• Paulo César López
• paulo.lopez@nacionmedia.com
• Fotos: Gentileza

Con más de 10 años de trayectoria, Manto Negro es una banda binacional que ha adquirido notoria visibilidad al haber hecho de teloneros de emblemáticas bandas del vecino país como Malón, La H no Murió, A.N.I.M.A.L. y Brujería. Reinstalados en Asunción, nos cuentan la historia de la banda, su presente y el recital más próximo que brindarán en el marco de un festival a realizarse en San Lorenzo.

La actual formación de la banda es con Luis Zamprogna, en guitarra y voz; Marcos Paredes, en batería, y Yuri López, en bajo. Desde su fundación en 2013, itineró entre nuestra capital y las ciudades de Clorinda y Formosa, en Argentina.

Con un sonido potente y letras de fuerte contenido social, el grupo ha realizado recientemente varias presentaciones en nuestra capital y en este setiembre se volverán a presentar en San Lorenzo como parte del Pomberock 2.

En este diálogo con El Gran Domingo de La Nación, repasamos la historia del grupo, sus materiales editados, sus influencias y cómo han vivido sus últimas presentaciones en nuestro país.

–¿Pueden contarnos primero sobre los inicios del grupo?

–Manto Negro está vigente desde el 2013. Originalmente se formó en Asunción, Paraguay, donde tuvo un pequeño periodo de actividad hasta finales de ese año. Desde 2014 la banda empezó a ensayar en Clorinda y Formosa, Argentina, con integrantes de esas tierras y actualmente estamos radicados nuevamente en Asunción.

–Imagino que ya estarán un poco cansados de que les pregunten lo mismo, pero igual quiero insistir para quienes aún no los conocen. ¿Cómo surge el nombre y cuál es el significado?

–El nombre de la banda surge en el bar Absoluto Rock de Asunción, donde hicimos nuestros primeros ensayos. El vocalista en ese momento, Ati Fernández, dice Manto Negro refiriéndose al perro, y Luis Zamprogna dice Manto Negro, pero refiriéndose a una tela negra como algo que nos cubre negativamente y de lo cual tenemos que luchar para salir.

–¿Cuántos materiales llevan editados?

–En 2016 la banda lanza su primer disco de estudio denominado “Manto negro”, el cual cuenta con 10 canciones. En 2017 la banda se convierte en un power trío y lanza un EP de cinco canciones titulado “Profesando tus mentiras”. Durante el 2019 sale a la luz el EP “Loco”, el cual cuenta con tres canciones. Luego de la pandemia la banda continuó con integrantes de Argentina hasta mediados de 2023, donde tuvo un pequeño periodo de descanso y reestructuración hasta inicios del 2024, cuando se trasladó a Asunción ya con dos integrantes paraguayos y uno argentino. Ese mismo año la banda lanza un nuevo EP de seis canciones denominado “Mañana reirás”. Durante el 2025 la banda lanzó dos nuevos sencillos, “En la oscuridad” y el “Salón del poder”.

–La carta de presentación de la banda es que se trata de un grupo binacional. ¿Cómo conviven esas dos identidades?

–Sí, Manto Negro hoy en día se considera una banda de frontera por muchas razones. En primer lugar, por nuestras raíces, ya que contamos con familiares tanto en Argentina como en Paraguay. En segundo lugar, porque un integrante desde muy joven vino a vivir a Paraguay desde Argentina y se encargó de que la banda siga activa a pesar de donde vivía en ese momento. También por la participación activa e influencia tanto de integrantes argentinos como paraguayos y, por último, porque como en toda frontera existe una realidad que nos une muy directamente en cuanto a tradiciones, creencias y formas de ser.

–¿Dentro de qué estilo se definirían y qué bandas son sus principales influencias?

–La banda nunca buscó centrarse en un estilo en particular. El objetivo siempre fue ser originales y mostrar diferentes matices dentro del metal y lo experimental. En nuestras canciones podrán escuchar thrash metal, death metal, deathcore, hardcore, etc. Entre nuestras influencias podemos mencionar a A.N.I.M.A.L., Suicide Silence, Decapitated, Kublai Khan TX, Veil of Maya, etc.

–¿Cuáles son los temas que más les gusta abordar en las letras?

–Sin dudas Manto Negro busca plasmar en sus letras un mensaje, abordando desde temas sociales, políticos hasta situaciones o estados psicológicos que son el común denominador en las personas hoy en día. La premisa es buscar que nuestros seguidores se sientan identificados con nuestras canciones y sirvan para canalizar energías y estados emocionales.

–¿Cuáles son algunas de las presentaciones que fueron más memorables para ustedes?

–Durante este tiempo participamos de innumerables presentaciones y espectáculos en Argentina y Paraguay. Fuimos teloneros de bandas emblemáticas como Malón, A.N.I.M.A.L., Brujería y La H No Murió en dos ocasiones, la última recientemente en mayo de este año en Formosa.

–¿Cómo notaron la recepción del público paraguayo durante sus últimas presentaciones y cómo se sintieron ustedes durante los conciertos?

–La recepción del público paraguayo fue genial. Creo que vinimos a aportar un condimento especial y particular a la escena metalera paraguaya y nos sentimos muy bien, contentos, felices de poder ser parte.

–Para quienes aún no pudieron verlos, ¿cuándo retornarán a Asunción o alrededores?

–Estaremos participando del Pomberock 2 el 26 de setiembre en la ciudad de San Lorenzo. Así que los esperamos a todos para poder compartir una buena noche todos juntos.

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El material cuenta con ocho canciones que se desenvuelven entre el pop, el rock y el indie.

“Realmente hacemos música para producir esas cosas noso­tros, música que nos haga expresar en nuestras melan­colías, nuestras alegrías, no es tanto que busquemos que el público sienta algo, por­que o si no vamos a privar­nos, de repente, de algunas cosas a nivel compositivo”, explica Hugo González, quien junto a la cantante Aslin Prieto, Racco Bazán y Josemi Peralta lanzaron en los últimos días “Cróni­cas de un naufragio”, el pri­mer álbum de larga duración del proyecto que compar­ten: Cielo Ámbar. “Hoy en día ya no jugamos más con eso, ya no nos metemos más en la cabeza el qué dirán o si va a gustar o no, hacemos nomás ya”, señala.

“La banda inició como un proyecto solista mío en el 2020, al principio iba a ser un proyecto solista en el que yo usaba el seudónimo de Cielo Ámbar. Después de sacar varios singles decidí formar la banda y en 2023, hice un EP con Aslin Prieto, que es la cantante”, narra Hugo, líder y bajista del pro­yecto.

Después de 6 años de mucho trabajo y búsquedas, Cielo Ámbar da un siguiente paso y presentó ya su nuevo mate­rial que cuenta con ocho canciones, siendo el corte de difusión “Crónicas de un naufragio”, que cuenta tam­bién con un video clip.

“Este corte nuevo, ‘Cróni­cas de un naufragio’, lo ele­gimos más que nada, porque fue una producción artística hecha en conjunto con Miki González de Villagrán, y es un tema que tiene mucha profundidad personal. La canción la escribí yo y trata de esas situaciones que se suelen dar entre personas en diferentes tipos de rela­ciones”, explica el músico.

Esta es la canción con la que abre el disco, y contó con la producción artística de Miky González Merlo, de Villagrán. El tema muestra a la banda desde un lado dife­rente que se podría describir como más oscuro. Entre las influencias de la banda citan a Babasónicos, Tan Biónica, Maná y Soda Stereo, entre los latinoamericanos. Tam­bién tenemos influencia de música en inglés, como Post Malone, Daft Punk, Depe­che Mode, The Killers, etc.

El álbum, que cuenta con una versión de “Persiana americana” de Soda Stereo, se desarrolló entre el pop, el rock y el indie. “La ver­sión de Soda salió por una cuestión de generar con­tenido nomás que estába­mos haciendo los sábados. Acabamos temas acústicos nuestros y algunos covers y ‘Persiana americana’ pegó. Nos sentíamos muy cómo­dos con la tonalidad de cómo le salía a Aslin, y decidimos probar una versión exten­dida, y la incluimos en el álbum”, agregó.

Cielo Ámbar ya cuenta con un importante recorrido en la comunidad musical de Asunción, manteniendo su estilo y echando mano a su versatilidad que le ha abierto puertas a festiva­les como el Rock al Puerto donde compartieron esce­nario con artistas como Dillom y La Bersuit.

La banda de indie rock local viene de cerrar una gira internacional y presentó “Enero”, un nuevo adelanto de su próximo disco.

• Por Jimmy Peralta
• Fotos: Gentileza

Una gira internacio­nal y el lanzamiento de su segundo disco durante la primera mitad de 2026 parecen dibujar el camino de consolidación del proyecto de indie rock local Ciudad Mansa, que ya viene lanzando adelantos de su nuevo trabajo. La agrupa­ción arrancó el año tocando en Mendoza, Argentina, y en Concepción y Valparaíso, Chile. Presentó a fines de 2025 los singles “Que me juzgue Dios” y “Ajenos”, y el pasado 9 lanzó “Enero”, que formará parte junto a las anteriores canciones de su próximo disco.

Ciudad Mansa, que representa al nuevo sonido de la escena local, está integrado por Seba Elizeche (voz y guitarra), Abril Casco (bajo), Matías Cipo­lla (batería), Renato Cáceres (teclados y sintetizadores), Diego Serafini (guitarra y voz). La Nación del Finde habló con su vocalista Seba Elizeche, quien comentó sobre el origen del grupo, su sonido, el nuevo trabajo y el próximo disco.

–Ciudad Mansa es una banda que nace poco antes de la pan­demia y se termina de con­formar durante ella. Ante la situación mundial, los que integrábamos el proyecto (Elizeche, Cipolla, Cáceres y Campuzano) decidimos hacer resistencia de alguna forma a lo complejo del momento, lle­vando adelante el proyecto, y produciendo el primer disco con Diego Serafini, en Super­nova Estudios durante el 2020. El nombre nace en pan­demia, a raíz de ver la ciudad de Asunción completamente vacía y el sentimiento que provocaba. Una paz extraña, como si el tiempo se detuviera para rehacer todo.

–Sí, todos venimos de proyectos anteriores. Yo (Elizeche) vengo de Nine Bits, de donde además venía la anterior bajista Stepha­nie Campuzano (actualmente en Inmigrantes, de Madrid, España). Hace ya dos años que se sumó Abril Casco en bajo y voces, ella venía de “Por lo Bajo” y actualmente integra también las bandas de solistas como Sari Carri, Fabri Hentscholek y el grupo Pasionaria. Renato Cáceres venía de tocar con Los Ollies, y Mathías Cipolla, de un breve paso por Caja Blanda y Retobado. Por su parte, Diego Serafini es también miem­bro de los grupos GAIA, Tribu Sónica y Los Lilas.

–El sonido que la banda plan­tea actualmente, desde el lanzamiento de “Quien soy ahora”, en febrero de 2025, no fue el punto de partida. Si bien mantiene su esencia en algunos elementos, se plan­tean usos de los mismos de maneras más frontales y cru­das, que se notan especial­mente en la actitud de la voz, el lenguaje en las letras, el uso de las guitarras y presencia de la batería en la mezcla. Deci­siones en producción hasta más “rockeras” si se quiere llamar de alguna manera. Este giro se aprecia mucho más en los shows en vivo de la banda donde se busca gene­rar una energía festivalera y de mucha carga emocional.

–Actualmente, todos par­ticipan y las canciones no tienen un punto específico de partida. Pueden nacer desde cualquier elemento de la banda. La mayor parte de la producción y arreglos ocurren tocando en grupo, con cambios in situ, donde se establece más del 50 % de la dirección de las canciones con mucha comunicación. Se diferencian del disco anterior en el que, en su totalidad, las canciones fueron compues­tas por mí (Elizeche) y la producción era mayorita­riamente de Serafini.

–La diversidad de influen­cias de la banda es lo que genera la solidez de su sonido. Como referentes locales tenemos al gran tra­bajo de bandas como Flou, Paiko, y entre nuestras mis­mas líneas GAIA. Son ban­das cuyo profesionalismo sirvió de inspiración para direccionar los valores de Ciudad Mansa. Internacio­nalmente, de manera muy presente en el sonido se podrían llegar a identificar elementos de rock estadou­nidense como The Killers, U2 o Kings of Leon, así como elementos de bandas como Temper Trap, de Austra­lia e indiscutibles del rock latinoamericano como Soda Estéreo o Café Tacvba.

–El campo de juego se encuen­tra abierto en ese aspecto. Con nuestra reciente gira internacional por Argentina y Chile, pudimos experimen­tar con difusión y desembar­cos digitales, direccionando nuestro arte anticipada­mente a los lugares que íba­mos a visitar. Hoy en día es posible llegar a un territorio sin pisarlo y las redes sociales juegan un papel muy impor­tante para los proyectos inde­pendientes como el nuestro, en la posibilidad de conectar con colegas y profesionales de la industria de manera inter­nacional, y fortalecer estraté­gicamente la logística en este tipo de giras independientes. Además de contar con acceso a datos que permiten conocer mejor a quien escucha nues­tro arte y acercarles nuestras canciones.

–“Enero” lleva una propuesta roquera como bandera. Nace con una guitarra eléctrica y la voz cantada a capella y fue una de las primeras composiciones que dieron fuerza a la idea de esta nueva dirección. La introducción de la canción presenta de buenas a pri­meras el humor, con una guitarra al estilo Blur y mucha fuerza desde el inicio. De manera profética vaticinó la sensación de esta última gira, donde tuvimos un exitoso show en el Trotamundos de Valparaíso, Chile en el marco del VAM 2026 (Encuentro Interna­cional de la Industria Musical en Valparaíso), para el que la banda quedó seleccionada entre más de 300 proyectos de toda Latinoa­mérica. La canción habla de estar lejos de un lugar, de un encuen­tro y de tener una ciudad a los pies, describiendo desde el punto de vista del espectador un viaje (que fue en el concepto que conecta­mos nosotros, en el marco de la gira), o un nuevo comienzo, hasta un reencuentro si así se quiere. Es una de esas canciones que te deja elegir tu propia aventura.

–El nuevo álbum ya se encuentra en etapa de masterización y se prevé su lanzamiento para la primera mitad del 2026. El concepto del material que va a estar disponible en todas las plataformas ya se encuentra cerrado y casi listo para mostrar a los fans de siempre, y a los nuevos.

–El hilo conductor principal es el sonido del álbum. Se nota una búsqueda honesta de la banda, abrazando sus nuevos elementos y reconociéndose en ellos. Es un álbum que tomó 2 años en ter­minarse entre cada parte del proceso. Pero se puede adelantar del concepto que explora mucho una perspectiva que reconoce y respeta los tiempos de cada proceso en la vida, así como en el arte, frente a una aceleración vertiginosa del entorno. Da mucho valor a momentos específicos de humanidad y sentimentalismo con la descripción. Me gusta pensar y verlo como (casi) una rei­vindicación de la “hora paraguaya” como un concepto artístico hasta saludable.

El Pentamusic Festival anuncia su octava edición, consolidada por cuarto año consecutivo en la ciudad de Luque, este domingo 18 de enero en la Asociación de Músicos Luqueños (Natalicio Talavera casi Padre Gómez), cuyo acceso estará habilitado a partir de las 16:00, con entradas anticipadas a G. 50.000 y, en puerta, a G. 70.000.

Entre las bandas participantes estarán: Lok’Tar, Bluestone, Bajo Zero, Mythika, Batallón, SadisticArt, Nhandeizha, Full/Sin, Toxic Avenger y Querubes, que desfilarán en el escenario con dos tarimas móviles desde las 18:00. La producción cuenta con equipamientos de primer nivel que garantizan las condiciones técnicas, ofreciendo un espectáculo musical de primer nivel.

La literatura también tendrá su espacio: desde las 17:00 habrá charlas y actividades, incluyendo la presentación de “Librería San Macario”, del escritor luqueño Carlos Bazzano, ganador del Premio Beatriz 2025 a Novelas Inéditas. La presentación estará a cargo del poeta Gustavo Torres Grossling.

También se realizará el lanzamiento de dos obras póstumas de Chester Swann, maestro de generaciones de artistas luqueños: músico, escritor, artesano, comunicador social, verdadero orfebre de la palabra. El periodista y escritor Blas Brítez tendrá a su cargo la presentación de “22 cuentos escogidos” y el escritor Javier Viveros se encargará de la novela “Los dioses pueden morir”.

El público podrá recorrer la exposición y venta de libros, discos, remeras y otros productos de producción nacional, apoyando a los artistas locales. El sector oficial de merchandising ofrecerá la remera oficial del Pentamusic 2026 y otros artículos de los grupos participantes, completando así la experiencia del evento.

La venta física de entradas está disponible en Vértigo Producciones (General Aquino 287 casi Capitán Insfrán, en Luque, y reservas vía transferencia al Alias RUC: 80158538 - 4, titular: Vertigoprodpy. El VIII Pentamusic cuenta con el apoyo del Fondo Nacional de la Cultura y las Artes (Fondec). Contacto de producción al teléfono 0994 565 754.

La puesta en escena está a cargo de Vértigo Producciones Py, con amplia experiencia en eventos de gran magnitud. Todas las bandas recibirán material audiovisual profesional de sus presentaciones en Full HD con audio multipistas, sin costo, como apoyo a su promoción en plataformas digitales.

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