El ministerio ruso de Justicia anunció ayer viernes que Pavel Talankin, director del documental ganador del Óscar “Mr Nobody contra Putin”, había sido incluido en el registro de “agentes extranjeros”, una etiqueta utilizada por el Kremlin para reprimir detractores. En una nota, el ministerio ruso de Justicia, sin mencionar el documental, acusó a Talankin, de 35 años, de haber “difundido informaciones falsas sobre decisiones tomadas y políticas aplicadas por las autoridades rusas”.

Videógrafo de una escuela de la pequeña ciudad de Karabach, en los Urales, Talankin filmó, en el marco de su trabajo, el adoctrinamiento cada vez más intenso del alumnado. Opositor de la guerra en Ucrania, huyó de Rusia en el verano boreal de 2024 llevándose las imágenes, usadas en el largometraje de 90 minutos codirigido con el cineasta estadounidense David Borenstein.

Este mes este trabajo recibió el Óscar al mejor documental. Poco después de su victoria en los Óscar, una comisión de derechos humanos adscrita a la presidencia rusa había acusado a la película de haber utilizado imágenes de menores sin el consentimiento de sus padres.

Por este motivo, un tribunal ruso prohibió el jueves la difusión del documental en tres plataformas de streaming del país, al considerar que también contenía “signos de propaganda que transmiten una actitud negativa hacia el gobierno” y hacia el presidente ruso, Vladímir Putin.

Fuente: AFP.

Creció entre sicarios que lo protegían en el violento entorno propiciado por su padre, el narcotraficante Pablo Escobar. Su hijo, Sebastián Marroquín, muestra ahora en una serie sobre su propia infancia que “sí es posible cambiar” y tomar otro camino distinto al del crimen.

“Dear killer nannies: criado por sicarios”, que se estrenará el 1 de abril en Disney+, cuenta la infancia de Juan Pablo Escobar, hijo del temido narcotraficante colombiano, un niño solitario que vive en un mundo de lujo en Medellín, rodeado de los mercenarios contratados por su padre para protegerlo.

En los tres primeros episodios, proyectados esta semana en el festival Series Mania de Lille (Francia), se ve a Juampi, de siete años, vivir entre estas personas armadas y, al mismo tiempo, descubrir que su padre no es quien creía.

“No es una historia que fue creada para glorificar la actividad criminal de mi padre, en absoluto, sino para invitar a otros a que vean que sí es posible cambiar y que sí es posible tomar un camino distinto muy a pesar de aquel que te dejan trazado tus padres”, explica Sebastián Marroquín, cuyo nombre de nacimiento es Juan Pablo Escobar, en una entrevista con AFP por videoconferencia, al margen de Series Mania.

“Es una historia de redención”, resume quien tuvo que cambiar de identidad, como el resto de la familia Escobar, tras la muerte de su padre en 1993 abatido por las fuerzas de seguridad colombianas.

Marroquín ha criticado en varias ocasiones el impacto de series como “Narcos” o “El patrón del mal” de Netflix por la imagen un tanto romántica de su padre y la influencia en los jóvenes, algunos de los cuales todavía quieren ser como él.

“Aprendí que hay que enfrentar nuestras propias historias, que no se trata de negarlas, sino que hay que utilizarlas para bien, para dejar un mensaje claro, inequívoco a la juventud”, asevera este hombre de 49 años.

“La historia de mi padre es una historia para no repetir y nadie mejor que él para mostrarnos el camino que no debemos de recorrer”, zanja sobre su progenitor, que fue uno de los capos narcotraficantes más poderosos de Colombia.

Marroquín, cocreador de la serie junto a Sebastián Ortega y Pablo Farina, insiste en que es la historia de “ese niño que fue creciendo y que fue atravesando un montón de situaciones violentas y etapas de su vida que fueron muy traumáticas y que podrían ser muy traumáticas para cualquier otra persona, sobre todo para un niño”.

La serie, que cuenta con ocho episodios, muestra “la soledad y la incertidumbre” del niño, dice Ortega en declaraciones a AFP. “Hay una catarata de emociones que van y que vienen entre el amor, la diversión y la violencia, donde muchas veces solamente están divididas por fracciones de segundo”. Los primeros capítulos muestran algunos momentos cruciales en la vida del joven Juampi, como cuando ya adolescente reacciona impulsivamente tras conocer la muerte de su padre.

“Yo hoy soy un hombre de paz, soy un arquitecto, un diseñador industrial, un escritor, una persona que a través del ejemplo ha demostrado que se puede cambiar, que se puede elegir un camino diferente”, reitera Marroquín, que ha escrito varios libros sobre su padre y también da conferencias sobre las terribles consecuencias del narcotráfico.

Fuente: AFP.

• Por David Sánchez, desde Tesalónica (Grecia), X: @tegustamuchoelc (*).

La actriz francesa Juliette Binoche participó en una conversación abierta con el público el 12 de marzo de 2026 en el marco del 28.º Thessaloniki International Documentary Festival (TiDF), celebrado en la ciudad de Thessaloniki. El encuentro tuvo lugar en el John Cassavetes Theater, con motivo del estreno griego de su primer trabajo como directora, “In‑I in Motion”.

La charla, titulada “In front of and behind the camera. My directorial debut in documentary filmmaking”, fue moderada por el responsable de programación del festival, Yorgos Krassakopoulos. Ante una sala llena, Krassakopoulos dio la bienvenida a la actriz destacando la sinceridad que atraviesa su primera incursión en el documental: una obra que, según señaló, transmite “una verdad y una autenticidad que reflejan plenamente su temperamento artístico”.

Durante la conversación, Binoche habló del proceso interior que acompaña a la actuación y de cómo el arte se convierte para ella en una forma de exploración personal.

“Como actor estás llamado cada día a ser honesto, no solo contigo mismo sino con toda la humanidad”, explicó. Para la intérprete, el trabajo actoral implica enfrentarse a los propios miedos y a las zonas más oscuras del subconsciente, un proceso que considera profundamente transformador.

La actriz también reflexionó sobre la dimensión emocional del trabajo creativo. Según afirmó, conectar con las emociones es el origen de toda forma de arte, aunque eso implique renunciar al control. “En un mundo que a menudo parece aterrador, lo que necesitamos es creatividad”, subrayó.

Binoche reveló que llevaba años imaginando la posibilidad de dirigir. El proyecto se concretó cuando productores la animaron a llevar a cabo la idea.

“Siempre soñé con dirigir algún día, impulsada por la necesidad de seguir creciendo”, afirmó. Aunque reconoció que el proceso era en gran parte desconocido para ella, decidió aceptar el reto y explorar nuevas formas de creación.

In-I in Motion documenta precisamente ese viaje creativo, en el que la actriz se enfrenta a la incertidumbre, al miedo y a sus propias limitaciones. Para Binoche, aceptar esas emociones forma parte esencial del proceso: “Nunca puedes librarte completamente del miedo, pero puedes aceptarlo, y cuando lo haces, te transforma”.

Uno de los aspectos más complejos de la realización del documental fue el montaje. La actriz explicó que el proceso implicó tomar decisiones difíciles, incluso eliminar escenas que le gustaban, para mantener la coherencia narrativa de la película.

En el documental, Binoche aparece tanto delante como detrás de la cámara. Gran parte del material fue filmado por su hermana, cuya experiencia permitió capturar momentos íntimos del proceso creativo. Sin embargo, fue en la sala de montaje donde la directora tomó las decisiones finales para preservar la autenticidad del relato.

“Hubo una escena que mi montador había construido de forma muy hermosa, pero no reflejaba la realidad. Por eso insistí en no incluirla”, explicó, subrayando que la búsqueda de la verdad es central en su forma de entender el arte.

Durante el encuentro también participó el director artístico del festival, Orestis Andreadakis, junto con la directora general del certamen, Elise Jalladeau.

En su intervención final, Binoche —actual presidenta de la European Film Academy— destacó la riqueza del cine europeo y la importancia de su diversidad cultural.

“Nuestras diferencias son nuestra fuerza. Son lo que nos une”, afirmó.

La actriz aprovechó además la ocasión para rendir homenaje al recientemente fallecido documentalista Frederick Wiseman, a quien describió como uno de los grandes referentes del género. “Los documentalistas son verdaderos guerreros. Luchan por sobrevivir y por mostrar la verdad del mundo”, concluyó.

* David Sánchez es un periodista franco español afincado en Toulouse, centrado especialmente en cine iberoamericano, miembro de la crítica internacional Fipresci. Sitio: https://www.tegustamuchoelcine.com.

• Por David Sánchez, desde Tesalónica (Grecia), X: @tegustamuchoelc (*).

En la programación del Festival Internacional de Documentales de Tesalónica (TiDF) se ha colado este año una de esas películas que recuerdan por qué el cine documental sigue siendo una de las formas más poderosas de mirar el mundo. “Frost uten snø og is” (2026), dirigida por el fotógrafo y cineasta noruego Asgeir Helgestad, es un trabajo que habla de maternidad, naturaleza y pérdida sin caer en el sentimentalismo fácil. Y lo hace con algo cada vez más raro en el cine contemporáneo: paciencia.

Durante más de una década, Helgestad filmó en el archipiélago ártico de Svalbard, uno de los lugares del planeta donde el calentamiento global avanza con mayor velocidad. Allí conoció a Frost, una osa polar que intenta sacar adelante a sus crías en un ecosistema cada vez más frágil. Lo que en otros documentales sería una narración didáctica sobre el deshielo se convierte aquí en algo más íntimo: la historia de una madre que lucha contra un mundo que cambia demasiado rápido.

La película abre con una decisión narrativa sorprendente. Desde el principio sabemos que los hijos de Frost murieron. No hay suspense artificial ni manipulación emocional. Esa revelación temprana elimina cualquier tentación de convertir la historia en un melodrama animalista. Lo que queda es otra cosa: un retrato sereno, casi elegíaco, de la maternidad en un paisaje que se desmorona.

Helgestad no intenta humanizar en exceso a su protagonista. Frost no habla, no tiene voz en off imaginaria, no se convierte en un personaje de ficción. Y, sin embargo, pocas veces el cine ha transmitido con tanta claridad la idea de cuidado, esfuerzo y vulnerabilidad.

La maternidad aparece aquí como un acto físico: caminar kilómetros sobre hielo cada vez más inestable, proteger a las crías de otros osos, buscar alimento en un entorno que ya no funciona como antes.

Uno de los mayores logros del documental es el tiempo que hay detrás de cada plano. En una época dominada por la inmediatez y por la estética del algoritmo, Helgestad trabaja con la lógica contraria: esperar.

Esperar horas para que un oso levante la cabeza. Esperar días para un encuentro improbable. Esperar semanas para unos segundos de comportamiento que nadie había filmado antes.

Ese tiempo acumulado se percibe en cada imagen. No hay sensación de artificio, truco visual o naturaleza convertida en espectáculo digital. De hecho, uno de los pequeños milagros de la película es recordar algo obvio: ni siquiera la inteligencia artificial podría fabricar la belleza que aparece aquí.

Hay un momento especialmente revelador. Los osos polares caminan al amanecer y el aire helado se vuelve visible en su respiración. El vapor sale de sus bocas mientras el sol bajo del Ártico ilumina sus cuerpos blancos. La luz parece atravesarlos.

No es una imagen espectacular en el sentido grandilocuente; es algo más simple y, por eso mismo, más poderoso. Durante unos segundos el cine vuelve a ser lo que siempre fue: mirar.

El film también se permite momentos inesperados de intimidad. En un gesto que podría haber resultado cursi, Helgestad escribe una carta a Frost. En otro contexto sería un recurso demasiado sentimental, pero aquí funciona porque el propio director establece límites desde el principio.

Él sabe que está proyectando emociones humanas sobre un animal. Y lo reconoce.

Ese equilibrio entre cercanía y distancia es lo que mantiene la película lejos del “cheesy” que suele contaminar el cine ambiental. Helgestad ama a su protagonista, pero no intenta convertirla en símbolo perfecto ni metáfora universal. Frost sigue siendo una osa polar, un animal salvaje que vive en un entorno brutal.

La película tampoco evita mostrar el conflicto entre humanos y osos polares. Hay encuentros tensos, momentos en los que la presencia humana altera el comportamiento de los animales. El Ártico aparece así como un espacio donde dos mundos chocan constantemente: el de la vida salvaje y el de la expansión humana.

Ese choque está, inevitablemente, ligado al cambio climático. Pero el documental es inteligente al no convertir el mensaje en un discurso didáctico permanente. El calentamiento global no aparece como una lección de geografía, sino como una transformación visible en el paisaje: hielo que desaparece, rutas de caza que ya no funcionan, estaciones que cambian.

En lugar de subrayar cada dato, Helgestad deja que el espectador vea las consecuencias. El resultado es mucho más efectivo que cualquier gráfico o narración explicativa.

Si hay algo que distingue a Frost uten snø og is de muchos documentales contemporáneos es su confianza en la imagen. En los últimos años los festivales se han llenado de películas que dependen excesivamente de archivos personales, recuerdos familiares o material doméstico para sostener narrativas de noventa minutos.

A menudo son trabajos que funcionan mejor como ensayo íntimo que como experiencia cinematográfica. Aquí sucede lo contrario. Este es un documental que entiende que el cine de naturaleza puede —y debe— ser espectacular. No en el sentido superficial de lo espectacular, sino en el sentido literal: algo que merece ser visto.

Por eso mismo, ver esta película en una pantalla grande no es una opción secundaria. Es prácticamente obligatorio. La escala del paisaje, la textura del hielo, la luz ártica sobre los cuerpos de los osos… todo adquiere otra dimensión en una sala de cine.

El propio recorrido de Asgeir Helgestad ayuda a entender esta aproximación visual. Antes de dedicarse al largometraje documental, trabajó durante años como fotógrafo de naturaleza y realizador de series para televisión, incluyendo proyectos vinculados a la radiotelevisión noruega.

En trabajos anteriores ya exploraba la relación entre animales salvajes y cambios ambientales, pero nunca con la intimidad ni la duración temporal que alcanza aquí.

Su experiencia como fotógrafo se nota en la composición de cada plano. Hay una atención obsesiva a la luz, la textura de la nieve y la distancia entre cámara y animal. Pero lo realmente impresionante no es la estética, sino la perseverancia que la hace posible.

Diez años filmando a un mismo animal no es una decisión técnica; es casi una forma de vida.

Esa dedicación se siente en la película como una acumulación silenciosa de tiempo, frío y espera. Y quizá por eso el documental termina funcionando también como un retrato indirecto del propio director: alguien que decidió quedarse lo suficiente para mirar de verdad.

Al final, Frost uten snø og is no intenta ofrecer soluciones ni discursos tranquilizadores. Lo que propone es algo más simple y, en cierto modo, más incómodo: empatía.

Empatía con un animal que vive en un mundo que se derrite. Empatía con un ecosistema que cambia demasiado rápido. Y, sobre todo, empatía con la idea de que la naturaleza no es un decorado remoto, sino un sistema del que seguimos formando parte.

Entre la belleza de sus imágenes, la honestidad de su mirada y la paciencia que sostiene cada plano, la película consigue algo que muchos documentales olvidan: recordarnos que el cine de naturaleza puede ser, cuando se hace con verdadera dedicación, una experiencia casi física. Una de esas que justifican sentarse en una sala oscura y mirar.

* David Sánchez es un periodista franco español afincado en Toulouse, centrado especialmente en cine iberoamericano, miembro de la crítica internacional Fipresci. Sitio: https://www.tegustamuchoelcine.com.