Con dos funciones a sala llena se estrenó la nueva película paraguaya “Bandas - Una historia de amistad en dictadura”, de la directora Galia Giménez Giumpelevich, el viernes 20 de febrero en la Casa Bicentenario de las Artes Visuales “Ignacio Núñez Soler”, en Asunción, siendo un evento gratuito y abierto a todo público. La cineasta es autora de títulos como “El invierno de Gunter” (2007), “María Escobar” (2002) y “Réquiem por un soldado” (2002).

“Este 20 de febrero de 2026 no solo se estrenó una película. Se celebró el encuentro de muchas miradas, muchas manos y muchos corazones que hicieron posible ‘Bandas’. Bajo la sensibilidad y la dirección de Galia Giménez Giumpelevich, esta historia encontró su forma, su ritmo y su verdad. Galia no solo dirigió una película: abrió un espacio para que la memoria, la amistad y las heridas silenciadas pudieran respirar en pantalla”, expresa la publicación en el perfil de la realizadora en Instagram.

La producción, liderada por Natalia González Rahi, “sostuvo el proyecto con convicción y compromiso, acompañando cada etapa con la certeza de que contar esta historia era necesario. En la realización productora, Dani González articuló tiempos, recursos y voluntades para que cada pieza encajara”, agrega el posteo. “La atmósfera íntima que envuelve a ‘Bandas’ fue posible gracias al trabajo en luces de Santiago Schaerer, quien pintó con sombras y destellos ese bar asunceno donde el pasado y el presente se encuentran”.

La música original de Emilio Corrales aporta emoción y profundidad, mientras que el tema “Mujer de nadie”, interpretado por Rocío Robledo, resuena como un eco de las voces que durante años permanecieron en silencio. En la asistencia estuvieron Mónica Ayala y Natasha Rolón, sosteniendo el pulso cotidiano del rodaje.

También se cita a Milagro Zárate, quien capturó el detrás de escena, guardando la memoria del proceso. Marceline Gómez dio vida a los rostros marcados por el tiempo y la historia desde el maquillaje. Olga Vallejos y Clara Benítez, desde el vestuario, ayudaron a construir identidad y memoria. Y en la edición y postproducción, Sebastián Domínguez tejió cuidadosamente las imágenes hasta convertirlas en relato.

“Bandas es el resultado de un equipo técnico y humano que trabajó con profesionalismo, pero sobre todo con sensibilidad. Porque cuando el cine se hace desde la empatía, no solo se cuenta una historia: se honra. Hoy celebramos a cada persona que creyó en este proyecto. Porque el cine también es eso: una comunidad que se sostiene, se escucha y avanza junta”, concluye la publicación, refiriendo que contó con el apoyo del Fondec.

El azar, las sentó en un viejo bar asunceno, todavía vacío, antes de anochecer. Basto una mirada casual de Benedicta, paraque las décadas de ausencia se desplomarán. Eran ellas: María y Benedicta, las niñas que jugaban en las veredas de un barrio asunceno cualquiera de los años 70 en épocas de dictadura en Paraguay. Fueron Meri y Beni, las Bandas del barrio.

Ellas, transformadas ahora en señoras grandes, cargan el peso de toda una vida. Conversando reconstruyeron su infancia, recordando el barrio donde vivían, los vecinos, la familia, pero también la sombra de un pasado amargo. Con la valentía que dan los años, hablaron de la adolescencia robada y de cómo la supervivencia las empujó a la prostitución, cuando apenas comprendían el mundo.

Compartieron el dolor silenciado, validando las heridas de la otra con empata de quien ha transitado un camino doloroso, pero siempre con el tan paraguayo: japuka mba’e. Al despedirse, con un abrazo largo, lleno de emoción, sintieron que el tiempo ya no les ganaría. Al salir del bar, el aire se sintió distinto, era el cimiento de una amistad duradera.

Guion y dirección: Galia Giménez

Actuación: Clara Benítez y Olga Vallejos

Producción: Natalia González Rahi

Realización productora: Dani González

Luces: Santiago Schaerer

Música Original: Emilio Corrales

Tema: “Mujer de nadie”, con Rocío robledo

Asistencia: Mónica Ayala, Natasha Rolón

Backstage: Milagro Zárate

Maquillaje: Marceline Gómez

Vestuario: Olga Vallejos Clara Benítez

Edición y Post Producción: Sebastián Domínguez

La séptima entrega de “Scream”, una de las sagas de terror más lucrativas del cine, llega esta semana a las salas en una secuela que busca regresar a los orígenes de esta historia de culto que revitalizó el género a mediados de los años 1990. Kevin Williamson, guionista en las primeras entregas, se puso esta vez detrás de la cámara, y la canadiense Neve Campbell, intérprete de Sidney Prescott, personaje mítico que había desaparecido en la sexta película, vuelve a la pantalla. Estas son cinco cosas que hay que saber sobre “Scream 7”.

Cuando la primera “Scream” se estrenó en 1996, hace ya tres décadas, el cine de género prácticamente había desaparecido de la gran pantalla. La ola de cine de terror de los años 1970 y 1980, con títulos como “Halloween” o “Viernes 13”, empezaba a quedar lejos. En aquella época, “yo solo intentaba escribir un guión para que Hollywood se fijara en mí”, recuerda Williamson en una entrevista con AFP.

Empezó a escribir “Scream” inspirado por una historia real --la de Danny Rolling, un asesino en serie que, durante un verano, aterrorizó a una pequeña ciudad de Florida al asesinar a cinco estudiantes. El guion cayó en manos del conocido cineasta Wes Craven (“La colina de los ojos malditos”, “Pesadilla en Elm Street”), quien aceptó dirigir la película. Antes de fallecer en 2015, pudo rodar las tres entregas siguientes.

Con el fallecimiento de Wes Craven, “más o menos dije adiós a la saga”, recuerda Williamson, guionista de las cuatro primeras entregas. En la 5 y la 6, que se estrenan respectivamente en 2022 y 2023, Williamson asumió el papel de productor ejecutivo, más de diez años después de “Scream 4” (2011), que fue un fracaso comercial.

Para “Scream 7”, Williamson aceptó ponerse detrás de la cámara por primera vez porque “Neve [Campbell] me lo pidió”, asegura. Campbell, que interpreta a Sidney Prescott, vuelve a la saga después de haber rechazado participar en “Scream 6” por no ser remunerada de “forma correspondiente” al valor aportado en las anteriores entregas, criticando que su sueldo habría sido más elevado si fuera un hombre.

Sidney Prescott, personaje central de la primera película, convertida en ícono en las siguientes entregas, es madre en esta última película. “Queríamos contar una historia sobre una madre y su hija, cómo se distancian y luego cómo vuelven a conectar y combaten a Ghostface”, explica Williamson.

Tras la muerte de Craven, los directores Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett introdujeron nuevos personajes. Sam, interpretada por la mexicana Melissa Barrera, y su hermana Tara, a quien da vida la estrella de la serie “Miércoles” Jenna Ortega, fueron las protagonistas de “Scream” 5 y 6.

Pero la productora Spyglass apartó a Barrera en noviembre de 2023 después de que publicara en redes sociales un mensaje denunciando una “limpieza étnica” en Gaza. Ortega siguió sus pasos, negándose a volver en “Scream 7”.

“Scream” pertenece al subgénero del cine de terror conocido como “slasher”: presenta a un psicópata (Ghostface en “Scream”) que asesina con extrema brutalidad a un grupo de jóvenes, uno tras otro. La película juega con las reglas del género, las altera y recurre a toques cómicos, sin dejar de lado el terror puro.

La escena de la primera “Scream” con Drew Barrymore, que muere a los 12 minutos del inicio de la película, está considerada como una de las mejores secuencias de apertura de la historia del cine de terror.

“Scream” ha recaudado 910 millones de dólares en la taquilla mundial desde su creación en 1996. Esto sitúa a la saga entre las más lucrativas del género, por detrás de “El Conjuro”, “El juego del miedo” o la adaptación de la novela de Stephen King “Eso (It)”.

Fuente: AFP.

“Yellow Letters”, del cineasta alemán Ilker Catak, ganó ayer sábado el Oso de Oro a la mejor película en la Berlinale, en la que el cine mexicano también brilló pese a una edición eclipsada por una polémica sobre Gaza y la relación entre el cine y la política. Algunos ganadores de premios se manifestaron a favor de la causa palestina, como respuesta a la polémica que provocó antes el presidente del jurado, Wim Wenders, al intentar alejar el festival de ese tema: “Debemos mantenernos al margen de la política”, dijo.

La directora del festival, Tricia Tuttle, reconoció el sábado que la edición de este año había estado “cargada de emociones” tras varios días de debates sobre hasta qué punto el cine debe intervenir en la política. La película de Catak cuenta la historia de un dramaturgo turco y su esposa actriz, cuyo matrimonio comienza a desmoronarse a medida que sufren persecución política en Turquía y pierden sus empleos.

Rodada en Alemania, ganó el premio máximo de la Berlinale al final de una ceremonia marcada, como el festival, por el conflicto en Oriente Medio y el papel político del cine. El ambiente se tensó cuando el director sirio-palestino Abdallah Al Khatib, ganador del premio a la mejor ópera prima con “Chronicles From the Siege”, acusó al gobierno alemán de ser “cómplice del genocidio cometido en Gaza por Israel”.

A los gritos de “Free Palestine” (Liberen Palestina), un espectador respondió “Free Palestine from Hamas” (Liberen Palestina de Hamás, el grupo islamista que gobierna el territorio). El Oso de Plata Gran Premio del Jurado, que premia a la segunda mejor película, fue para “Salvation”, del director turco Emin Alper. El cineasta mencionó tres conflictos en Oriente Medio y la situación política en su país.

“Palestinos de Gaza, que vivís y morís en las peores condiciones, no estáis solos. Pueblo de Irán, que sufres bajo la tiranía, no estás solo. Y los kurdos de Rojava y Oriente Medio, que luchan por sus derechos desde hace casi un siglo, no estáis solos. Y, por último, mi pueblo, no estás solo”, declaró en el escenario.

Alper rindió homenaje al alcalde de Estambul, Ekrem Imamoglu, opositor al presidente turco Recep Tayyip Erdogan, encarcelado desde hace casi un año y que se enfrenta a una pena de cadena perpetua.

La alemana Sandra Hüller ganó el premio a la mejor interpretación por su papel en “Rose”, donde encarna a una mujer en la Alemania rural del siglo XVII que intenta escapar de las restricciones del patriarcado haciéndose pasar por un hombre.

La película “Queen at Sea” del estadounidense Lance Hammer se llevó dos premios: el Oso de Plata Premio del Jurado (equivalente al tercer lugar), y a los mejores papeles secundarios para el dúo formado por Anna Calder-Marshall y Tom Courtenay. Grant Gee recibió el premio a Mejor Director por “Everybody Digs Bill Evans”, su biopic en blanco y negro sobre el legendario pianista de jazz.

El sábado al mediodía, durante la entrega de galardones de los jurados independientes, el director mexicano Fernando Eimbcke obtuvo el premio del Jurado Ecuménico del festival de Berlín por la película “Moscas”.

Narra la historia de un padre y su hijo que se instalan en casa de una mujer introvertida para estar más cerca de la madre, hospitalizada por un cáncer muy avanzado.

Al recibir el galardón Eimbcke pidió a “todos los gobiernos” y organizaciones que “eleven su voz” ante los “más de 17.000 niños muertos en Gaza en los últimos dos años”.

El mexicano volvió a tomar la palabra más tarde al recibir un segundo galardón en las secciones paralelas.

Eimbcke criticó la policía migratoria estadounidense (ICE), que, según él, “debería dejar de perseguir y asustar a niños como Liam Conejo Ramos”, el pequeño cuya foto de arresto, en enero en Mineápolis, dio la vuelta al mundo.

Al inicio de esta ceremonia anexa, Tuttle reconoció “un mar agitado” pero dijo que la Berlinale “es eso”.

La víspera otra película “Chicas tristes” de la mexicana Fernanda Tovar obtuvo un doble premio: el Oso de Cristal a la mejor película y el gran premio del Jurado Internacional a la mejor película en la sección Generation14plus.

Con imágenes metafóricas y poéticas “esta película nos conmovió profundamente con su humor, tristeza y realismo” al abordar “la violencia sexual y sus consecuencias”, comentó el jurado.

Tras la polémica suscitada por Wenders, este martes se conoció una carta firmada por más de 80 actores y directores, entre ellos Javier Bardem, Tilda Swinton y Adam McKay, denunció el “silencio” del festival sobre el “genocidio de los palestinos”.

La carta, redactada por el colectivo Film Workers for Palestine, acusó a la Berlinale de estar involucrada en “la censura de artistas que se oponen al genocidio en curso perpetrado por Israel contra los palestinos en Gaza”. Tuttle ha rebatido lo que calificó de “afirmaciones inexactas que no se basan en ninguna prueba”.

Fuente: AFP.

• Jorge Zárate
• jorge.zarate@nacionmedia.com
• Fotos: Gentileza

El filme, que narra un episodio de excesos durante la dictadura, vive su segunda etapa de rodaje en Ciudad del Este. Con la idea de estrenarla en febrero o marzo de 2027, la película pretende sumergir al espectador en el universo de poder y secretos de la alta sociedad de finales de los años 80 en las postrimerías del tirano Alfredo Stroessner. “Me siento como el Dr. Frankenstein”, dice el reconocido actor nacional Nico García al explicar su nuevo rol como director de cine.

Son más de 80 personas entre técnicos, asistentes de logística, extras y actores que están dando vida al thriller “Golpe” en Ciudad del Este. La película paraguaya, que cuenta con la participación de actores de Argentina y Brasil, está inspirada en hechos reales.

Dirigida por Nicolás García Hume y la argentina Romina Tamburello, el largometraje propone “una mirada intensa y provocadora, con una narrativa potente y una estética cinematográfica de alto impacto” y promete “encender la pantalla con escenas de acción, erotismo, sensualidad y lujuria”, apunta la producción.

El Gran Domingo de La Nación dialogó con García, reconocido actor nacional por sus actuaciones en “7 cajas”, “El reino”, “DNA do crime”, entre otras producciones, para pedirle sus impresiones de estos días en que se filman escenas de acción.

Nico, en su primera experiencia detrás de las cámaras, comparte tarea con la directora, dramaturga y actriz argentina Romina Tamburello (“Rabia”, “Vera y el placer de los otros”).

Además de la película, los realizadores realizan “una documentación minuciosa del backstage, desde los preparativos hasta el rodaje. Cada momento es capturado para mostrar el trabajo en equipo, los desafíos y la magia detrás de la producción”, comenta la producción.

Nico cuenta: “Este proyecto se vive con mucha pasión y entusiasmo. Por eso decidimos hacer un documental que muestra el detrás de escena del rodaje y todo el proceso creativo. Allí se podrán ver distintas situaciones que surgieron durante la filmación: desde el uso de escenografía y objetos de lujo hasta anécdotas como la cantidad de elementos costosos que se rompieron durante las tomas”, revela.

Aquí su diálogo con esta página:

–Caminamos hacia los 40 años de la caída de Stroessner. ¿Por qué es importante recrear aquellos tiempos desde el cine?

–“Golpe” en sí no es una película que tenga bajada de línea política, ni contra el estronismo ni a favor, sino que está situada en una época en la que vivimos todos los paraguayos, pero mirada desde otro lugar. Siempre con un imaginario medio surrealista, que son como mis referencias más grandes de cine, pero que creo que nos va a llevar igual a un montonazo de preguntas individuales y colectivas.

–La película se basa en hechos reales. ¿Cómo llegaste a la historia que se recrea en “Golpe”?

–La película está inspirada en hechos reales y también en algo que se reprodujo como un mito urbano. Esto me llega a mí de una sobreviviente de aquella época. Realmente le llega a una tía mía. La tía mía me hace llegar a esta persona que me narra y me cuenta, obviamente en el cine todo está exacerbado y todo está llevado como a un universo mágico distinto. Obviamente guardamos la identidad de este ser humano, pero llega casi por casualidad. Yo estaba buscando una película que tenga ingredientes eróticos, de thriller, suspenso, ingredientes de distintos géneros, para poder realizarlos con un elenco de distintos países en la triple frontera y fue como algo casi providencial que llega a mí.

–Hay un costado lujurioso en el poder que se pretende absoluto. ¿Cómo se aborda un costado tan decadente desde lo artístico?

–Nosotros tratamos de que sea un híbrido, que no sea como algo decadente, lujurioso, del poder, que tenga también algo como de diversión o de atracción. Obviamente la decadencia igual se ve en el transcurso de la película porque es como que va calando cada vez más hondo. Pero creo que las preguntas van a surgir de ahí, de lo que uno está viendo y sintiendo en una película de muchas emociones que tiene actuaciones realmente de alto voltaje, así que entiendo que surgirá siempre desde un lugar mucho más actoral que histórico.

–¿Es tu primera película como director? ¿Qué nos podés contar de la experiencia?

–Es una de las mejores experiencias de mi vida, trabajar con el elenco, con Romina Tamburello, mi codirectora, con todo el equipo artístico, Paraguay, Argentina, Brasil. Todas personas tan talentosas, de las cuales aprendí un montón de todos, con un equipo y con inclusive productores, inversores, marcas que apostaron a un proyecto sumamente arriesgado, no solamente en lo que propone, sino que en la forma en la que está armado. La verdad que es como mi primer Frankenstein. Me siento como el Dr. Frankenstein, así me siento.

–Hay un elenco grande y de tres países. ¿Cómo se vive por dentro una producción de este tamaño?

–De una manera espectacular, por eso vos sabés que ya antes cuando nos estábamos imaginando todo lo que íbamos a vivir decidimos hacer un documental. Esta película, aparte de una película, tiene una docuserie de cinco capítulos donde vamos a mostrar y a narrar desde el comienzo de la idea hasta los experimentos que hicimos, las pruebas que hicimos, cómo convivimos dentro del hotel Casa Blanca durante 15-25 días, cómo logramos construir, los vehículos que logramos construir, cómo conseguimos los muebles de lujo que conseguimos. Lo bueno y lo que también me seduce mucho de este proyecto es que está acompañado de un documental donde vamos a mostrar cómo hacer cine. A nosotros nos gusta decir, nuestro slogan es “Cómo hacer cine sin red de seguridad”.

–¿Cuáles son los tiempos de la película después del rodaje?, ¿cuándo se estrenaría?

–Nuestra idea con la película es... Ahora todavía nos falta una tercera parte del rodaje que es como la más, por decirlo de una forma, la más “pirotécnica”. Después tenemos programado hacer un recorrido de festivales de nuestro interés, que nos gustan mucho, que son unos festivales un poquito más como de género, inclusive acá más locales, más de Sudamérica. Nuestro sueño es... Bueno, no voy a decir nuestro sueño, porque no quiero revelar cuál es mi sueño, voy a esperar que se cumpla. Pero la idea es estrenarla en febrero, marzo a más tardar de 2027 en salas comerciales en Paraguay, Argentina y Brasil.

–¿A la hora de los agradecimientos por dónde comenzás?

–Quiero decir que estoy muy contento y agradecido con todos, con la prensa, con las marcas, con los inversores, con mi familia, sobre todo con mi familia, con todos mis amigos de Argentina, Brasil, Paraguay, México, España, todas las personas que se sumaron a este proyecto. La verdad que hacer cine en Paraguay es una odisea, es muy difícil, no solamente por temas de fondo, sino que por un montón de otras cosas. Y nada, estoy contento, feliz, agradecido sobre todo. Arranco el día mi cumpleaños con un eclipse en acuario y espero que el cine siga creciendo… ¡Viva el cine latinoamericano!

La trama se desarrolla en una exclusiva fiesta de 1989, “en la que un grupo de jóvenes de la élite militar y económica se pierde en la lujuria, mientras la dictadura estronista llega a su fin. Lo que comienza como una noche de placer y euforia pronto se convierte en un juego peligroso, donde el control cambia de manos en un instante y las apariencias esconden una tensión latente”, apunta la producción de “Golpe”, el thriller paraguayo en rodaje.

En la sinopsis, lo cuentan así: “Paraguay, febrero de 1989. En una mansión aislada de Ciudad del Este, mientras la dictadura se desmorona, un grupo de jóvenes herederos de la élite militar y económica organiza una lujuriosa fiesta de excesos. Pero detrás de los muros, los pyrague, hijos del pueblo, ponen en marcha un plan que desencadena una masacre y una batalla inesperada por el control y la justicia. En esta noche decisiva, los secretos silenciados estallan y los instintos más oscuros de una generación atrapada entre poder y rebelión salen a la luz, marcando el fin de una era y el comienzo de otra. Inspirada en hechos reales”, se anuncia.

La primera etapa del rodaje se llevó a cabo en Ciudad del Este y Hernandarias y se extendió por 12 días. “Actualmente somos un equipo internacional de más de 80 personas trabajando en este proyecto cinematográfico, que se está desarrollando principalmente en Ciudad del Este, Hernandarias y algunas escenas en Asunción. El elenco cuenta con 17 actores y aproximadamente 50 extras”, explicó García Hume.

La producción enfatizó que para lograr la visión de los guionistas y directores cuentan con objetos de lujo, muebles y copas bañadas en oro, cuidadosamente diseñados para recrear la atmósfera de privilegio y excesos característica de un sector de la alta sociedad de la época. La misma estuvo a cargo de Mallory Production House Mafia, en asociación con Chaco Films, ZUMA Productions y Janus Media.

El elenco está integrado por Luciana Grasso (Arg), Victorio D’Alessandro (Arg), Lala Brillos (Arg), Lucas D’Amario (Arg), Brenda Villoslada (Arg), Martín Oviedo (Py), Mía Flores Pirán (Arg), Mauricio Martínez (Py), Ana Celina (Py), Jazmín Benítez (Py), Martín Slipak (Arg), Camila Ortiz, Nicolás García Hume (Py), Alex Nader (Br), Amparo Velázquez (Py), Kiko Pissolato (Br) y Tássia Dhur (Br).

En codirección: Nicolás García Hume y Romina Tamburello

Guion: Nicolás García Hume y Romina Tamburello

Producción: Mallory Production House Mafia, en asociación con Chaco Films, ZUMA Productions y Janus Media

Productores asociados: Bárbara Lombardo y Albert Espinoza Rubiani

Dirección de fotografía: Armin Marchesini Weihmuller

Sonido: Daniel Gagliano

Dirección de arte: Adriana Ovelar

Montaje: Daniel Casabé

Jefa de producción: Myrian Martínez

Dirección de comunicación: Alejandro Rebull

Dirección de vestuario: Camila Orué

Producción ejecutiva: Bruno Zuccolillo, Gaspar Zaldívar y Nicolás García Hume

Prensa y difusión: Adri Morro Prensa+Contenidos

Con el apoyo de: Slots del Sol, hotel Casa Blanca, Maxus, Olier, New Zone, Bacon, MG Pro Pantallas LED, Donna Donna, Nino Hotel, Fapasisa, Kattegat Cueros, Ferrex, hotel Cecilia, ONE Healthy Man, La Francesa, Auto Prime, RGSA - Ríos Repuestos, The Container BAR, Cannashop, Ramírez Díaz de Espada ICSA, Cerveza Birrini, Agua Mineral Y.

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