Trece años después de haber rozado el título, los argentinos Nair Schinca y Nicolás Schell se consagraron el miércoles campeones de Tango Escenario del Mundial de Tango 2026, con una coreografía que reivindicó el abrazo y la ternura ante un teatro colmado en Buenos Aires. Vestida de negro con detalles plateados y acompañada por Schell, de esmoquin y pajarita, Schinca desplegó una interpretación delicada y elegante que provocó aplausos del público incluso en medio de la actuación.

“Este año decidimos hacer foco en ese lugar, en un abrazo profundo. Pero también reivindicar un poquito el romance, la ternura”, dijo Schell, de 39 años, a periodistas tras recibir el premio. Entre quienes salían del teatro Gran Rex, Ayelén Hassel, de 35 años, destacó la capacidad de los campeones para traducir la música en movimientos complementarios.

“Hermosos. Hicieron una coreo muy musical”, dijo a la AFP. “La vi a ella bailando un instrumento y a él bailando otro, fue increíble”. Schinca y Schell se impusieron entre veinte parejas en la modalidad más acrobática de la competencia, que permite romper el abrazo e incorporar saltos, piruetas y elementos de otras disciplinas.

Era la quinta vez que participaban en el Mundial. En 2013 terminaron subcampeones. “Venimos presentándonos ya hace bastante, bastante tiempo”, recordó Schinca, de 40 años. Ambos describieron el género como el centro de su vida profesional y familiar. “Vivimos por y para el tango. Es cultura, es como el fútbol”, dijo él. “Es mi hijo, es mi mamá, es la familia, es todo”, añadió ella.

La víspera, el argentino Lucas Gauto y la griega Naima Gerasopoulou conquistaron en el mismo teatro el título mundial de Tango de Pista.

Radicados en Atenas, donde bailan y enseñan profesionalmente, Gauto y Gerasopoulou se conocieron hace una década durante el Mundial de Buenos Aires. Fueron cuartos en 2024 y subcampeones en 2025 antes de alcanzar este año el primer puesto.

El Tango de Pista recrea la forma en que se baila en las milongas porteñas. A diferencia de la categoría Escenario, las parejas no pueden romper el abrazo ni realizar figuras acrobáticas: el jurado evalúa la conexión, la musicalidad y el caminar cadencioso.

Las finales cerraron el Festival y Mundial de Tango BA 2026, organizado por la alcaldía de Buenos Aires, que reunió a más de 2.000 artistas en unas 50 sedes de la ciudad.

Durante dos semanas se realizaron unos 150 conciertos, espectáculos, muestras, clases de danza, milongas y otras actividades vinculadas al género nacido a fines del siglo XIX en la región del Río de la Plata. En las primeras rondas participaron unas 800 parejas de 47 países. Solo 60 llegaron a las finales: 40 en Tango de Pista y 20 en Tango Escenario.

Fuente: AFP.

Este lunes, un vecino de Fernando de la Mora zona norte, denunció que varios hombres recorren los barrios de la ciudad, tocan los timbre o aplauden y cuando confirman que no hay nadie en la casa, fuerzan los accesos para ingresar a robar. Estos hombres recorren especialmente los fines de semanas y ya ingresaron a varias casas.

Este nuevo modus operandi ya habría sido reportado en la ciudad de San Lorenzo y en esta oportunidad se trasladó hasta Fernando de la Mora, donde varias familias ya fueron víctimas de los atracadores. En una oportunidad, una adolescente se encontraba en la propiedad y alertó a sus padres y a la Policía.

“Se trata de un grupo de delincuentes que se desplazan en vehículos de alta gama y recorren los barrios. El modo en que operan es que van los sábados a la tarde o domingos, tocan el timbre en reiteradas veces y suponen que no hay nadie en casa, para luego ingeniarse para abrir los portones”, manifestó Isacio Vallejos, una de las víctimas, en la 1020 AM.

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Resaltó que no importa que el portón tenga una cerradura con doble trabajo, nada les ataja y una vez que logran abrir se ponen tapabocas. “En nuestro caso ocurrió el domingo 30, lo más terrorífico fue que estaba en casa nuestra hija sola. Ella nos llamó que tocaron el timbre, pero no atendió y luego se cruzó con los ladrones en el patio interno a punto de entrar ya en el interior de la casa”, expresó.

Afirmó que su hija corrió y se encerró en una de las habitaciones y llamó a sus padres para que puedan venir a auxiliarla. “En ese momento revisamos las cámaras y pudimos ver que al encontrarse con mi hija también decidieron salir corriendo. Esto publicamos en redes sociales y comenzaron a saltar más casos similares”, puntualizó.

Agregó que realizaron la denuncia ante la comisaría local y que los uniformados resaltaron que no son las primeras víctimas de esta banda de criminales. “Se nota que esta gente está activa en diferentes lugares y es un peligro. Como es tan reiterado, tan abierto y tan alevosos que están a cara descubierta y son capaces de perjudicar a cualquiera que este solo en casa”, concluyó.

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El cuarteto de jazz Joaju y el cantautor Ricardo Flecha presentan el videoclip del tema “José Trombón”, grabado en vivo, como un homenaje a la guarania y a su creador, José Asunción Flores, cuyo aniversario de nacimiento se recordó el 27 de agosto. El audiovisual fue registrado en el Teatro Municipal de Asunción, durante el concierto por el lanzamiento del álbum “Maneco 80”, el pasado 23 de junio de 2026.

“De esta manera celebramos con lo mejor de la música popular contemporánea nacional la figura del creador de la Guarania José Asunción Flores, a través de esta guarania compuesta en música y letra por Maneco Galeano, con un arreglo exclusivo para el álbum de Giovanni Primerano”, expresan los artistas del material discográfico, ya disponible en todas las plataformas digitales, que honra al también músico Maneco Galeano a 80 años de su nacimiento. Este proyecto cuenta con el apoyo de la Fundación Itaú.

Víctor. S Morel, baterista de Joaju cuarteto, explicó: “Emocionados de seguir impulsando una música propia que refleja el legado histórico de grandes referentes de la música paraguaya que desde su lugar sirvieron como una luz guía para seguir construyendo identidad desde nuestros propio tiempo, y este quizás es uno de los grandes valores de una composición como ‘José Trombón’, de Maneco Galeano que aparece en una línea del tiempo reconociendo el protagonismo en el pasado de una personalidad como Flores, para así mismo seguir traspasando a nuevas generaciones su destacada visión innovadora lo cual asimismo nos compromete orgullosamente a nosotros a seguir ese camino”.

En “José Trombón” se puede apreciar cómo Maneco de forma magistral rinde tributo a Flores, destacando toda su personalidad artística, así como su sensibilidad social que dio luz para inspirarse a crear el género de la guarania, siendo de esta forma ambos considerados pilares de la música paraguaya, cuyos legados marcaron una época y continúa influyendo en las nuevas generaciones.

Con una colección de 9 temas, con arreglos exclusivos de Giovanni Primerano, de canciones emblemáticas de Maneco, además de una composición inédita, “Maneco 80” captura la esencia de su estilo único, con una fusión de jazz y ritmos tradicionales paraguayos, transportan al oyente a un viaje sonoro que celebra la riqueza musical del país.

• Jorge Zárate
• jorge.zarate@nacionmedia.com
• Fotos: Gentileza

“Creo que el maestro nos quería enseñar que la polca paraguaya tiene mucho de indígena”, dice el musicólogo Nicolás Ramírez Salaberry, que estudia desde hace años al gran músico nacional. Dice que hacen falta transcripciones de las partituras y mayores registros de audio y video de sus obras emblemáticas. También que el panorama sinfónico es bueno en el país y que hay nueva obra esperando abrirse camino.

“La música indígena le llega a Flores con mucha fuerza, para él es vital para entender, para hacer música paraguaya”, expone Nicolás Ramírez Salaberry, musicólogo y director de orquesta. “La música indígena no es un elemento nomás, sino que la música indígena es la propia música paraguaya se podría decir hace parte”, define.

“A veces las obras musicales son como cartas al futuro. Creo que Flores quiso demostrar eso en “Ahendu nde sapukái”, donde nos dice miren todo esto, esta rítmica que recuerda a lo tribal, a lo indígena, deviene en una polca paraguaya”, apunta.

En la semana brindó la conferencia “Temática indígena en José Asunción Flores; desde ‘Ahendu nde sapukái’ a ‘Ñanderuvusu’”, realizada en el marco de la Semana de la Guarania 2026 que se desarrolló en la Casa Bicentenario de la Música Agustín Pío Barrios.

También en la oportunidad Fátima Abramo enseñó sobre los instrumentos con los que Flores se inició en la música: el bombardino y el trombón, a propósito de la exposición permanente de estos “bronces” de la Banda de la Policía Nacional correspondientes a la época en que el gran maestro chacariteño fue parte de su formación.

El titular de la Casa Bicentenario de la Música, Diego Sánchez Haase, calificó de “magnífica” la conferencia de Ramírez Salaberry en la que “analizó a profundidad estas obras fundamentales desde lo musical, lo lingüístico y otros aspectos sonoros que se relacionan con la música indígena, que fueron desglosados de una manera maravillosa”, apuntó.

Ramírez Salaberry, al trabajar su tesis de grado como director orquestal en la Universidad de San Pablo, eligió a José Asunción Flores como materia de estudio. El maestro Luis Szarán le acercó las partituras de “Ñanderuvusu”, poema sinfónico concebido para ballet y, a partir de allí, se sumergió en la fascinación de esa obra que homenajea la cosmovisión guaraní del génesis universal.

“Es un material potente, una obra imponente, se siente que tiene algo de apoteósico, majestuoso y quise entender por qué”, explica.

En el trabajo universitario debió contextualizar el país y ubicar el surgimiento del creador “en un momento de reconstrucción del país”. Luego abordó elementos lingüísticos, la breve pero profunda invocación en guaraní, los elementos impresionistas que evocan a Claude Debussy en algunas figuras del arpa “con volatas que son como gestos musicales”, cuenta.

Sin embargo, el vínculo de la obra con la música indígena le surge al cursar una maestría en Musicología en la Universidad Estadual Paulista (UNESP), cuando estudia la obra “Mandú-Çarará”, del gran maestro brasileño Heitor Villa Lobos. “Esta tiene fuertes elementos indígenas, de la cultura africana, una búsqueda, una síntesis de esa identidad brasileña que tiene influencia europea, india y negra”, apunta para explicar que allí, comparando, encuentra fondos que luego utilizaría en su pesquisa sobre Flores.

En la continuidad de sus aprendizajes, acompañado por el también musicólogo paraguayo Miguel Díaz-Antar, residente en Brasil, estudian la evolución en la música nacional llegando hasta la electrificación de los instrumentos.

Allí vuelve a Flores con más información sobre su interés en la música indígena y aborda “Ahendu nde sapukái”, a la que considera “una obra enigmática, que marca un antes y un después y coincide con un momento más intenso en su formación como orquestador”, apunta. El maestro está en Buenos Aires y estudia y comparte con Gilardo Gilardi, Rodolfo Kubik y Alberto Ginastera, son los finales de los 40, inicios de los 50, “sigue desarrollando su lenguaje y ya tiene elementos suficientes para hacer un trabajo sofisticado, muy ingenioso, ritualístico podríamos decir, muy danzado, de ritmo constante, como es “Ahendu…”.

“Cuando Flores trabaja el fuerte pulso del 3 (ternario) contra el 2 (binario), aparece la célula principal de lo que podría ser la guarania, así como la polca, el 3 contra 2 y el sincopado. Y es lo que evidencian los tambores en esa obra”, apunta.

“La música nativa no tiene una forma estructurada, puede desvanecerse en algún momento”, distingue destacando la manera en que Flores construye la pieza para hacerlo notar. También la “rugosidad casi como una desafinación que puede recordar a flautas indígenas o tambores que no están exactamente en una afinación esperada por el oído de occidente. Entonces es un timbre característico, probablemente de una música indígena, esa rugosidad, esas segundas menores. Y bueno, esta investigación continúa, no ha finalizado todavía, está empezando, pero creo que él estaba queriendo decir que la polca paraguaya tiene mucho de indígena”, define.

En Ñanderuvusu aparece lo rítmico como elemento indígena y la búsqueda de un “canto llano y en cuanto a la melodía por esta búsqueda de aproximación a esa solemnidad de los grados conjuntos de la música nativa”. También la investigación del génesis “en la versión colectada por Kurt Unkel Nimuendajú, traducido del alemán al portugués, cuya traducción al castellano se la iba haciendo nada más y nada menos que Augusto Roa Bastos, según cuenta Carlos Federico Abente”, recordó.

Ramírez Salaberry entiende que las pocas grabaciones que hay de “Ahendú…” tiene que ver con la falta de partituras. “Sabemos que todo el material de Flores corrió riesgo de desaparecer en muchos momentos, su música era prohibida, sufrió persecución de la dictadura. Atribuyo un poco a eso el por qué no llegamos a tener todo sistematizado, así como normalmente un compositor sinfónico suele tenerlas”.

Propone para el caso hacer un trabajo de transcripción: “Creo que sería posible si se contrata un equipo de por lo menos tres musicólogos y músicos sinfónicos para poder hacer partituras al menos por 10 años”.

Hoy son escasas las versiones. “Por ejemplo, Óscar Cardozo Ocampos transcribió para piano “Ahendu…”, apunta el musicólogo.

En el caso de “Ñanderuvusu”, fue registrada en disco por la Orquesta de la Radio y Televisión de Moscú en 1969, aunque ya fuera estrenada en 1954 en el Teatro Politeama de Buenos Aires.

A partir de allí, “es difícil encontrar registros de que se haya ejecutado antes de 2011, cuando el maestro Diego Sánchez Haase la repone al frente de la Orquesta de la Uninorte, con coro y ballet, haciendo una adaptación al castellano a partir de la edición rusa”.

También se ejecuta en 2018 por la Orquesta de la Uninorte dirigida por Gordon Campbell y “en 2025 por la Orquesta Sinfónica Nacional en una versión en guaraní, utilizando el texto que está en el manuscrito, dirigido por la brasileña Catarina Araújo”.

Penosamente no hay registro discográfico de estas experiencias, aunque sí piezas audiovisuales no profesionales, que se pueden ver en Youtube, por lo que alienta nuevos y mejores registros para la gran obra de José Asunción Flores.

Para el musicólogo Nicolás Ramírez Salaberry, los especialistas, a partir del reconocimiento de la guarania como Patrimonio de la Humanidad, van apuntando esfuerzos en torno a “entender a José Asunción Flores como una figura universal y colocarlo al lado de los grandes sinfonistas de América Latina como el mexicano Carlos Chávez, Heitor Villa-Lobos y Alberto Ginastera”.

Expone que de esa forma se van saldando deudas con su legado. Por ejemplo, con “la edición por parte de la Orquesta Sinfónica Nacional (OSN) de la partitura sinfónica de “India” que se publicó el año pasado”.

Por ello, propone extender la tarea “a todos los poemas sinfónicos, todas las versiones que Flores tuvo. El paraguayo tendría que tener la posibilidad de ir a una biblioteca y tener partituras de diversas versiones orquestales de las obras”, señala.

Docente en la licenciatura de Música de la Facultad de Arquitectura, Diseño y Arte (FADA) de la Universidad Nacional de Asunción (UNA), el musicólogo Nicolás Ramírez Salaberry señala que “en cuanto a la nueva obra sinfónica, creo que tenemos trabajos muy importantes y hay mucho más incentivo, se están dando oportunidades a compositores nacionales”.

Apunta que hay cosas por hacer: “Todavía no tenemos en las orquestas sinfónicas un sueldo que se le pague a un compositor fijo. Se necesitan al menos tres compositores fijos en cada orquesta y que estos presenten por lo menos una obra por año y es así que vamos a poder tener trabajos profundos, trabajos de mayor envergadura, más ambiciosos en la cuestión sinfónica”, propone.

Lo dice señalando que sería importante abordar la orquesta “no solamente con una visión de carácter romántico o comienzo del siglo XX, sino con una propuesta sinfónica conectada con la realidad actual. Desde qué elementos existen en el Paraguay que se podría dar a conocer, qué de la música indígena se puede aprovechar todavía o expresar toda la diversidad cultural que tenemos”.

Ramírez Salaberry está haciendo actualmente la residencia de compositores de la Orquesta Sinfónica del Congreso (OSIC) 2026 promovida por el maestro Diego Sánchez Haase: “Creo que tiene una visión muy acertada al dar espacio a jóvenes compositores para conseguir generar ese laboratorio, caldo de cultivo, para que surjan obras que, por supuesto no va a ser perfectas, siempre van a tener sus ajustes, siempre van a tener sus puntos por mejorar”.

Desde su faceta de director de orquesta, apunta: “Creo que el músico sinfónico, que toca profesionalmente, entiende bastante eso. Que los que están trayendo nuevas lecturas de obras nacionales desde arreglos o reorquestaciones o composiciones nuevas son muy enriquecedoras y en ese proceso están colaborando bastante.

Porque puede ocurrir que en algunos casos una orquesta profesional simplemente prefiera no trabajar con músicos o compositores que están todavía en un proceso de formación. Y como dije, en el caso de Paraguay necesitamos fortalecer ese aspecto, que exista esa flexibilidad para que vaya ganándose cada vez más un mayor trabajo profesional”.