explica Hugo González, quien junto a la cantante Aslin Prieto, Racco Bazán y Josemi Peralta lanzaron en los últimos días “Cróni­cas de un naufragio”, el pri­mer álbum de larga duración del proyecto que compar­ten: Cielo Ámbar. “Hoy en día ya no jugamos más con eso, ya no nos metemos más en la cabeza el qué dirán o si va a gustar o no, hacemos nomás ya”, señala.

“La banda inició como un proyecto solista mío en el 2020, al principio iba a ser un proyecto solista en el que yo usaba el seudónimo de Cielo Ámbar. Después de sacar varios singles decidí formar la banda y en 2023, hice un EP con Aslin Prieto, que es la cantante”, narra Hugo, líder y bajista del pro­yecto.

Después de 6 años de mucho trabajo y búsquedas, Cielo Ámbar da un siguiente paso y presentó ya su nuevo mate­rial que cuenta con ocho canciones, siendo el corte de difusión “Crónicas de un naufragio”, que cuenta tam­bién con un video clip.

“Este corte nuevo, ‘Cróni­cas de un naufragio’, lo ele­gimos más que nada, porque fue una producción artística hecha en conjunto con Miki González de Villagrán, y es un tema que tiene mucha profundidad personal. La canción la escribí yo y trata de esas situaciones que se suelen dar entre personas en diferentes tipos de rela­ciones”, explica el músico.

Esta es la canción con la que abre el disco, y contó con la producción artística de Miky González Merlo, de Villagrán. El tema muestra a la banda desde un lado dife­rente que se podría describir como más oscuro. Entre las influencias de la banda citan a Babasónicos, Tan Biónica, Maná y Soda Stereo, entre los latinoamericanos. Tam­bién tenemos influencia de música en inglés, como Post Malone, Daft Punk, Depe­che Mode, The Killers, etc.

El álbum, que cuenta con una versión de “Persiana americana” de Soda Stereo, se desarrolló entre el pop, el rock y el indie. “La ver­sión de Soda salió por una cuestión de generar con­tenido nomás que estába­mos haciendo los sábados. Acabamos temas acústicos nuestros y algunos covers y ‘Persiana americana’ pegó. Nos sentíamos muy cómo­dos con la tonalidad de cómo le salía a Aslin, y decidimos probar una versión exten­dida, y la incluimos en el álbum”, agregó.

Cielo Ámbar ya cuenta con un importante recorrido en la comunidad musical de Asunción, manteniendo su estilo y echando mano a su versatilidad que le ha abierto puertas a festiva­les como el Rock al Puerto donde compartieron esce­nario con artistas como Dillom y La Bersuit.

• Jimmi Peralta
• Fotos: Gentileza

El cantautor paraguayo Fer Velázquez (33) lanzó el sencillo “Sueño o realidad”, una canción inspirada en la selección paraguaya y en lo que representa para los seguidores del fútbol cada hazaña y cada derrota. Cantautor y periodista, Fer viene de presentar dos EP, “T-Surge” y “Perdiendo el control”, abordando diversas tématicas y géneros musicales. En este último trabajo tuvo el acompañamiento en la producción y guitarra de Willy Chávez.

La Nación/Nación Media conversó con Velázquez sobre su vínculo con la música, su trabajo compositivo y su nueva canción en el contexto de la Copa Mundial de Fútbol 2026, una competencia a la que Paraguay volvió tras 16 años de ausencia.

–¿Cómo surge la idea de esta nueva canción dedicada a la selección?

–La nueva canción “Sueño o realidad” fue inspirada tras el partido de Paraguay ante Bolivia, donde Julio Enciso convirtió el segundo gol agónico, desatando los festejos, euforia y felicidad de todos por acariciar la clasificación. Recuerdo que tenía solo las frases iniciales del tema después de llegar de los festejos y decía “Cuánta alegría, señor, cuánto baila ese 10, el sueño de un pueblo que quiere volver a creer”. Posteriormente la hice más genérica y la cambié por “Tanta alegría por volverte a ver”, pero inicialmente me inspiró ese gol, cómo la felicidad de ese gol, el baile de celebración y cómo terminamos celebrando todos frente al Panteón de los Héroes. Ahí nadie recordaba sus problemas, nadie estaba preguntándose por mañana, todos estaban disfrutando ese momento, algo que quizós solo el fútbol y la música te pueden ofrecer.

–¿El fútbol ocupa un lugar importante en tu vida?

–De chico practiqué en el club de mis amores, la academia, el Club Nacional, el club de mi padre, de mi abuelo y mis hermanos. Hubo un tiempo en el que no faltaba a ningún partido y fue otra de las conexiones con mi padre, porque los hombres a veces no expresamos muchas cosas que nos pasan. Recuerdo que mi papá nunca había visto salir campeón a Nacional, tenía como 56 años cuando eso, yo fui a la cancha, él no por cábala. Al llegar nos abrazamos y lloramos. Nunca había visto llorar a mi papá y hasta hoy es frecuente ver el partido en familia, a veces ir a la cancha.

–¿Sentís que la sociedad de alguna forma proyecta también cosas en el fútbol como en la música?

–El fútbol es algo mucho más masivo, algo más en conjunto, no distingue color, sexo, ideología, es transversal a cualquier clase social, es celebrado tanto por intelectuales como por las masas, por toda la familia. En cambio, la música es más personal, la misma canción puede no gustar o identificar a todos en ese mismo momento. La música te acompaña en varias etapas de la vida y te encuentra en diferentes momentos. A veces entiendes el mensaje recién cuando te pasa eso. El fútbol es multitud, es pasión, es unidad en un país o mundo dividido, desigual. Ningún artista puede hacer feliz a todo un país como un gol a los 90. El fútbol nos lleva a pensar que todo es posible, nos traspola a nuestra vida y metas personales. Todos proyectamos aquello que buscamos. Al final, como diría Camus, el acto de intentar es el único absurdo que realmente importa.

–Venís grabando y publicando con autogestión. ¿Cuál es el motor que impulsa tu proyecto?

–En Paraguay no existe una industria desarrollada para los artistas, hay varias estructuras que convergen, pero siempre recae en uno seguir creando, siempre depende de uno poner de su parte para desarrollar lo que le gusta. Uno debe encontrar su nicho, su mercado. En mi caso, sigo en la búsqueda de conectar con la gente, de que también sepan que hacemos cosas buenas. Soy músico independiente y sostengo mi carrera de solista con el trabajo que hago como periodista, pagando por producción, músicos sesionistas, fotos, diseños, registro de autor, todo lo hago yo mismo. Me he quedado varias veces sin aguinaldo siguiendo mi sueño de hacer música. –El sonido al que apostás es no solo multiinstrumental, sino bien de banda. ¿De dónde vienen tus influencias sonoras?


–Mi sonido fue mutando de acuerdo a los productores con los que he trabajado. Al principio y en esencia, soy solo yo y mi guitarra, pero cuando uno entra a un estudio, se van sumando cosas, desde la perspectiva del productor, sus propias influencias y lo que uno busca. También tuve bandas, pero al ser una persona muy ansiosa no me gusta perder el tiempo entre las dudas o tener que esperar a que el otro se decida a grabar su parte, por lo que fui optando por productores y músicos sesionistas.


–Trabajaste dos EP. ¿Qué cosas en común y qué diferencias tienen ambos trabajos?


–“T-Surge” fue trabajado con Guille Sepúlveda de la Pieza Musical, un músico multiinstrumentista que le dio colores a diferentes canciones y estilos. Pasó un tiempo y coincidí con el hermano de Willy Chávez, a quien siempre admiré en lo personal como guitarrista. Jamás pensé que podíamos producir juntos y tener el placer de hacer canciones, incluso componer. Hubo un cambio entre un álbum y otro, porque en el primero buscaba agradar o llegar al público y en el segundo solo buscaba grabar las canciones que a mí me gustaban.


–¿Cómo enfocás, siendo vos alguien que también trabaja de escribir, la relación entre sonido y texto? ¿Hay prioridades?


–En mi caso, creo que la letra y melodía ya marcan hacia dónde ir, porque mis composiciones tienen ya un sonido e idea de lo que busco. En el caso con Willy, terminó potenciando y sonando como incluso nunca me imaginé, aportándole todo su talento y producción. Creo que fue un salto enorme entrar a un estudio con él, ver cómo iba armando la canción desde lo básico que le había llevado yo y darme la oportunidad de elegir entre solos de guitarra, ver cómo canciones que tenía guardadas cobraban fuerza y terminaron siendo algo de lo que me siento orgulloso.