El vínculo con la naturaleza es el motor de inspiración de esta exposición que será inaugurada mañana, en el Centro Cultural del Lago, protagonizada por artistas familiares de la maestra de la cerámica Keka Zaldívar.

El Centro Cultural del Lago de Areguá habilitará mañana, a las 11:00, la muestra “De la tierra y el tiempo”, una exposición que reúne a familiares de la maestra de la cerámica Keka Zaldívar, en una propuesta donde generaciones de artistas abordan su vínculo con la naturaleza a través de la cerámica, la fotografía, la pintura, el dibujo y la escultura. Se trata de obras de Marité Zaldívar, Amelí Schneider Zaldívar, Juan José Ivaldi Zaldívar, Jimena Zaldívar y Guillermo Zaldívar.

“Son cinco artistas paraguayos que comparten sangre, memoria y un origen común en el barro. Se trata de una familia que a lo largo de tres generaciones ha producido artistas, gestoras culturales y maestras, configurando un linaje de prácticas artísticas. No se trata de un movimiento estético ni una escuela formal: es un modo de vivir donde la creación fue siempre el centro de lo doméstico, lo afectivo, lo ético y lo filosófico”, expresa Ysanne Gayet, directora del Centro Cultural del Lago.

Ese punto de origen tiene nombre: Keka Zaldívar. Ceramista, docente y gestora cultural nacida en Paraguarí en 1927, condecorada por el Congreso de la Nación como Maestra del Arte.

“Keka, quien fue vecina de Artesanía Sambucu, mi galería en San Lorenzo durante los años 70 y 80, exponía y vendía allí su cerámica esmaltada. Ambas, Keka y yo, luchábamos a diario contra los futbolistas de la cancha de enfrente, que frecuentemente lanzaban su pelota por la puerta semi abierta del local, ¡rompiendo sus jarrones!”, recuerda la artista y promotora cultural

“Años después, al cerrar Sambucu, fueron primero la familia de sus nietos Jimena y después la de Guillermo Zaldívar, quienes alquilaron la propiedad. Jamás perdí el contacto con su abuela, ni tampoco con otros miembros de la familia, especialmente con Marité, quien abrió la galería Aleph en Asunción, Amelí, quien expone en el CCDL desde su apertura en el año 2010, y Guille, con quien nos encontramos en el Museo del Barro y durante sus numerosas visitas a Areguá. En cada encuentro recordamos a Keka”, memora Ysanne.

Abril trae una serie de exhibiciones de artes visuales; una de ellas es la que propone Matices Art Gallery (Cruz del Defensor 241). Se trata de la muestra “Estandartes” que reúne a 25 artistas en una propuesta construida en paralelo, donde se conjugan 11 producciones individuales de creación libre y 14 obras del colectivo desarrolladas en el taller Gaby Di, bajo la dirección y coordinación de Marta Benítez, realizadas en acuarela sobre seda.

Entre tanto, en Fuga Villa Morra (Alfredo Seiferheld 5144 c/ De Gaulle), se habilita mañana, a las de 16:00, “Entrecasa”, que presenta obras de Leticia Casati y Marcela Dioverti, con textos de Damián Cabrera. Por otro lado, “Altea: la forma y su eco” se denomina la exposición que será inaugurada el próximo jueves 16, en Viedma Galería (Denis Roa 768); en ella, Eneide Boneu indaga los umbrales donde las figuras se desplazan, mutan y persisten más allá de sus contornos originales.

El miércoles 15, a las 19:00, en Galería Exaedro (Acá Caraya 595) se presentan las obras del artista venezolano residente en Paraguay Gilberto Padrón, quien comparte una nueva serie con su carga de simbolismos donde abundan seres fantásticos en espacios imaginarios, construcciones matemáticas imposibles y una paleta cromática distintiva.

La exposición “Tejer mundo, tramar paisaje”, impulsada por CAF, reúne piezas textiles de distintas culturas del continente y propone mirar el tejido como una expresión viva de identidad, memoria y conocimiento.

La riqueza cultural de América Latina también se expresa en sus tejidos. Desde los huipiles mayas de Mesoamérica hasta el ñandutí paraguayo, las tradiciones textiles del continente conservan historias de territorio, identidad y transmisión de saberes que han perdurado durante generaciones.

Esa diversidad llegará a Asunción con la exposición “Tejer mundo, tramar paisaje. Textiles latinoamericanos: patrimonio vivo y expresiones contemporáneas”, que será inaugurada el martes 17 de marzo a las 17:00 en la Casa de la Integración de CAF - Banco de Desarrollo de América Latina y el Caribe.

La muestra reúne una amplia diversidad de tradiciones textiles del continente y propone un recorrido por distintas culturas de la región a través del tejido entendido como archivo de memoria, lenguaje visual y práctica viva de conocimiento.

Las piezas exhibidas provienen de comunidades mesoamericanas, andinas, amazónicas y del Cono Sur, y revelan la riqueza de técnicas, simbolismos y usos del textil como arte, indumentaria y expresión cultural.

Entre las obras presentadas se encuentran huipiles mayas de Guatemala, molas del Caribe panameño y colombiano, textiles andinos, bordados amazónicos y piezas emblemáticas del Paraguay como el ñandutí, el ao po’i y tejidos en fibra de caraguatá del Chaco.

Cada una de estas piezas refleja el vínculo entre territorio, identidad y transmisión de saberes que caracteriza a las culturas textiles de América Latina.

Más allá de su valor estético, el arte textil es hoy reconocido como una forma de conocimiento y una expresión cultural viva que continúa evolucionando en las comunidades que lo producen.

La presentación de la muestra en Asunción forma parte de una itinerancia regional impulsada por CAF - Banco de Desarrollo de América Latina y el Caribe en el marco de su programa de programación, circulación y visibilización cultural regional.

La exposición fue presentada previamente en Montevideo en octubre de 2025 y en Panamá en enero de 2026, y continuará su recorrido por otros países de la región con el objetivo de promover la circulación de artistas, artesanos y creadores de América Latina y el Caribe, fortaleciendo el intercambio cultural y la integración regional.

La curaduría de la muestra está a cargo de Emiliano Valdés, curador guatemalteco reconocido por su trabajo en torno al arte contemporáneo y los contextos culturales de América Latina.

Valdés fue curador jefe del Museo de Arte Moderno de Medellín durante más de una década y ha participado en proyectos internacionales como la Bienal de Gwangju y el programa público de dOCUMENTA (13) en Kassel.

En esta propuesta curatorial, el tejido es presentado como un lenguaje cultural que conecta memoria, territorio y comunidad, invitando a observar los textiles no solo como objetos artísticos, sino como expresiones vivas de conocimiento que siguen formando parte del presente de América Latina.

Con motivo del Día Nacional del Jaguareté, a celebrarse este sábado, destacan avances alcanzados en la conservación de la Panthera onca y la protección de su hábitat natural.

La campaña Paraguay Más Jaguareté es impulsada por WWF-Paraguay junto a Guyra Paraguay, la Fundación Moisés Bertoni, la Asociación para la Conservación de la Vida Silvestre, la Facultad de Ciencias Exactas y Naturales (FACEN). Dichas organizaciones reafirman su compromiso con la biodiversidad y el desarrollo sostenible del país.

Con el lema “Cada huella cuenta”, la iniciativa ha logrado visibilizar la importancia de este felino, símbolo de la biodiversidad paraguaya, y de los ecosistemas que habita, promoviendo la coexistencia entre la naturaleza y las personas.

Para este cometido, utilizan la ciencia, la educación ambiental, el arte y el trabajo conjunto con instituciones, comunidades y aliados locales. En el país, la campaña trabaja en el Bosque Atlántico y el Chaco paraguayo, con el objetivo de proteger y reconectar los hábitats naturales esenciales para resguardar el futuro de la especie.

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En zonas del Chaco como el Pantanal paraguayo, particularmente en Bahía Negra, destacan que la riqueza del paisaje y la posibilidad de observar la fauna en libertad convierten al territorio en un lugar ideal para el ecoturismo.

El Congreso Nacional aprobó la Ley N.º 7145/2023, que establece el 29 de noviembre como el Día Nacional del Jaguareté, reconociendo oficialmente su importancia ecológica y cultural.

Este año se desarrolló el Biofestival de Bahía Negra “celebrando la biodiversidad y la cultura del Pantanal paraguayo”. Al mismo tiempo, fue publicada la Guía de Turismo de Bahía Negra, resaltando su enfoque en ecoturismo y conservación.

La WWF-Paraguay, en alianza con la Secretaría Nacional de Turismo (Senatur), inauguró una innovadora cabina inmersiva denominada “Sentí el Chaco”, ubicada en el Centro de Interpretación del Gran Chaco Americano de Filadelfia, Boquerón.

El objetivo: acercar al público a la biodiversidad y la cultura del Gran Chaco Americano. El 2025 cierra con la celebración del Día Nacional del Jaguareté, celebrando los logros alcanzados y haciendo un llamado de concienciación a la ciudadanía: vivir en armonía con la naturaleza. De modo a seguir escuchando rugir al “rey de las Américas”.

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• Luis Vera (*)
• Fotos: Gentileza

En la Casa Bicentenario de las Artes Visuales Ignacio Núñez Soler, del CCR El Cabildo, con el apoyo del Centro Cultural de España Juan de Salazar, permanecerá abierta hasta el próximo 5 de diciembre la muestra “Impermanencia”, de la artista Lucy Yegros, que encapsula toda una vida de investigación estética y compromiso ético.

Marcando el octogésimo quinto año de vida de la maestra Lucy Yegros, la exposición reúne transformaciones realizadas por Lucy sobre fotografías del arquitecto y fotógrafo alemán Joachim Zangemberg, a quien le rinde homenaje póstumo. Ella no interviene; ella transforma. Esta distinción semántica hecha por ella misma no es trivial; es la clave para comprender todo el proyecto.

No es un gesto que borra, sino el de una reinscripción; no de una conquista de la imagen, sino de un ritual de reencuentro. Desde el principio establece desde una relación no jerárquica y respetuosa con la obra de su amigo. Con un gesto que es a la vez diálogo y danza, sigue los surcos del mundo moderno para despertar en ellos los espíritus de la cosmología guaraní.

Es una serie que encapsula toda una vida de investigación estética y compromiso ético. En un momento de merecido homenaje a su vasta trayectoria, que incluye participaciones en las bienales de Venecia y Sao Paulo, Lucy no ofrece una retrospectiva, sino un audaz paso hacia adelante, un gesto de su incesante vitalidad creativa.

Las fotografías de Joachim, que registran las marcas y líneas de la intervención en un edificio, representan un rastro de la modernidad occidental: racional y estructural. Sobre ellos, el acto de seguir los trazos y pintar esos surcos entra en un diálogo con las líneas existentes, tratándolas no como un lienzo en blanco, sino como un interlocutor. Esta capacidad para percibir el potencial latente en cualquier forma es una constante en su práctica artística. En una vieja pala, un pedazo de madera, tejidos u otros restos, la artista desarrolla su inmensa creatividad.

Su arte no se puede separar de su inmensa alegría y su generosidad desbordante. Porque para ella crear no es un acto solitario, sino la forma más elevada de festejar la vida y de tejer comunidad. En estas obras, como en su propia existencia, Lucy nos muestra que la belleza más profunda es, y siempre ha sido, un modo de ser en el mundo.

Aunque es una palabra guaraní, Lucy lo escribe con el acento grave francés, como declaración de su libertad creadora. Desde 1990, en la exposición en el Museo de Arte de Sao Paulo, firmó sus obras como Aretè, que es polisémica y rica en connotaciones. Contiene la raíz “ára” (tiempo) y el sufijo “ete” (verdadero), sugiriendo la idea de un “tiempo verdadero” o “fiesta sagrada”, en la cultura guaraní occidental.

La clave para interpretar la praxis de Yegros como arete nos la proporciona el antropólogo paraguayo José Antonio Gómez Perasso, quien escribió una de las presentaciones más lúcidas de su obra. Él afirma: “Sobre diversos soportes, Lucy Yegros, como en invitación a la danza ritual, nos lleva de la mano a su mundo, a la búsqueda de un tiempo en el que el hombre era rico; rico porque era capaz de comunicarse con la naturaleza toda; rico porque era capaz de soñar… Lucy firma ‘Aretè’, apelativo que en el vocabulario ghiriguano-guaraní designa al rito de ‘reencuentro’ con los antepasados”.

En esta celebración, ritual y conexión con un tiempo primordial, Aretè no es un sustantivo estático, sino un verbo, una acción permanente de conexión con el mundo.

El concepto de arete como “tiempo verdadero” sugiere que la obra de Lucy Yegros opera fuera de la concepción lineal y progresiva del tiempo occidental.

Volviendo al “encuentro”, un aspecto crucial es que Lucy no pertenece a un grupo específico de artistas, está incluida en todos. Esta aparente paradoja es, en realidad, la clave de su virtud e influencia. Los movimientos y colectivos artísticos a menudo se definen por programas estéticos estrictos y por exclusión.

Lucy, en cambio, opera con una libertad soberana que le permite conectar con todos los sectores de la comunidad artística. Esta posición social es una verdadera manifestación de su filosofía del encuentro.

En el Paraguay, este término celebra a quien se pone frente a la vida con el mejor de los ánimos y esperanzas, a quien se involucra, participa y se entrega con una energía vital contagiosa. Es la encarnación de lo que la propia Lucy Yegros afirma sobre nuestra esencia: que somos “espíritus alegres”. Este espíritu no es pasivo; es una fuerza activa que impulsa su generosidad, su capacidad para conectar con todos y su negativa a ser encasillada. Es el motor del espíritu memete de su tekoporã, la prueba de que el buen vivir no es solo un estado de armonía, sino una práctica gozosa y valiente de creación constante.

“Nací en Asunción el 26 de octubre de 1940 y renací en Villarrica ese mismo día”, expresa la artista, reafirmando su vínculo con la tierra y su espíritu de transformación constante.

Artista visual de múltiples lenguajes, investigadora de las formas primigenias, combina instalación de objetos, literatura y performance. Estudió en varios talleres de arte de Sudamérica, Europa, Estados Unidos y Japón.

Lucy dedica su vida a la investigación y transformación de papeles, fibras vegetales y reciclaje de objetos, sin descuidar las técnicas clásicas de pintura. Su incursión en la orfebrería la realizó en el taller del maestro Michael Oliver, experiencia que aplica a la reinterpretación de diseños de joyería colonial, y en el desarrollo de objetos de su vestuario personal.

Ha publicado recientemente “Vida de gatos”, libro que reúne haikus e ilustraciones.

* Curador de la muestra y director de la Casa Bicentenario de las Artes Visuales Ignacio Núñez Soler