• Por Lourdes Torres Lugo, lourdes.torres@nacionmedia.com.

Con el espectáculo denominado “Noticias del amor”, los hermanos Lucía y Joaquín Galán, miem­bros del icónico dúo argen­tino Pimpinela, se presentaron en la noche del sábado 17 de mayo en la nueva sede Arena del Comité Olímpico en la ciudad de Luque.

Un público ansioso y emocionado, que en su gran mayoría ya están lidiando con las canas, aguardaba el inicio del show. Pero, para amenizar la noche estuvo el locutor Rubén Rodríguez, que ofreció una selección exquisita de los mejores clásicos latinos románticos, como tiene acostumbrado la Radio Corazón 99.1 FM. El evento estuvo producido por RPM Producciones.

Luego de que el público prepara sus cuerdas vocales coreando canciones de Luis Miguel, Ana Gabriel, Rocío Durcal, Marco Antonio Solís y otros; llegó el turno de la agrupación paraguaya Los Ojeda, que arrancó el espectáculo con una selección de música paraguaya, invitando al baile con unas polcas ”kyre’y”.

Luego, el conjunto local motivó a más de uno a abandonar su silla para danzar con una buena selección de cumbias, varios ritmos latinos y el infaltable rock argentino, brindando un excelente show de covers.

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La cumbre de la gala llegó con la entrada de los hermanos Galán al escenario, entonando las principales canciones que han marcado a lo largo de sus más de 40 años de labor musical.

En esta ocasión, su espectáculo “Noticia del amor” se enfocó en cómo era el amor entre parejas de antes y cómo fue evolucionando a lo largo de las últimas décadas, del siglo pasado y el nuevo milenio, que ya se encamina hacia la era de la inteligencia artificial.

El momento más emocionante de la noche fue el homenaje que brindaron a todas las madres: Lucía y Joaquín recordaron incluso a las que ya han partido, sobre todo a su propia madre, María Engracia Cuervo, que falleció en enero del 2020. Recordaron que fue ella la que soñó con el dúo de los hermanos y les motivó a conformar Pimpinela, acompañándolos de cerca a su trayectoria musical.

Canciones como “El amor no se puede olvidar” y “Siempre vivirás dentro de mí” erizaron la piel del público e hicieron derramar lágrimas a más de uno. Pero, a pesar de las pérdidas irreparables, recordaron que la familia siempre debe estar unida, a pesar de los problemas muchas veces se afrontan y dedicaron su homenaje cantando uno de sus mejores hits, “La familia”.

En varios momentos, los hermanos Lucía y Joaquín interactuaron bastante con el público, preguntando quiénes eran sus seguidores desde sus inicios, donde una buena mayoría del auditorio levanto la mano. Luego preguntaron quiénes conocieron sus canciones a través de sus padres, e igualmente un número considerado de jóvenes acompañó con un movimiento de sus manos.

Este dúo publicó más de una veintena de discos con canciones al amor, al desamor, en una lucha constante en defensa de las diferencias entre el hombre y la mujer, lo que le ha permitido recibir más de 100 discos entre oro, platino y diamante, convirtiéndose en uno de los dúos más importantes de Latinoamérica y el mundo.

Durante todo el espectáculo, el público acompañó coreando el repertorio musical, que incluyó “Dime cuándo”, “Dímelo delante de ella”, “Valiente”, “Hay amores que matan”, “Mañana”, “Entre la espada y la pared”, recordando a José José; “Ese estúpido que llama”, “Me hace falta una flor”, “Con un nudo en la garganta”, entre otras famosas más que intensamente fueron coreadas por voces mayoritariamente femeninas, haciendo vibrar el Arena del Comité Olímpico.

Finalmente, el mensaje que dejaron con su show es que el mundo puede ir cambiando, pero el amor siempre será el destino uniendo a las personas. Pimpinela cerró su concierto invitando a no tenerle miedo a las diferencias del hombre y la mujer, ya que justamente son esas diferencias las que los atrae, el uno al otro.

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• Fotos: Emilio Bazán

En este “Expresso” modo estandapero, Augusto dos Santos toma asiento junto al comediante Gato Siamés, una de las figuras más visibles del emergente movimiento del stand up en Paraguay. Dueño de un humor ácido, negro y hasta algo hermético, Camilo Acosta, su nombre fuera de escena, reflexiona sobre este versátil género artístico y sobre el humor de los paraguayos, a quienes considera muy difícil hacerles reír.

–¿No te figuraste la posibilidad de hacer lo que hace todo el mundo, o sea, tomar un trabajo en serio?

–Pero mi trabajo es serio, porque conmigo nadie se ríe (risas). Por eso agradecí mucho que me inviten a esta entrevista. Me encanta venir a entrevistas mientras que no sean de trabajo (risas).

–¿Cómo te metiste en este mundo?

–Yo fui a un ciclo de stand up donde me habían dicho que si vos te presentabas con un monólogo de 5 minutos podías ganar 200.000 guaraníes. Entonces, esa misma tarde escribí el monólogo y me presenté y fui el peor. Y así durante 2 años.

–¿Perseguiste los 200.000?

–Sí, persiguiendo los 200.000 guaraníes hasta que le encontré al Gato Siamés. Dos años me tomó a mí encontrar.

–¿Era otro personaje o sencillamente era Camilo?

–Era Camilo a secas. No contaba yo con una identidad escénica. Eso implicaba que yo sonreía en el escenario, estaba ansioso de un lado para otro. Me tomó un par de años encontrarnos con el Gato Siamés.

–Hay una característica muy interesante que tiene tu personaje, porque aparte de toda la carga de comedia que habitualmente tienen todos los estandaperos, vos cargás con una actuación extra, llevar un personaje que necesariamente tiene que ser tan duro, ¿no?

–Sí, yo digo que mi acting es la falta de acting. Encontré ahí un tipo de actuación.

–¿Y dista mucho de lo que es Camilo en la vida real?

–No mucho. Yo siempre menciono que en el stand up existe lo que se denomina la persona escénica, que a diferencia de un personaje, que es adoptar una personalidad totalmente diferente a la tuya, una persona escénica vendría a ser un aspecto de tu personalidad, pero exagerado con fines cómicos. En mi caso, Camilo es muy inexpresivo y tiene tendencias depresivas, pero no al punto exagerado del Gato Siamés porque ahí ya sería una persona disfuncional. Pero sí tiene aspecto de Camilo el gato, pero exagerado.

–Este género se impuso muy fuerte, ¿no? Supongo que para ustedes es un momento lindo el que se vive.

–Sí, es un momento lindo y un logro obtenido porque todo ese crecimiento exponencial que hoy en día se puede apreciar es producto de la autogestión de los comediantes. Los comediantes transmutamos a productores porque somos nosotros quienes organizamos nuestros propios shows. Eso es algo que me enseñó a mí el stand up, no esperar a que vengan las oportunidades, sino yo ir detrás de ellas.

–No somos un país que tiene una oficina de productores, de comediantes. ¿Tenés que hacer todo, no?

–Uno tiene que producir sus videos, editarlos. Por ejemplo, aprovecho también para mencionar que el 14 de junio voy a organizar un show, un festival en el teatro de Caacupé. Y va a ser la primera vez que estaré en un teatro tan grande. Ya me presenté en teatro, pero es la primera vez que yo produzco y lo hago con mucha confianza. Se va a llamar JapuKa’acupe!

–¿Cómo te enganchaste con ese personaje?

–El Gato Siamés es mi alter ego. Entonces, yo le denomino como mi siamés. Y si se fijan en mi logo, es un gato siamés que a su vez tiene un siamés en su espalda. O sea, es doble siamés, es doble sentido. Porque el Gato Siamés representa eso, una dualidad entre la persona y el alter ego.

–No hay dudas de que tu representación es fuerte en el escenario y eso es un plus. Ahora, ustedes los gatos tienen un sentido corporativo. ¿A vos te picha, por ejemplo, que Gatito Fernández quede en el banco en estos tiempos?

–Y es que los gatos somos solitarios, no sabemos trabajar en equipo, preferimos estar solos en el banco (risas).

–¿Para vos el fútbol es buena historia?, ¿tenés algún clásico que contás al respecto del fútbol en tus shows?

–La verdad que no me llevo bien con el fútbol porque mi novia me dejó por un futbolista. Me chutó.

–Perdón...

–Él era... mejor partido.

–¿Cómo haces para no morir de miedo en el escenario y sostener una relación de humor durante 30 o 40 minutos y encima que te aplaudan cada tanto?

–La base personal es la confianza. Vos tenés que creértela y con base en eso se sostiene el resto. Si vos no creés en vos mismo, si vos no confiás en tu material, difícilmente el público también lo va a hacer. Entonces, la primera persona con quien tenés que combatir sos vos mismo contra el síndrome del impostor, contra esa voz en la cabeza que te dice que no sos lo suficiente, que no es lo tuyo.

–¿Te pasó alguna vez que derrapaste mal en todo un tramo de tu desarrollo en algún momento?

–Sí, claro que sí.

–Debe ser peor que te olvides el remate de algo.

–Pero uno tiene que saber zafar en esos momentos. La estrategia está en que el público no lo note. Por eso es importante disociarse de las emociones para que estas no te afecten. Por ejemplo, si el público no te está acompañando con las risas, con los aplausos, vos no te podés ver afectado por eso.

–A vos seguro te cuesta menos que al resto porque tu personaje es gélido, funerario.

–Eso uso mucho a mi favor. Es más, yo por ejemplo cuando me despierto enfermo o estoy un poco bajón, yo digo “perfecto, hoy va a ser una excelente noche”.

–Vos te caracterizás por un tono muy fuerte en tu vestuario. ¿Eso genera per se algún tipo de contacto distinto con la audiencia?

–Lo que yo siempre busco es generar un impacto no solamente en mi texto, sino en el aspecto visual porque yo quiero que la gente se acuerde de mí. La falda es algo inusual y queda ya en el inconsciente de la gente. ¿Qué onda ese person que está de negro y de falda? Para bien o para mal, pero la gente se acuerda.

–Ya rompiste con la facha digamos.

–Sí, es lo que yo siempre inculco. Uno tiene que sobresalir, uno tiene que mantenerse en la memoria de las personas.

–Hablando de la relación con el público, ¿sos de construir con ellos texto, diálogo o estás más encerrado en tu personaje en esa relación?

–La principal fuente de la creatividad es el diálogo. Y uno lo hace conversando. Mientras converses con más personas diferentes en lo posible, que te carguen con ideas, vivencias, experiencias distintas a la tuya, más creativo vas a ser.

–¿Vos sabés que te imitan en “Tercer tiempo”? ¿Qué les decís a esos imitadores?

–Shakiro, que es mi imitador, estuvo en mi último show y la mejor onda con ellos. Es muy bueno, es excelente Shakiro, muy buena persona también. Él me comentó que lo hizo con mucho honor, con mucho respeto porque sigue mi trabajo y yo lo tomo desde ese lado. Yo lo tomo desde el lado de que es un honor para mí que me imiten porque eso significa que estoy haciendo bien mi trabajo. Tengo un sello característico, una identidad bien definida. Si yo carecía de eso, no se me iba a poder imitar y que la gente sepa a quién se le está imitando, eso también habla bien. O sea, mantenerse en el inconsciente de las personas, ya sea mediante mí mismo o mediante un imitador.

–Quiero ir a un tema serio. No nos olvidemos que estamos en la semana de la independencia. Fulgencio Yegros, Rodríguez de Francia, Pedro Juan Caballero, Iturbe. ¿Cuántas calles participaron en eso del 14 de mayo?

–Sí, eso a mí no me cuadra. Así que mejor que se calle.

–La historia te deja humor suelto porque la historia es muy seria, digamos. Supongo que los historiadores no tienen mucho sentido del humor.

–Todos tenemos sentido del humor y en todo podés encontrar humor. Puedes encontrar humor en la historia, en la actualidad, eso es lo lindo justamente del humor, incluso también del humor negro. Por eso yo muchas veces afronto el humor negro desde el aspecto filosófico en el sentido de que aquel hecho trágico, nefasto, deplorable, pero aun así si le analizás desde una óptica cómica, puedes encontrar un chiste.

–Esa es una ventaja del monólogo comediante porque hay otros géneros en los que a veces lo prohibido, los tabús pesan más. En vuestro arte se habla casi de todo.

–Y es por la condición propia del monólogo, que etimológicamente significa mono (uno) y logo (discurso). El hecho de que sea individual, eso implica que vos sos el autor de tu comedia, de tu escrito. No hay nadie que pueda llegar a evitar o a dictaminar qué es lo que podés o no decir. En ese sentido, es un arte muy libre. Por supuesto que después vos te hacés cargo de las cosas que decís, pero no va a haber nadie que te diga “vos no podés hablar de esto o de aquello”. Esa es la ventaja del stand up.

-Me pregunto si en una sociedad tan conservadora como la nuestra ¿tuviste algún problema?

–Vos sabés que no. Justo el sábado pasado en este show al cual fue Shakiro, mi imitador, fue un show temático de humor negro y la gente va por eso, va esperando humor negro. Solamente que para hacer humor negro uno tiene que ser muy estratega.

–¿Por qué?

–Porque uno tiene que saber borrar sus rastros, uno tiene que saber cuidarse. Por ejemplo, yo humor negro no lo voy a hacer en redes sociales. Por eso si uno entra a mis redes sociales va a ver un humor más absurdo.

–La herramienta esencial en este arte es el absurdo, ¿verdad?

–Claro. El humor es antilógica. Es antiestructura. Entonces, vos tenés que quebrar.

–Marcelo Tolces, que es director creativo del canal GEN, me apuntó una consulta que quería que te haga. ¿Qué relación tienes con Camilo Soares.

–Así como Camilo Soares, yo soy revolucionario, soy bohemio, o sea, soy un vago. Entonces, en eso nos parecemos.

–¿Quiénes te inspiran en este negocio del stand up hoy en Paraguay?

–Más allá del lado creativo, en Paraguay me inspiran por el lado de la producción. Entonces, me inspiran los comediantes-productores que hicieron un trabajo rentable el stand up, el arte. Cuando me preguntan ¿se puede vivir del arte?, yo siempre digo que se puede vivir de lo que sea si es que vos tenés una buena estrategia y la constancia necesaria como para vender y confiar en aquello que vendés.

–¿Estudiar psicología te ayuda con lo tuyo?

–Sí, el humor es una gran ayuda terapéutica en el sentido de la autoestima, el hecho de poder escribir un monólogo y que la gente se ría, te aplauda por tus ideas. Eso ayuda mucho también contra la depresión al transformar las ideas negativas en arte, que es lo que hago desde el lado social también, que te ayuda a comunicarte mejor e incluso en el sentido neurológico, porque el stand up es un ejercicio creativo constante. Siempre tenés que estar creando y así le das neuroplasticidad a tu cerebro. Así como cuando vas al gimnasio y ejercitás tu cuerpo, el stand up es un ejercicio mental constante que ayuda psicológicamente.

–¿El paraguayo se ríe de sí mismo?

–Es muy difícil hacerle reír al paraguayo. Por ejemplo, en otros países el público va a un show esperando reír, queriendo reír. En cambio, muchas veces el paraguayo va, se sienta y ya está con los brazos cruzados. El público paraguayo es muy difícil porque no va con la intención de reír muchas veces. Va con una actitud confrontativa en el sentido de ¡haceme reír!, ¡a ver qué tan kachiãi sos! Es como que te desafían.

–Finalmente, ¿por qué vos sostenés que Paraguay va a clasificar para el Mundial?

–Y ahora está muy tensa la situación entre Ucrania y Rusia. En cualquier momento va a haber una tercera guerra mundial, entonces ahí Paraguay por fin va a formar parte de vuelta en un mundial.

–¿Sos de ir a la cancha?

–No, porque no soy canchero.

–Pero ¿tenés un club?

–Tengo un club.

–¿Cerro?

–Y mejor que acá la entrevista ya se cerró y así me expreso.

• Cannes, Francia. AFP.

La estrella de Hollywood Halle Berry reconoció el martes pasado que no podrá usar el vestido que había elegido para la noche de apertura del Festival de Cannes debido al nuevo código de vestimenta en la alfombra roja. La actriz estadounidense, que forma parte del jurado que decidirá qué película gana la Palma de Oro, dijo que probablemente hubiera infringido las nuevas reglas que no autorizan los vestidos excesivamente voluminosos, así como la desnudez en la alfombra roja.

"Tenía un vestido increíble de [el diseñador] Gupta para usar esta noche, y no puedo ponérmelo porque la cola es demasiado grande", dijo la actriz oscarizada en rueda de prensa. “Por supuesto, voy a seguir las reglas. Así que tuve que hacer un cambio de última hora”, confesó. La estrella mostró su apoyo a los organizadores del festival por tomar medidas contra los atuendos excesivamente provocativos con nuevas reglas escritas.

“La parte de la desnudez probablemente es una buena regla”, dijo. Los organizadores de Cannes sorprendieron el lunes al poner sus reglas de vestimenta por escrito y hacerlas públicas por primera vez. “No se trata de regular” lo que la gente usa, sino de “prohibir la desnudez total en la alfombra roja, de acuerdo con la ley francesa”, dijo un portavoz a AFP.

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La alfombra roja de Cannes ha visto un desfile de looks atrevidos y reveladores a lo largo de los años, como cuando la modelo Bella Hadid desató furor en las redes sociales en 2021 con una escultural creación de Schiaparelli con escote pronunciado. Los vestidos transparentes, que revelan considerablemente más que lo que ocultan, se han convertido en algo así como un fenómeno de la alfombra roja últimamente.

La esposa del rapero Kanye West, la arquitecta Bianca Censori, causó un escándalo en los Grammy de febrero por ir con un vestido con el que se veía prácticamente todo su cuerpo. Tras años de disputas y controversias, Cannes también ha clarificado sus reglas sobre el calzado, ya que muchos acusaban al festival de obligar a las mujeres a usar tacones altos.

Varias estrellas desafiaron la regla tácita asistiendo con zapatos planos o incluso descalzas, incluidas Julia Roberts, Cate Blanchett e Isabelle Huppert. Kristen Stewart resistió manteniéndose en sus tacones al caminar por la alfombra roja en 2018, para luego quitárselos frente a las cámaras.

La regla ahora ha quedado claramente establecida. El festival ha decretado que se permiten “zapatos o sandalias elegantes con o sin tacones”, un cambio que la presidenta del jurado de este año, la francesa ganadora del Óscar Juliette Binoche, calificó como “una muy buena idea”, bromeando que hablaba por “experiencia”.

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Desde mitos ancestrales hasta problemas laborales, pasando por un wéstern con una protagonista transgénero, cuatro jóvenes cineastas brasileños presentaron el miércoles en Cannes sus cortos. Realizados en binomio con un autor de otro país, estos filmes forman parte del programa Factory de la Quincena de Cineastas, una sección paralela del certamen.

Las obras se filmaron en Ceará, en el nordeste brasileño, auspiciadas por el conocido director Karim Aïnouz, oriundo de Fortaleza y habitual de la Croisette. Es precisamente en el gigantesco puerto de la capital de este estado que se sitúa “Ponto cego”, la historia de Marta, una ingeniera responsable de las cámaras de seguridad de las instalaciones portuarias.

Luciana Vieira, originaria de esta región, y el cubano Marcel Beltrán son los autores de este cortometraje que muestra un entorno donde las mujeres apenas pueden quejarse. “Es un desafío, porque cuando dirigimos juntos tenemos que ponernos de acuerdo en todo, el filme, la estética, el reparto... Dirigir es tomar decisiones, por eso teníamos que estar muy unidos, hablar mucho” para llegar a un terreno común, explicó Vieira en la presentación de los cortos, sobre el hecho de trabajar en binomio con otro cineasta.

También partieron de posiciones diferentes Stella Carneiro, de Alagoas, y el portugués Ary Zara, pero enseguida conectaron. Su corto “A vaqueira, a dançarina et o porco” es un wéstern donde una “cow-girl” transgénero visita a su novia. “Siento que compartimos los mismos valores”, dijo Carneiro. “Para nosotros era muy importante desde el principio traer como protagonistas a personajes que normalmente no se ven en este género tan tradicional”.

En “Como ler o vento”, Bernardo Ale Abinader, de Amazonas, y la francoegipcia Sharon Hakim hacen hincapié en la preservación del conocimiento de los ancestros, al filmar cómo una curandera tradicional le enseña a su discípula sus técnicas. El cuarto cortometraje, de Wara, con orígenes aymaras, y la israelí Noam Shimon, “A fera do mangue”, también se adentra en las tradiciones para contar, en clave mitológica, la historia de una mujer que se llena de la fuerza de los manglares para enfrentarse a un agresor.

Las cuatro obras están protagonizadas por mujeres y, aunque parezca que sus autores se pusieron de acuerdo para converger en este punto, los jóvenes cineastas aseguran que se dieron cuenta de la coincidencia después, cuando ya los proyectos estaban lanzados. Lo que sí que estuvo en el punto de partida fue la región de Ceará, en el nordeste del país, una región tradicionalmente desfavorecida.

La última película de Aïnouz, “Motel Destino”, que compitió por la Palma de Oro el año pasado, ya estuvo rodada en esa zona. Y se quiere seguir promocionando la región en el sector cinematográfico. “Esta fue una edición muy especial que hicimos a nivel regional, ya que fue un proyecto apoyado por el estado de Ceará. Ellos tomaron esta importante decisión de destacar la región del nordeste y el norte de Brasil”, dijo Janaina Bernarder, productora y una de las impulsoras del intercambio.

Esta edición de Factory, un programa que lleva 10 años invitando a un país (Finlandia, Chile, Dinamarca...) para hacer este tipo de colaboraciones, se enmarca también en la conmemoración de 200 años de relaciones diplomáticas entre Francia y Brasil.

La presidenta del jurado del 78º Festival de Cannes, la actriz francesa Juliette Binoche, rindió ayer martes homenaje a la fotoperiodista palestina Fatima Hassouna, que murió en un ataque israelí en Gaza y que es tema de un documental presentado en el certamen. “Fatima debería estar aquí, entre nosotros. El arte permanece. Es el testimonio poderoso de nuestros sueños. Y nosotros, los espectadores, lo acogemos”, explicó Binoche en la gala de inauguración del festival.

“El viento del dolor es hoy en día tan violento, se lleva por delante a los más débiles”, declaró la actriz, que también recordó a “los rehenes del 7 de octubre y todos los rehenes, los prisioneros”. El 7 de octubre de 2023, milicianos islamistas mataron a 1.218 personas en Israel, en su mayoría civiles, según un recuento de AFP basado en datos oficiales.

También secuestraron a 251 personas, de las cuales 57 siguen retenidas en Gaza, incluidas 34 que el ejército israelí ha declarado muertas. La ofensiva israelí en represalia ha matado a más de 52.000 personas en Gaza, también en su mayoría civiles, según datos del Ministerio de Salud de Gaza. A pocas horas de la gala en Cannes, más de 380 personalidades del mundo del cine publicaron una carta abierta de denuncia de la guerra.

La misiva recordó la tragedia de Fatima Hassouna, fallecida en un bombardeo israelí a mediados de abril. Su muerte, y la de su familia, se produjo un día después de que se anunciara que el documental “Put Your Soul on Your Hand and Walk” (Ponte el alma en la mano y camina), dirigido por la iraní Sepideh Farsi que ella protagoniza, fuera seleccionado en ACID, una sección paralela del certamen.

El espectáculo de humor creado y protagonizado por la reconocida actriz internacional Lali González continúa cosechando éxitos en su reestreno en el Teatro Latino. “Divorciadísima, la despedida” cerró su segundo fin de semana con funciones completamente agotadas, sumando ya cuatro presentaciones consecutivas a sala llena.

Esta comedia, escrita y dirigida por González y producida por BIG MAMA, ha logrado conquistar al público con una propuesta cargada de entretenimiento y risas. Su puesta en escena se destaca tanto por la interpretación como por su cercanía con el espectador, tocando con humor temas cotidianos desde una perspectiva ágil y contemporánea.

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El Teatro Latino, que alberga esta exitosa temporada, ofrece una experiencia cómoda en una sala totalmente renovada, climatizada, con servicio de kandy bar y estacionamiento, lo que suma puntos a una velada teatral completa.

Debido a la alta demanda, la productora ha anunciado dos nuevas funciones los días sábado 24 y domingo 25 de mayo a las 20:00. Las entradas para estas nuevas fechas ya están disponibles en la plataforma Ticketea.

Con el entusiasmo del público intacto y la promesa de más risas, “Divorciadísima, la despedida” se consolida como uno de los espectáculos imperdibles de la cartelera actual.

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