El gran éxito de Netflix “Las guerreras k-pop”, una historia sobre el bien y el mal que incorpora la mitología tradicional coreana y una banda sonora energizante, ganó ayer domingo el Óscar a mejor película animada y a mejor canción. La cinta, coproducida con Sony Pictures Animation, se estrenó en Netflix en junio de 2025, pero rápidamente consiguió un gran número de seguidores en todo el mundo y actualmente es la película original más vista de todos los tiempos del gigante del “streaming”.

Cuando se estrenó una versión especial para cantar a coro en los cines norteamericanos durante un solo fin de semana, llenó con creces y dominó la taquilla. “Esto es para Corea y para los coreanos en todos lados”, dijo la codirectora Maggie Kang al recibir la estatuilla, quien subió al palco junto al también director Chris Appelhans y la productora Michelle Wong.

La película cuenta la historia de HUNTR/X, un popular grupo femenino de K-pop cuyas integrantes llevan una doble vida como cazadoras de demonios armadas. Sus canciones ayudan a crear una barrera mágica llamada Honmoon que protege a la humanidad.

El papel de cazadora de demonios se transmite de generación en generación.

El trío actual de Rumi, Mira y Zoey está formado por mujeres empoderadas que derrochan estilo, pero que también son un poco torpes y devoran comida coreana entre actuaciones y sus operaciones de caza.

Deben enfrentarse a una banda de chicos demoníacos, los Saja Boys, enviados por el señor de los demonios Gwi-ma para debilitar a los Honmoon.

Y arranca una batalla por la humanidad.

La película se inspira en el chamanismo, la tradición de contar con intermediarios para interactuar con el mundo espiritual, y ofrece impresionantes recreaciones del horizonte de Seúl.

Kang ha explicado que el proyecto llevó años de preparación.

“Esta idea tan disparatada de una película de K-pop podía representar tantos aspectos de mi cultura. En cuanto me di cuenta de eso, me lancé por todo para hacer la película más coreana que pudiera”, dijo al diario The New York Times en una entrevista publicada en enero.

“Primero escribí muchas cosas en coreano, en mi cabeza, y pensé: ¿cuál es la mejor manera de traducir esta emoción o este diálogo al inglés?”, agregó. El reparto principal está compuesto en su mayoría por actores coreanos.

“Golden”, su contagioso himno sobre el empoderamiento, la autosuficiencia y el crecimiento personal, se llevó además la estatuilla a la mejor canción original. “Esta canción no es sobre el éxito, sino sobre resiliencia”, dijo al recibir el galardón y llorando la coreanaestadounidense EJAE, una de sus intérpretes y compositoras. La creación de la melodía fue un proceso que duró años.

“Este concepto es tan descabellado que las canciones tenían que ser fantásticas para que fuera aceptado”, había resaltado Kang al The New York Times. “Golden”, que encabezó las listas de éxitos en más de dos docenas de países, es la pieza musical central de la película, con letras en inglés y coreano. Es el grito de guerra de Rumi, con el que revela al mundo que también es mediodemonio.

“He dejado de esconderme, ahora brillo como si hubiera nacido para ello”, dice la canción, escrita por un equipo en el que participa EJAE, quien le da voz a Rumi. “Vamos a subir, subir, subir, es nuestro momento / Sabes que juntos brillamos / Va a ser, va a ser dorado”, prosigue. La melodía también ganó un Globo de Oro y un premio de la Crítica a la mejor canción original en una película, así como un Grammy al mejor tema musical escrito para medios audiovisuales.

El Óscar a la mejor canción original supone una dulce venganza para EJAE, quien ha declarado en múltiples entrevistas que sus sueños de convertirse en estrella del K-pop se vieron frustrados tras una década de formación, cuando le dijeron que no daría la talla. “El rechazo te reorienta. Así que nunca te rindas. Nunca es demasiado tarde para brillar como si hubieras nacido para ello”, dijo la artista en enero al recoger su Globo de Oro, inspirada en sus propias letras.

Aficionados y medios de Corea del Sur celebraron el lunes el éxito de “Las guerreras K-pop”, luego de que la película ganara dos premios Óscar y cimentó el creciente panteón de logros culturales del país asiático. La cinta animada de fantasía, que presenta un enfrentamiento del bien contra el mal basada en mitología coreana y con una contagiosa banda sonora de K-pop, ganó el domingo los Premios de la Academia a mejor película animada y mejor canción original.

Antes del Óscar, ya se había convertido en la película original más vista en Netflix y acumuló galardones, incluyendo un Grammy por la canción “Golden”.

Surcoreanos exaltaron la más reciente de sus creaciones culturales en contagiar al mundo con el “K-síndrome”, como se conoce a la irresistible atracción de las películas, música, libros, moda y culinaria del país asiático.

“El llamado K-síndrome ahora llegó también al cine animado”, publicó un aficionado identificado en YouTube como Kim Chang-soo, haciendo eco del orgullo generalizado en otras plataformas.

Gran parte de la reacción local se centró en el emotivo discurso de aceptación de la codirectora coreana-canadiense, Maggie Kang, quien dedicó los premios a su país de origen.

“El Ministerio de Cultura al menos debería otorgarle una medalla por ese discurso”, escribió un internauta en un portal noticioso.

Un titular del diario Hankook Ilbo citó directamente una frase del discurso de Kang: “Esto es para Corea y los coreanos en todas partes”.

El canal noticioso YTN elogió el “sentido mensaje a Corea” del discurso de Kang.

El doble triunfo en los Óscar corona el éxito alcanzado por la obra desde su lanzamiento en junio en Netflix.

La plataforma de streaming ya anunció una secuela, aunque no ha dado a conocer una fecha de lanzamiento.

El Grammy obtenido por la canción “Golden” fue considerado un momento decisivo para el K-pop, al marcar la primera victoria del género en una entrega de premios que había eludido a la industria pese a su popularidad mundial.

Fuente: AFP.

Un rincón lúdico que simula olas, una mesa de animación para crear secuencias, decenas de bocetos originales: con su nueva exposición, inaugurada el sábado 14 de febrero, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas ofrece una inmersión total en el mundo de “Ponyo en el acantilado”, la obra maestra acuática de Hayao Miyazaki.

La institución angelina abrió sus puertas en 2021 con una retrospectiva dedicada al gran maestro de la animación japonesa. Tras esa exitosa primera exposición, su Studio Ghibli donó al museo estadounidense decenas de dibujos creados para la película animada. “Es un tesoro tan grande que tuvimos que compartirlo con nuestros visitantes”, declaró a la AFP Jessica Niebel, comisaria de la exposición, que permanecerá abierta durante casi un año.

El museo dedica poco más de 350 metros cuadrados a esta película, estrenada en 2008. Inspirada en “La Sirenita” de Hans Christian Andersen, Miyazaki cuenta la historia de un pez dorado con cara de niña, acogido por un niño de cinco años llamado Sosuke. A pesar de las reservas de su padre, el mago submarino Fujimoto, la pequeña Ponyo se enamora de su nuevo amigo y renuncia a sus poderes mágicos para convertirse en humana.

Dibujada íntegramente a mano, la película fue aclamada como una obra maestra visual, marcando el regreso de Miyazaki a la animación tradicional de sus primeros trabajos, tras incorporar imágenes generadas por computadora en “El viaje de Chihiro” y “El castillo ambulante”.

“Lo realmente especial de ‘Ponyo’ es que le dijo a su equipo desde el principio que todo en esta película tenía que estar en movimiento”, enfatiza Niebel, y recuerda cómo los equipos crearon un exuberante mundo acuático, con colores que cambiaban bajo el agua y olas que se movían de forma diferente según el clima.

Los entusiastas de la animación encontrarán bocetos de algunas de las secuencias clave de la película, dibujadas a lápiz, y proyecciones de sus momentos más majestuosos.

Pero esta exposición inmersiva está principalmente “diseñada para niños”, el público principal de “Ponyo”, según la comisaria. La entrada es gratuita para menores de 17 años.

Los más pequeños pueden descansar sobre protuberancias azules que imitan la curva de las olas, deslizar una figura de Ponyo por un muro oceánico o incluso esconderse en una réplica del cubo verde que Sosuke utiliza para atrapar peces dorados. Sus padres también pueden jugar con ellos gracias a las mesas de animación iluminadas donde pueden mover tiburones, medusas y cangrejos de colores, tomando fotos imagen por imagen para crear su propia secuencia animada.

Fuente: AFP.

A casi una década de su debut en el Festival de Cannes, por primera vez llega a cines de Latinoamérica este jueves 16 de octubre “La tortuga roja”, joya de la animación dirigida por Michaël Dudok de Wit y producida por el legendario Studio Ghibli, productora detrás de clásicos del animé como “La tumba de las luciérnagas” y la ganadora del Óscar “El niño y la garza”.

Esta delicada fábula sin diálogos coproducida por el estudio japonés y la compañía de ventas internacionales Wild Bunch tuvo su estreno mundial en el prestigioso certamen francés en mayo de 2016. Cuando apareció en pantalla el logo de Studio Ghibli, el público se sorprendió porque, a diferencia del clásico Totoro trazado en blanco estampado en fondo celeste, el fondo era rojo y la figura venía delineada en negro.

Ese rojo además de hacer referencia directa al título de la película marcaba la singularidad de “La tortuga roja” dentro de la historia de Ghibli: era la primera vez que el estudio producía una película con un director extranjero y no en Japón. La película haría historia en Cannes días más tarde llevándose el Premio del Jurado en la sección Una Cierta Mirada y meses más tarde siendo nominada al Óscar a Mejor Película Animada.

“La tortuga roja” narra la historia de un hombre que, tras ser arrastrado por una tormenta, despierta en una isla virgen y salvaje, rodeado de tortugas, cangrejos, aves y el inquebrantable silencio del mar. Acompañado solo de un frondoso bosque de bambú y fauna silvestre, intenta escapar construyendo balsas, pero una misteriosa fuerza que habita en las profundidades lo detiene cada vez. Representada por una majestuosa tortuga roja, este encuentro cambiará su destino para siempre.

La narrativa se desarrolla a través de imágenes poderosas, silencios elocuentes, y una partitura envolvente compuesta por Laurent Pérez del Mar, que guía cada emoción con sensibilidad y profundidad. Más que una película, “La tortuga roja” es un poema animado sobre los grandes ciclos de la existencia: la soledad, el amor, el arrepentimiento y la reconciliación. Es también un homenaje al equilibrio entre el ser humano y la naturaleza, y a la belleza espiritual que se encuentra en lo simple. “Michael ha conseguido describir la verdad de la vida, de forma sencilla pero profunda, y con verdadero corazón. Es un logro asombroso”, afirma el productor de la película y fundador de Studio Ghibli, Isao Takahata.

Aclamada de manera unánime por críticos y espectadores, esta pieza maestra de Studio Ghibli es una experiencia cinematográfica única, íntima y profundamente humana que invita a cada espectador a encontrar su propia interpretación. Considerada una de las obras más sensibles e innovadoras del cine animado contemporáneo, “La tortuga roja” llega para tocar el corazón, alimentar la imaginación y recordarnos que incluso en el silencio, la vida habla. Por primera vez en cines desde el 16 de octubre.

La aclamada película animada “Ángelo en el bosque mágico” (Angelo, dans la forêt mystérieuse) llega a cines locales en el mes de octubre, después de conquistar a la crítica, emocionar al público y brillar en los prestigiosos festivales de Cannes y Annecy. Esta coproducción franco-luxemburguesa dirigida por Alexis Ducord (Zombillénium) y Vincent Paronnaud se basa en la premiada novela gráfica homónima creada por este último, quien en 2007 también adaptó al cine el popular libro ilustrado “Persépolis” en tándem con su autora, la novelista francoiraní Marjane Satrapi.

La trama sigue a Ángelo, un niño de 10 años apasionado por las aventuras, que durante un viaje familiar queda olvidado en una gasolinera en plena carretera. Decidido a reencontrarse con sus padres que viajan a ver a su abuela enferma, Ángelo se adentra en un bosque mágico lleno de criaturas fantásticas que incluyen desde una nube temperamental hasta un gigantesco monstruo de pasto. En su camino deberá aliarse con algunas de éstas para enfrentar a Ultra, un villano que amenaza con secar los manantiales de la vida. Acción, humor y un despliegue visual único que oscila entre cuidados efectos tridimensionales y un tradicional 2D, “Ángelo en el bosque mágico” está pensada para disfrutarse en pantalla grande, por grandes y chicos.

La película ha sido aplaudida por su creatividad visual y capacidad de emocionar sin perder el humor. La crítica internacional ha destacado su “equilibrio entre fantasía y sentimientos genuinos” (Common Sense), mientras que en Letterboxd los espectadores celebran su energía, personajes entrañables y frescura narrativa. “No tenemos miedo de los clichés si sirven para la historia”, afirma Vincent Paronnaud, reflejando el espíritu libre con el que él y Ducord abordaron la producción.

La cartelera teatral se destacada esta semana con el estreno de la comedia “Las mal queridas”, escrita y dirigida por Hugo Luis Robles, que se presentará por tres fines de semana a partir de las 21:00 en Arlequín Teatro (Antequera casi Rca. de Colombia).

Se trata de nueva propuesta teatral que reúne a un elenco de primer nivel: Margarita Irún, Bibi Landó, Rossana Bellassai, Jazmín Romero y Lorena Azucas. Las entradas están a la venta a través de tuti.com.py.

La obra narra el reencuentro de un grupo de mujeres de una misma familia, convocadas por Marité, la tía que las crió. Entre confidencias, tensiones y complicidades, emergen situaciones cargadas de humor, picardía y sensibilidad, que abordan sin filtros la vida femenina actual y logran que el público se sienta reflejado en cada escena.

En el Otro Teatro (Tacuary 1046) se presentará hoy a las 20:30 y mañana a las 19:30 la obra “Dirty Boys”, propuesta dramática escrita y dirigida por Nicolás Sotomayor. Las entradas tienen un costo de G. 90.000.

La obra “El Hombre Bala” se despide este domingo con una función a las 20:30 en la Sala Teatro (España casi San José), propuesta dirigida por José Mora, inspirada en el libro de cuentos “Las bitácoras del Hombre Bala”, de JB Barboza. Las entradas tienen un costo de G. 75.000.

Por otra parte, en Espacio La Recova se presenta “Vivir al límite”, hoy a las 20:30 y mañana a 20:00, con actuación de Crhys Knapp, Teresa Barriocanal y Seba Díaz, con guion de Cyn Dávalos y la dirección de Ana Carolina Jara. Las entradas tienen un costo de G. 90.000.

Este miércoles 17 de setiembre se estrenará, en versión del Elenco Artístico Anástasi, el clásico de la zarzuela paraguaya “María Pacurí”, bajo la dirección de José Santiago Mazó Benítez, a partir de las 20:30, en el Teatro de las Américas del CCPA (José Berges entre EE. UU. y Brasil).

La puesta cuenta con música de Juan Carlos Moreno González y libreto de Manuel Frutos Pane. Creada en 1959, la trama presenta a Sofanor, un hacendado de dudosa moral, que vive en concubinato con la resignada Luisa, quien invita a vivir a su casa a la laboriosa y bella chiperita María Pacurí.

En medio de este mundillo rural, aparece en escena el joven Rubén, apuesto mozo de la ciudad que pretende olvidar antiguos amores con el renovado aire del campo.

Entre los artistas que dan vida a los principales personajes están Teresa Jiménez (María Pacurí), Gonzalo González (Rubén), Koki Delvalle (Sofanor), Fátima Báez (Luisa), Matías Miranda (Padre Juan) y gran elenco.

“María Pacurí” permanecerá en cartelera hasta el viernes 19 de setiembre. Las entradas están a la venta a G. 70.000, en modo anticipado, y a G. 100.000, el día de la función.