Hollywood no habla de otra cosa: cómo las cintas de terror indie “Obsesión” y “Backrooms: sin salida”, dirigidas por YouTubers veinteañeros, llevaron a la Generación Z en masa a los cines para protagonizar estrenos millonarios. Los infinitos pasillos amarillos de “Backrooms: sin salida”, dirigida por Kane Parsons, de 20 años, aterrorizaron a decenas de miles de personas en su estreno este fin de semana, cuando totalizó 118 millones de dólares en boletería.

El éxito del estudio A24 siguió a “Obsesión”, de Curry Barker, de 26 años, que en dos semanas lleva 148 millones de dólares en todo el mundo, un batacazo para la cinta de Focus Features, cuya producción costó 750.000 dólares. “No hay otra manera de ver esto que no sea como un enorme éxito y un verdadero punto de quiebre para la industria”, dijo a AFP, Matthew Frank, editor asociado de la publicación The Ankler.

“La gran mayoría de los compradores de boletos este fin de semana y los últimos fines de semana (...) han sido menores de 35 años, e incluso menores de 25. Están llegando a este grupo demográfico al que normalmente no se le habla de manera específica”, agregó. Las salas de cine han enfrentado un declive impulsado, entre otras cosas, por la popularidad del streaming, la pandemia del covid y las huelgas que paralizaron a Hollywood en 2023.

Pero los números este año inyectaron optimismo al sector que estima alcanzar los mejores resultados desde la pandemia.

Esto en parte gracias a la Generación Z, que levantó la taquilla en un 25% el año pasado, de acuerdo con un reporte del National Research Group.

Y los dueños de las salas de cine celebran.

“Estamos eufóricos con estos fines de semana”, dijo Ronnie Yount, dueño de la cadena Phoenix Theaters, en el Medio Oeste de Estados Unidos.

Yount sostuvo que ambas cintas impulsaron su taquilla a niveles alcanzados con éxitos conocidos como “Lilo y Stitch”, algo que parecía impensable.

“El gran problema de Hollywood durante un tiempo fue decir ‘ah son los jóvenes’, cuando en realidad es porque ellos están haciendo la décima franquicia que era popular para sus padres”, dijo Frank.

“Cuando haces algo para esa audiencia, ellos asistirán (...) y eso quedó probado este fin de semana”, agregó.

Pero ¿cuál es la fórmula del éxito?

Parsons es conocido como Kane Pixels en YouTube donde alimenta una audiencia de 3,2 millones de suscriptores, y contabiliza más de 300 millones de visualizaciones.

La inspiración para sus “Backrooms” surgió de una foto que alguien publicó en un foro de internet en 2019 y que mostraba, sin contexto, un espacio amarillo.

Parsons, un adolescente en la época, explicó a AFP en una entrevista reciente que visualizó la imagen como “un concepto de ciencia ficción muy tangible”.

El creador de contenido desarrolló un video que mostraba a un joven perdido en los terroríficos pasillos, y que en pocos días acumuló millones de visualizaciones, y derivó en un contrato con A24 para llevar esta pesadilla infinita a la pantalla grande, ahora protagonizada por Chiwetel Ejiofor y Renate Reinsve.

Barker saltó de una audiencia de 1,1 millones de suscriptores en su “That’s a Bad Idea” a ser la comidilla del cine con su espeluznante “Obsesión”.

Estrenada en el Festival de Cine de Toronto en 2025, la producción sigue las horrorosas consecuencias que un joven sufre tras romper una especie de palito de la fortuna para pedir un deseo: que su interés romántico lo ame más que a nada en el mundo.

“Cada estudio y compañía de producción en Hollywood ahora mismo está buscando y preguntándose ¿cómo podemos replicar esto?”, dijo Frank.

“Es algo muy emocionante, no sólo porque son éxitos enormes, sino porque fueron hechas con estos presupuestos limitados”. Frank opinó que aunque el primer impulso es saltar a YouTube como un mecanismo de descubrimiento de nuevos talentos, hay otros factores en juego. “Es necesario aun así encontrar grandes cineastas, quienes pueden venir de cualquier lugar”.

Fuente: AFP.

• Por David Sánchez, desde Toulouse (Francia), X: @tegustamuchoelc (*).

Ugo Bienvenu habla despacio, como si todavía no terminara de entender todo lo que le ha ocurrido en el último año. El ilustrador, autor de cómic y director francés, convertido hoy en una de las grandes figuras emergentes de la animación europea, se mueve por Cannes con la sensación de estar cerrando un capítulo gigantesco de su vida. Uno que comenzó hace tiempo en circuitos alternativos, entre videoclips y novelas gráficas, y que terminó desembocando en Hollywood, en la carrera de los Oscar y en una nominación frente a gigantes de la industria mundial.

Antes de llegar ahí, Bienvenu ya era una referencia visual para toda una generación gracias a trabajos como Fog, el videoclip realizado para el dúo francés Jabberwocky. Aquella pieza, melancólica y futurista, terminó definiendo gran parte de su identidad artística: personajes vulnerables, atmósferas suaves y una ciencia ficción profundamente humana. Después llegarían sus cómics, sus ilustraciones y finalmente Arco, la película que lo cambió todo.

El filme se convirtió en una de las grandes revelaciones del cine de animación francés, ganó el Cristal al mejor largometraje en Annecy y acabó entrando en la carrera de los Oscar a mejor película de animación, donde compartió presencia con producciones multimillonarias estadounidenses. El contraste todavía le parece irreal. “Fue completamente una sorpresa”, reconoce. “Yo no soy realmente del mundo del cine. No es algo que me fascinara especialmente. Ni siquiera sabía que algo así fuera posible”.

La película llegó además en un momento personal extremadamente delicado. Mientras Hollywood lo absorbía entre proyecciones, campañas y eventos industriales, Bienvenu acababa de tener a su segundo hijo. “Mi hijo tenía seis meses cuando tuve que empezar la campaña de los Oscar”, explica. “Y fue muy duro dejar la casa. Sentía que no estaba en el lugar correcto”.

Lejos de la imagen glamourosa de Hollywood, el director recuerda aquella experiencia como una mezcla extraña entre euforia profesional y agotamiento emocional. “Profesionalmente era increíble”, admite. “Pero personalmente fue muy duro”.

Durante la promoción estadounidense descubrió también algo que terminó marcándolo profundamente: la admiración que muchos profesionales de la industria sentían por la libertad creativa de su película. Según cuenta, varios cineastas de grandes estudios le confesaron cierta frustración respecto al sistema industrial americano. “Todos los comentarios que recibí, incluso de grandes estudios como Pixar o Disney, eran que les encantaría hacer películas así”, recuerda. “Pero que su sistema les impide hacer eso”.

La frase resume buena parte de la posición que ocupa hoy Bienvenu dentro de la animación contemporánea: un cineasta capaz de competir con las grandes producciones sin perder una identidad completamente artesanal y personal. “Ellos tienen muchos más medios que nosotros”, continúa. “Pero esos medios les impiden hacer películas libres. Nosotros tenemos menos medios, pero hacemos películas que ellos querrían hacer”.

Quizá precisamente por eso Unifrance lo ha incorporado al programa “10 to Watch”, la selección anual que identifica a diez talentos franceses llamados a marcar el futuro del audiovisual europeo. Un reconocimiento que llega en el momento exacto en que Bienvenu parece debatirse entre continuar creciendo o regresar a algo más íntimo.

En Cannes, de hecho, no ha vuelto únicamente como director de Arco. Este año participa también como productor de una nueva película presentada en la Semaine de la Critique. Y es precisamente ahí donde siente que el ciclo de Arco empieza a cerrarse. “Siento que ahora sí quedó detrás de mí”, explica. “Cierra un capítulo y abre otro nuevo”.

Ese nuevo capítulo es Adieu monde cruel, dirigida por Félix de Givry, amigo cercano y colaborador creativo habitual de Bienvenu. Ambos desarrollaron sus películas prácticamente al mismo tiempo, produciendo mutuamente sus proyectos. “Mientras él producía la mía, yo producía la suya”, cuenta.

El proceso fue arriesgado desde el principio. Según recuerda, mucha gente les decía que estaban haciendo las cosas de manera equivocada. “Nos decían que no era así como se hacían las películas”, afirma. “Que no era así como se contaban historias. Que no estaba bien”.

Sin embargo, la apuesta terminó funcionando. Dos años consecutivos en Cannes para una productora que apenas había realizado dos largometrajes. “Estamos felices de haber tomado riesgos”, dice. “Tomamos muchísimos riesgos con las dos películas”.

Y añade una frase que parece resumir perfectamente la mezcla de incredulidad y alivio que atraviesa toda su carrera reciente: “Ver que creer en nosotros mismos valía la pena… que no éramos simplemente idiotas o locos”.

Bienvenu habla constantemente de amistad cuando habla de cine. Mucho más que de industria o de estrategia. Esa dimensión humana atraviesa también Adieu monde cruel, película que define como una especie de hermana de Arco. “Es la historia de un personaje que pasa de la sombra a la luz”, explica. “Es como el hermano pequeño de Arco, o el hermano mayor, no lo sé. Pero son películas de la misma familia”. Y remata con otra frase profundamente reveladora sobre su visión artística: “Son películas de reconciliación con lo real”.

En paralelo al reconocimiento cinematográfico, Bienvenu ha desarrollado también una intensa actividad como artista visual. Durante la campaña de premios comenzó a llenar cuadernos con dibujos realizados entre aeropuertos, hoteles y viajes constantes. Aquellos bocetos terminaron convirtiéndose en Futur Intérieur, la exposición que presentó recientemente en la Galerie Martel de París.

“Durante la campaña empecé a hacer dibujos”, cuenta. “Llevaba siempre conmigo un gran cuaderno de bocetos y hacía dibujos que tenía ganas de hacer”. La exposición nació casi accidentalmente. La galería llevaba años proponiéndole realizar una muestra, pero nunca encontraba el momento adecuado. “No tenía nada que proponerles”, explica. “Y entonces empecé esta serie de dibujos y me preguntaron si quería continuarla para exponerla”.

Lo que más le interesaba de ese proceso era precisamente su carácter espontáneo y personal, alejado de cualquier presión industrial. “Era simplemente felicidad y placer”, dice sobre aquellos dibujos.

La necesidad de regresar a ese espacio íntimo aparece constantemente en la conversación. Después de la dimensión gigantesca que alcanzó Arco, Bienvenu parece necesitar distancia respecto a las grandes producciones. “Tengo una idea para el futuro”, reconoce. “Pero ahora mismo todo esto es demasiado grande”.

“Las películas son algo muy grande, y creo que ahora necesito hacer cosas un poco más pequeñas. Necesito hacer cosas más íntimas”. Su reflexión termina alejándose completamente del discurso habitual sobre el éxito cinematográfico. “Hacer películas significa trabajar con muchísima gente”, explica. “Y lo que me gusta de este trabajo es tener amistades, vivir una aventura con personas que quiero”.

Por eso insiste en que antes de volver a dirigir necesita recuperar energía emocional. “Necesito tener la suficiente fuerza para llevar a un equipo conmigo y darles energía”, dice. “Y ahora mismo todavía no tengo esa fuerza”.

Quizá ahí resida precisamente la singularidad de Ugo Bienvenu. Mientras buena parte de la industria audiovisual contemporánea persigue velocidad, expansión y franquicias infinitas, él sigue hablando de cine como algo profundamente humano: una mezcla de amistad, fragilidad, intuición y riesgo. Y precisamente por eso se ha convertido en una de las voces más importantes del nuevo cine de animación europeo.

* David Sánchez es un periodista franco español afincado en Toulouse, centrado especialmente en cine iberoamericano, miembro de la crítica internacional Fipresci. Sitio: https://www.tegustamuchoelcine.com.

El compositor paraguayo Diego Sánchez Haase estrenará su obra “Cóncava noche. Serie pitagórica para violín y violín eléctrico” en el marco del prestigioso Puccini Chamber Opera Festival 2026, que se realiza en la ciudad de Lucca (Italia), y que dirige el maestro italiano Girolamo Deraco; el domingo 24 de mayo a las 18:00, en el Centro Risorse Educative e Didattiche di Lucca.

La interpretación estará a cargo del violinista Horacio Viñales, quien encargó la obra a Sánchez Haase en el año 2023. “Cóncava noche” presenta una serie numérica pitagórica, inspirándose en el poema “La noche cíclica” de J. L. Borges. Los números de la serie (3, 4 y 5) son representados de diversas maneras: ya sea por las cifras de compás, los intervalos que conforman la línea melódica (terceras, cuartas y quintas y sus inversiones), las figuraciones rítmicas o por intervalos armónicos. Así mismo, la idea sonora plantea el uso de un violín acústico convencional, para pasar luego al violín eléctrico con sonoridad distorsionada, retornando luego – para cerrar el círculo y la noche cóncava de la misma manera en que inició – al instrumento convencional.

“La pieza es un homenaje a Pitágoras, a Bach y a Borges, tres personalidades fundamentales de la historia cultural de la Humanidad”, señala el compositor. “En la pieza exploro sonoridades no convencionales, con un lenguaje vanguardista. Al uso constante de técnicas extendidas en el violín acústico convencional, se suman las diversas distorsiones sonoras del violín eléctrico. El mismo instrumentista toca de manera alternada ambos instrumentos, y todo el discurso musical se basa en una serie numérica pitagórica”.

La pieza fue escrita a inicios del año 2023, por encargo del violinista y compositor Horacio Viñales. “Espero que esta obra sea una contribución para ampliar el repertorio de compositores paraguayos y latinoamericanos para violín solo”, finaliza el músico guaireño. Desde hace varios años, el maestro Sánchez Haase desarrolla una importante y fructífera colaboración con el Puccini Chamber Ópera Festival. En el año 2018 recibió el Cluster Prize en la ciudad de Lucca, ciudad natal del célebre compositor de ópera Giacomo Puccini.

El Festival de Cannes vivió este sábado una de sus jornadas más estelares, con un Javier Bardem radiante en el estreno de “El ser querido”, y otras estrellas como Kristen Stewart o Julianne Moore.

Bardem protagoniza la película del español Rodrigo Sorogoyen en la que da vida a un cineasta famoso que busca reencontrarse con su hija actriz, a la que le propone un papel en su nuevo filme.

Con un elegante esmoquin y pajarita negra, el oscarizado intérprete saludó al público antes posar en la alfombra roja, con el resto del equipo.

“El ser querido” arranca con una secuencia de una veintena de minutos en la que padre e hija (Victoria Luengo) se reencuentran por primera vez en más de una década.

“Fue una escena rodada en tiempo real, basada en la improvisación, pero con una estructura muy clara de qué se tenía que hablar y a dónde teníamos que dirigir la escena”, explicó Bardem en una entrevista a AFP antes de la proyección.

El actor de 57 años suele aprovechar grandes momentos mediáticos para alzar la voz contra temas que le indignan, como la guerra en Gaza o el conflicto saharaui.

“Considero importante poder expresar tu punto de vista, sabiendo que habrá gente que estará de acuerdo y gente que no”, dijo.

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El filme de Sorogoyen es uno de los tres largometrajes españoles que compiten por la Palma de Oro, junto a “Amarga Navidad” de Pedro Almodóvar, y “La bola negra” de Javier Calvo y Javier Ambrossi, en una edición histórica para el cine ibérico.

Este sábado también fue el turno de otra cinta muy esperada: “Sheep in the box”, del japonés Hirokazu Kore-eda, quien ya tiene una Palma de Oro por “Un asunto de familia” (2018). Con esta historia sobre una pareja que adopta a un robot humanoide que es exactamente como su hijo fallecido podría llevarse un segundo galardón.

El cineasta japonés es un asiduo de la muestra y ha estado en competición en casi una decena de ocasiones. Múltiples veces ha sido recompensado, como el premio del jurado que obtuvo por “De tal padre, tal hijo” (2013).

Otro habitual de la Croisette es el estadounidense James Gray, que esta vez aspira por sexta vez a coronarse.

Su “Paper tiger”, uno de los últimos títulos anunciados por los organizadores, es un thriller en la tónica de sus primeros filmes, “Little Odessa” o “The Yards”, obras que fueron aplaudidas por la crítica.

El filme, protagonizado por Scarlett Johansson, Adam Driver y Miles Teller, cuenta cómo dos hermanos que persiguen el sueño americano acaban atrapados en una peligrosa red vinculada a la mafia rusa.

Otra estrella hollywoodiana que acaparó todos los focos fue la actriz Kristen Stewart que, junto a Woody Harrelson, protagoniza la película francesa “Full Phil”, del a menudo extravagante Quentin Dupieux.

En ella dan vida a un padre y una hija en plena crisis en una ciudad tomada por los “chalecos amarillos” en una especie de anti-“Emily in Paris”.

Y en una charla al margen del festival, la actriz estadounidense Julianne Moore instó a las mujeres a unirse para intentar estar más presentes en la gran pantalla, puesto que el número de mujeres y niñas protagonistas en las películas más taquilleras bajó al 37 %, un 10 % menos en un año.

“No es algo endémico sólo de la industria cinematográfica, es global”, dijo Moore, tras recibir el premio Women In Motion del grupo de lujo Kering.

“No hay representación en los medios, no hay representación en la educación superior. Hay muchos ámbitos en los que no tenemos la representación que merecemos”, añadió la actriz, ganadora de un Óscar por “Siempre Alice” (2014).

“¿Cómo puedes cambiar esto? Lentamente, de forma constante, alzando la voz, usando tus privilegios, contratando a más gente, hablando de alianzas”, dijo Moore. “Siento que las mujeres somos las mejores aliadas unas de otras, y esa es la fórmula secreta”.

Fuente: AFP

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