• Paulo César López
• paulo.lopez@nacionmedia.com
• Fotos: Gentileza

Esta reseña nace de una nostalgia concreta: el ciclo de cine de los lunes de la Manzana de la Rivera, para mí el rincón más bello de Asunción. En este ciclo –que continúa con ciertas intermitencias, por lo que vale la pena asomarse cada tanto a su programa de actividades– vi por primera vez hace más de 20 años la película que motiva este comentario, “Ser o no ser”, del director judeoalemán Ernst Lubitsch.

“Ser o no ser” es una de las comedias más audaces del cine clásico, además de la única con guion original de Lubitsch, ya que el resto de su obra está compuesta de adaptaciones, fundamentalmente de piezas teatrales. Radicado y naturalizado en EE. UU. antes de la guerra, este versátil cineasta fue el inventor del toque Lubitsch para evitar la censura, por lo que su obra dice mucho más de lo que muestra.

El año es 1942. EE. UU. aún no ha entrado a la guerra y, al igual que pasó con Charles Chaplin, la comedia sobre nazis “Ser o no ser” enfrentó una fuerte resistencia. Además del alegado deber de “neutralidad”, cierto público se ofendió debido a que no consideraba motivo de broma lo que estaba ocurriendo, en tanto que otro sector de la industria temía un veto al ingreso de las películas de Hollywood en general al mercado alemán.

Varsovia bombardeada y ocupada. Un elenco de teatro liderado por un actor mediocre casado con una bellísima actriz de la misma compañía que pacta citas subrepticias con admiradores durante el famoso monólogo “To be or not to be”, del “Hamlet” de William Shakespeare, interpretado por su esposo Josef Tura (Jack Benny).

La señora María Cora (Carole Lombard, quien moriría poco antes del estreno en un accidente de avión durante una actividad de colecta de fondos para víctimas de la guerra), se ve envuelta en una operación encubierta luego de aceptar flores y recibir a solas en su camerino –¡vaya descaro para la época!– a un joven aviador interpretado por Robert Stack (el protagónico Eddie en “La casa de bambú” (1955), “Y dónde está el piloto” (1980), así como la recordada serie “Misterios sin resolver” (1987), que nos hizo cagar en las patas a los pendejos de los noventa.

Una lista robada por un espía nazi encubierto como un falso profesor polaco que no debe llegar a manos de la Gestapo. Allí se pone en marcha un operativo tan hilarante como desesperado que catapulta al centro de la acción al frustrado actor secundario Greenberg (Felix Bressart), que lleva años empuñando la misma lanza de utilería y sacando la basura al término de cada función.

El papel de sus sueños es interpretar el monólogo de Shylock en el “El mercader de Venecia”: “¿El judío no tiene ojos, no tiene manos, ni órganos, ni alma, ni sentidos, ni pasiones? ¿No se alimenta de los mismos manjares, no recibe las mismas heridas, no padece las mismas enfermedades y se cura con iguales medicinas, no tiene calor en verano y frío en invierno, lo mismo que el cristiano? Si le pican, ¿no sangra? ¿No se ríe si le hacen cosquillas? ¿No se muere si le envenenan?”.

De esta interpretación depende el futuro de Polonia e incluso si esta es ejecutada con éxito no hay garantías de que pueda alterar la posición del enemigo. Greenberg se infiltra junto con Tura en una función en homenaje al Führer y se hace atrapar saliendo del baño de mujeres con ropa de civil. Allí se inicia un diálogo que no tiene desperdicios entre él y su compañero de operación para abandonar el país en un avión alemán.

–“¿Cómo ha llegado aquí?

–Nací aquí.

–¿Y qué le hizo decidir morir aquí?

–Él (dice en referencia a Hitler).

–¿Qué quiere del Führer?

–¿Qué quiere él de nosotros? ¿Qué quiere él de Polonia? ¿Por qué nos ataca? ¿No somos humanos?, ¿Es que no tenemos ojos?, ¿es que no tenemos órganos?, ¿sentidos, proporciones, afectos, pasiones, nutridos con la misma comida, heridos con las mismas armas, sujetos a las mismas enfermedades, curados por los mismos medios, calentados y enfriados por el mismo invierno y verano? Si nos pincháis, ¿no sangramos?; si nos hacéis cosquillas, ¿no nos reímos?; si nos envenenáis, ¿no nos morimos?; si nos ofendéis, ¿no debemos vengarnos?”.

En una de las escenas más ácidas, el ególatra actor inquiere a un alto oficial de las fuerzas invasoras sobre su fama entre el público alemán.

–“¿Usted conoce al gran actor polaco Josef Tura?

–Oh, sí que lo vi en ‘Hamlet’, cuando hizo con Shakespeare lo mismo que estamos haciendo ahora con Polonia”.

Su propia esposa y un escritor amigo le solicitaron a Lubitsch suprimir este pasaje e incluso un músico se negó a componer la banda sonora. Sin embargo, el director rechazó categóricamente que haya incurrido en un chiste de mal gusto y (afortunadamente) conservó la escena.

Más allá del enredo, lo que persiste es la certeza de que la risa también puede ser un acto de resistencia. A más de ochenta años de su estreno, la película no solo invita a burlarnos del horror: nos recuerda que, incluso en su forma más feroz, el poder teme al ridículo. Y que, a veces, reír no es evadir la tragedia, sino enfrentarla en sus propios términos.

Un show de stand up que reu­nirá a 13 comediantes nacio­nales está previsto para el próximo viernes 8 y sábado 9 de mayo, en el Teatro Muni­cipal “Ignacio A. Pane” de Asunción. Bajo el nombre de “Madre, Patria y Comedia”, se presentarán dos funciones especiales, a las 21:00.

Se trata de una propuesta que busca conectar con el público a través del humor, abordando temas vinculados a la identidad, la vida cotidiana y aque­llos elementos que forman parte de la cultura paraguaya, desde una mirada contempo­ránea y cercana.

El elenco estará conformado por Sergio Leoz, Diana Fru­tos, Yemmy Melina, Gus Mancuello, Jugo de Mango y Pablo Testa en la función del viernes; mientras que el sábado subirán a escena Diego Santacruz, Caro Romero, Fani Cantero, Hugo León, Kasim Handouss y Soy Nati.

En la conducción estará Juan Reyes. El espectáculo se presenta como una de las principales propuestas de comedia en la agenda cultu­ral de mayo, convocando a un amplio público en uno de los escenarios más emblemáticos del país. Las entradas se consi­guen en Tuti, con una promo­ción limitada de 2x1 vigente por tiempo determinado.

• Por David Sánchez, desde Toulouse (Francia), X: @tegustamuchoelc (*).

Javier Bardem habla de “F1: La película” con la misma intensidad con la que su personaje, Rubén Cervantes, vive al borde del abismo financiero, emocional y humano. En una conversación cargada de reflexión, humor y honestidad, el actor español dejó claro que la película dirigida por Joseph Kosinski va mucho más allá de la velocidad y el espectáculo: es una historia de amistad, segundas oportunidades y pasión llevada al límite.

“Es la historia, ante todo, de dos amigos que confían el uno en el otro”, explicó Bardem. Amigos que fueron rivales en el pasado, unidos por el respeto y la admiración mutua. Ese vínculo es el corazón del filme. “Si perdemos, perdemos juntos. Si ganamos, ganamos juntos”, resumió el actor, dejando claro que el relato no se mide solo en victorias, sino en lealtad.

Uno de los aspectos que más impresionó a Bardem del mundo de la Fórmula 1 fue el riesgo económico. “En la Fórmula 1, la gente pone en juego cientos de millones de dólares. Es una locura”, confesó. Una locura que, sin embargo, responde a algo más profundo: la necesidad de ir más allá de lo ordinario.

“No hablo de romper las reglas de la ley, sino la regla de lo promedio”, explicó. “Hacer algo especial. Y si te estrellas, te estrellas. Pero nos estrellamos juntos”.

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Durante su investigación para el papel, Bardem encontró un patrón común entre pilotos y propietarios de equipos: una pulsión casi irracional por ganar. “Es una pasión que va más allá de su control”, dijo. “Algo tan lejano a mí, porque yo no tengo esa necesidad de ganar”.

Ese contraste fue parte del reto interpretativo. “Es un mundo muy tenso. No hay espacio para la relajación”, añadió entre risas. “Hay espacio para apostar, para confiar, para saltos de fe… pero no para relajarse”.

Antes de la película, Bardem no era un seguidor de la Fórmula 1. Ahora, su respeto es absoluto. “Son auténticos jugadores. Juegan con sus propias vidas”, afirmó. “Eso es algo que hay que respetar”.

El actor destacó especialmente la valentía de los pilotos y el trabajo invisible que hay detrás de cada coche. “Cientos, miles de personas trabajando para que un piloto cruce una línea”, señaló.

Y tuvo palabras especialmente cálidas para Lewis Hamilton, productor del filme: “Es un ser inteligente, dulce, encantador. Nunca dirías que se sube a un coche a 240 millas por hora”. Luego sonrió: “Pero es muy bueno en eso”.

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La química con Brad Pitt fue otro de los puntos clave de la conversación. “Esas cosas pasan o no pasan”, dijo Bardem con franqueza. “Tú pones lo mejor de ti y esperas que funcione”.

En este caso, funcionó. Y con creces. “Brad entra en una habitación y su energía lo llena todo”, contó. “Nunca sentí que estuviéramos a su servicio. Era al revés”.

Bardem definió su relación en pantalla como una auténtica “bromance”: una amistad madura, llena de afecto y complicidad. “Hay amor, que es como tiene que ser”, afirmó con orgullo.

El actor subrayó la importancia del realismo, impulsado directamente por Hamilton. “La precisión de esta película no se ha hecho nunca antes”, aseguró. Desde el guion hasta el sonido de cada marcha del coche, todo fue supervisado con obsesión casi artesanal.

“Cuando vi la película en una sala IMAX pensé: ‘Dios mío, el nivel de detalle’”, recordó. “Es una obra de arte”.

Cuando le preguntaron por el tema de las segundas oportunidades, Bardem fue directo y humano: “No hay ensayo para esto que llamamos vida”. A sus 56 años, habló sin filtros: “La he cagado, he vuelto, lo he intentado otra vez”.

Su conclusión fue clara: “Lo importante es levantarse y volver a intentarlo, intentando no hacer demasiado daño a los demás”.

Trabajar con Kosinski, Bruckheimer y Pitt fue, en palabras de Bardem, “un resort de lujo del cine”. “Estás protegido por gente que sabe exactamente lo que hace”, explicó. Y eso eleva el nivel de todos.

Sobre su personaje, Rubén Cervantes, Bardem lo definió como alguien fuerte en apariencia, pero profundamente vulnerable: “Vive en un mundo que empieza a devorarlo financiera y emocionalmente”.

Ante la posibilidad de una secuela o incluso una precuela, Bardem no cerró ninguna puerta. “Nunca se sabe”, dijo. “Si Joe quiere que esté, ahí estaré”.

Eso sí, dejó una advertencia con humor: “Tendrían que darse prisa. No nos estamos haciendo más jóvenes”.

* David Sánchez es un periodista franco español afincado en Toulouse, centrado especialmente en cine iberoamericano, miembro de la crítica internacional Fipresci. Sitio: https://www.tegustamuchoelcine.com.

El festival de Sundance, la gran cita anual del cine independiente en Estados Unidos, presentó el miércoles su programación 2026, en la que estrellas de Hollywood se mezclarán con jóvenes y prometedores directores de todo el mundo y la comedia será un plato fuerte. Esta edición, que se celebrará del 22 de enero al 1 de febrero en las montañas de Utah, será la primera desde la muerte en septiembre del cofundador del festival, el legendario actor y director Robert Redford.

“Creo que este va a ser un año de celebración y muy especial”, dijo a la AFP la directora de programación de Sundance, Kim Yutani. La comedia ocupará un lugar importante en la programación, afirmó, con el estreno, entre otros, de la película “The Invite”, de la directora Olivia Wilde y protagonizada por Seth Rogen y Edward Norton, que cuenta la historia de una pareja que invita a cenar a unos misteriosos vecinos.

Las estrellas de “Mad Men” Jon Hamm y John Slattery también se reencuentran en una nueva comedia llamada “Gail Daughtry and the Celebrity Sex Pass”, en la que una futura novia desata el caos en Hollywood para vengarse después de que su prometido usara el “permitido” de la pareja con un amor platónico famoso.

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Además, se proyectará “The Gallerist”, un thriller que reúne a la actriz ganadora del Óscar Natalie Portman y a la joven estrella Jenna Ortega. La película narra la épica historia de una galerista desesperada que quiere vender un cadáver en la famosa feria de arte contemporáneo Art Basel de Miami.

Con la industria cinematográfica aún recuperándose de sucesivos golpes -desde la revolución del streaming y la pandemia de covid-19 hasta las huelgas de Hollywood en 2023- la participación de rostros famosos es un voto de confianza en el cine independiente, según John Nein, otro de los organizadores de Sundance 2026.

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Los 90 filmes de la grilla, casi todos estrenos mundiales, fueron seleccionados entre 16.000 candidaturas procedentes de 164 países. Más del 40% serán la primera película de su director, precisaron los organizadores. La selección también da protagonismo a las películas extranjeras. La lista incluye el largometraje británico “Extra Geography”, la película australiana “Leviticus” y la chipriota “Hold Onto Me”.

La programación documental también es muy rica, con producciones de todo el mundo entre ellas, firmes candidatas a los Óscar. Estarán en cartel “Kikuyu Land”, sobre la corrupción en Kenia, así como “Hanging by a Wire”, sobre la frenética carrera para salvar a unos escolares suspendidos en un teleférico bloqueado en una región montañosa de Pakistán. En 2027 el festival se trasladará a Boulder, en el vecino estado de Colorado.

Fuente: AFP.