Bajo el nombre “El cuerpo habitado”, varias artistas enseñan sus creaciones de ornamentos diversos como collares, anillos y aros de cerámica y vidrio.

En la mañana de este domingo 24 quedará habilitada una nueva exposición en el Centro Cultu­ral del Lago de Areguá. En esta ocasión, el recinto pro­pone apreciar las creaciones de accesorios diversos de un grupo de artistas que se dedi­can al diseño y la confección de ornamentos como colla­res, anillos y aros de cerámica, vidrio y otros materiales. Se trata de piezas realizadas por Alejandra Corvalán, Fátima Acosta, Laura Giucich, Leila Buffa, María Paz González, Noelia But­tice y Satina Chamorro.

La muestra se deno­mina “El cuerpo habi­tado” y será inaugurada mañana, a las 11:00, a iniciativas de la directora del CCDL, la artista visual y promotora cultural Ysanne Gayet, quien men­ciona que esta propuesta se enmarca dentro del Mes de la Ceramista, “una fecha muy importante dentro del calen­dario de la Ciudad Creativa de Areguá, ciudad de la cerá­mica, donde alrededor de 400 familias se dedican a la alfarería”.

El texto curatorial de la exposición señala que “la necesidad de adornar el cuerpo es ances­tral, multicultural, tanto entre hombres como entre mujeres. Cada cultura tiene su estética y las estéticas definen sensibi­lidades, formas de ser y per­cibir el mundo”. Refiere que “adornar nuestros cuerpos podría ser una forma de adorar nuestro ser, de darle protec­ción, de estimular las miradas con el otro o la otra, ya que, así como se comunica con la pala­bra, nos comunicamos con la mirada, con los sonidos, con la postura, con el silencio”.

En el “Mes de la Ceramista”, fecha muy importante dentro del calendario de la Ciudad Creativa de Areguá, ciudad de la cerámica, donde alrededor de 400 familias se dedican a la alfarería, el CCDL presenta “El cuerpo habitado”, exposición de collares, anillos y aros de cerámica y vidrio, el domingo 24 de mayo, a las 11:00. Participan: Alejandra Corvalán, Fátima Acosta, Laura Giucich, Leila Buffa, María Paz González, Noelia Buttice, Satina Chamorro.

La necesidad de adornar el cuerpo es ancestral, multicultural, tanto entre hombres como entre mujeres. Cada cultura tiene su estética y las estéticas definen sensibilidades, formas de ser y percibir el mundo. Adornar nuestros cuerpos podría ser una forma de adorar nuestro ser, de darle protección, de estimular las miradas con el otro o la otra, ya que, así como se comunica con la palabra, nos comunicamos con la mirada, con los sonidos, con la postura, con el silencio.

Hacer pequeños objetos, con nuestras propias manos, inspirados en la naturaleza, en nuestros amores oscuros -oscuros porque provienen de las profundidades de nuestra alma- de conexiones tan racionales como irracionales.

Luego, transformarlos con el fuego en un acto alquímico que transmuta la intención de que sean más que ornamentos; que sean amuletos, talismanes, joyas, pensados para ofrendar al cuerpo, al nuestro o al del otro o al de la otra que sienta esa conexión al ponerse en contacto con el objeto y lo invite a habitarlo. Ofrendas que nos permiten disfrutar del rito de crear pequeños tesoros, tesoros que embellezcan nuestros cuerpos y, así, el mundo.

La exposición individual “Vigilia” del artista paraguayo Jorge Enciso (1972, Asunción) podrá visitarse en la prestigiosa Galería Leme de São Paulo (Brasil) hasta el 18 de diciembre. Esta presencia internacional con la curaduría de Tiago Sant’ana, artista visual y doctor en Cultura y Sociedad, significa una validación institucional y un enfoque profundo en su singular propuesta artística.

La llegada de Enciso al Brasil se produce inmediatamente después de su participación en la Ceramic Art Fair de París, presentado por la galería Tekoharte, en la emblemática Maison de l’Amérique Latine en París, donde su obra fue destacada por su capacidad de fusionar la herencia latinoamericana con una sensibilidad moderna y abstracta.

El título de la exposición, “Vigilia”, es una declaración de intenciones. Como adelanta el texto curatorial, el término es polisémico y profundo: alude al acto de velar, de permanecer despierto y atento, pero también a una organización colectiva en torno a la reflexión o la protesta. “La propuesta de Enciso, por tanto, trasciende la exhibición de objetos cerámicos; se erige como una toma de postura filosófica y política materializada en el barro, una invitación a mantenernos vigilantes ante los procesos de borrado cultural y las asimetrías históricas que aún resuenan en nuestro continente”, manifiesta el texto.

La tesis central del curador es contundente: “La vigilia de Enciso apunta para un estado de mantenerse despierto para los ejercicios de la memoria y, sobre todo, para los procesos culturales que promueven asimetrías y apagamientos culturales”. La exposición se posiciona así dentro de un llamado a la resistencia contra el olvido, apunta Sant’ana, quien actualmente es curador adjunto de la 14.ª Bienal del Mercosur.

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Desde la demandante profesión de abogado, incursiona en 2014 en la cerámica, transitando de formas más representativas hacia una abstracción cada vez más depurada y conceptual. En la búsqueda de una actividad para “moderar su agitado sistema de vida”, encontró en la arcilla un “método de conectar con el interior, tanto del país como del mío”, comentaba el artista.

Su primer contacto formal con el arte fue en la bioescuela El Cántaro, en Areguá. Fue allí donde conoció a la ceramista Julia Isidrez, un encuentro que redireccionó su producción hacia la cerámica. Ella le abrió las puertas de su propio hogar y taller en Itá donde continuó su formación. Un aprendizaje que se extendió a lo largo de años, donde pudo modelar a mano utilizando el método del “colombín”, una milenaria práctica pre-hispánica desde donde parte hacia su técnica insignia: el esgrafiado y las formas abstractas que prevalecen en su obra.

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Fundada en noviembre de 2004, la Galería Leme es el proyecto de su fundador y propietario, Eduardo Leme, quien decidió transformar su pasión por el arte en una plataforma profesional. En este tiempo, este espacio cultural se ha consolidado por su programa innovador, representando a artistas nacionales e internacionales de diversas generaciones y perspectivas.

Su misión se centra en promover la diversidad en el arte y fomentar un intenso intercambio cultural, siendo a menudo la plataforma para las primeras exposiciones individuales de artistas extranjeros en América Latina. En sus 600 metros cuadrados de espacios expositivos independientes, en un edificio construido enteramente en hormigón armado, el espacio se ha convertido en un ícono, donde la materialidad brutalista dialoga con las obras que alberga.

Es una obra del arquitecto brasileño Paulo Mendes da Rocha, ganador del Premio Pritzker, quien lo diseñó en colaboración con Metro Arquitetos. Además de referente arquitectónico, es una plataforma que valora la multiplicidad de lenguajes artísticos, desde la pintura y la escultura, a la instalación y el videoarte.

Sus obras sorprenden en forma y volumen, en color y textura, porque unen la antigua tradición ceramista indígena con la técnica europea, haciendo del mestizaje su núcleo esencial y expansivo. “El mundo necesita redescubrir la materia que conecta y que recuerda”, dice del barro, al que adjudica propiedades curativas. Expuso en París y, en estos días, muestra en la prestigiosa Galería Leme de São Paulo. Aquí una aproximación a sus motivaciones y búsquedas.

• Por Jorge Zárate
• jorge.zarate@nacionmedia.com
• Fotos: Gentileza

Alumno de Julia Isí­drez, cuenta: “En su taller entendí que la cerámica no es solo una téc­nica, sino es una manera de habitar el mundo”. Hon­rando esa máxima, el trabajo del ceramista Jorge Enciso (Asunción, 1972) no cesa de crecer en la apreciación de público, críticos especializa­dos, admiradores del arte en general.

“La referencia más impor­tante fue escuchar a mi propio ser, a mi espíritu, entenderme como alguien que proviene de una mezcla de ancestros euro­peos, indígenas y mestizos, de antecesores con cosmovisio­nes muy distintas y con apro­ximaciones a la espiritualidad muy distintas”, relata.

Describe luego: “Si habla­mos en términos de investi­gación, creo que la pregunta más importante sobre la que empecé y aún hoy con­tinúo considerando como el motor de mi trabajo artís­tico es ¿quién soy? ¿De dónde vengo?”, apunta.

En ese camino, agradece a Isí­drez: “Admiro profundamente la fuerza espiritual de Julia, una fuerza que sostiene su tra­bajo y que la sostiene hasta hoy en su caminar como artista”. También “a Ysanne Gayet, que me invitó a hacer mi primera exposición individual en el año 2018 en el Centro Cultural del Lago en Areguá, y a la galerista Verónica Torres, por mi pri­mera muestra individual en Asunción en 2019. Ambas le dieron mucha visibilidad a mi obra”.

Aquí su diálogo con El Gran Domingo de La Nación:

–Es un paso muy importante hacer una exposición indivi­dual y entrar en diálogo con el arte brasileño y contem­poráneo latinoamericano. Es un logro que agradezco a Edu Leme, quien me abrió las puertas de su prestigiosa gale­ría para presentar mis obras. También a nivel simbólico representa mucho para mí. Estoy trabajando en mis obras el tema del mestizaje, la identidad, la resistencia, el territo­rio desde hace un buen tiempo y quisiera destacar que dentro de ese marco, desde marzo de este año estoy en un grupo de estudio de fragmentos míticos de los mbyá-guaraní recopila­dos por León Cadogan. Enton­ces, tiene un significado tam­bién de reciprocidad hacia esa ciudad, casi como de ofrenda para que el público brasileño reciba un aspecto –desde la cerámica– de los cantos de barro y memoria a través de mis obras.

–Vigilia es un estado de espera y atención, pero también a veces es un umbral entre el sueño y la conciencia, algo que está difuso. Podría decirte que en la exposición las piezas son cuerpos en estado de vigi­lia espiritual, un intento de conservar nuestra memoria ancestral a través de la mate­ria misma que es la cerámica y de los temas que inspiran las esculturas. En otro sentido, asociando el término a mi pro­pio quehacer, el curador de la muestra, Tiago Sant’Ana, que también es artista visual y doc­tor en Cultura y Sociedad, dice en el texto que acompaña la muestra: “La vigilia de Enciso apunta a un estado de mante­nerse despierto ante los ejer­cicios de la memoria y, sobre todo, ante los procesos cultu­rales que generan asimetrías y borrados culturales”.

–La muestra de París fue una revelación, porque al tratarse de un espacio donde expo­nían otros ceramistas de todo el mundo y de todas las técni­cas posibles, en los momentos previos tenía una gran incerti­dumbre sobre la recepción de mi propuesta. Si bien mis obras ya se habían expuesto en París anteriormente de la mano de Tekoharte Patricia Foissac y Marie Pauline de Longuevi­lle, esta ha sido la primera vez que se exhibieron en el mismo espacio físico que otras obras cerámicas de otros artistas de todo el mundo, la mayoría con acabados esmaltados, siendo casi inevitable que el público haga comparaciones y sus pro­pias elecciones.

–Para mi sorpresa, la recep­ción fue muy buena y además había mucho interés en mis relatos y en las historias detrás de cada pieza. Puedo decir, a partir de esta feria, que el len­guaje de la cerámica es univer­sal. Las piezas que he presen­tado allí, si bien están cargadas de mi paisaje interior y de la tierra paraguaya, dialogaban naturalmente con públicos de otras culturas y cerámicas de los más diversos orígenes. La experiencia me reafirmó en la convicción de que el arte cerá­mico latinoamericano está vivo y presente y que posee una potencia simbólica que el mundo necesita redescubrir: la de la materia que conecta y que recuerda.

–Llegué a la cerámica en un punto de inflexión, de crisis personal. Estaba necesitando reconducirme y expresar lo que no podía en ese momento, tal vez inconscientemente tam­bién estaba buscando el silen­cio. En esa búsqueda de expre­sarme, me inicié en la cerámica artesanal en un taller en la Escuela El Cántaro de la ciu­dad de Areguá, donde conocí a la gran artista Julia Isídrez, que impartía el taller y desde ese momento –hace ya 11 años– no dejé de hacer cerámica.

–El aprendizaje con Julia fue mágico, fue como entrar en otra dimensión, literal­mente, porque significaba dejar Asunción y llegar los fines de semana a la com­pañía Ca’aguazumi de Itá y entrar en otro ritmo, más lento, en los primeros tiem­pos muy silencioso y delicado por los procesos personales que ambos estábamos atrave­sando. Creo que nos hicimos compañía en nuestros miste­rios y soledades.

–Con Julia aprendí no solo la técnica del barro, sino tam­bién desarrollé intensamente el proceso de crear, ya que en su taller –como ella misma lo decía un poco en broma y un poco en serio– estaba prohi­bido imitar las piezas que ella hacía, hecho que forzosamente me obligó a iniciar una bús­queda de mi propio lenguaje, mi propia voz en la cerámica. Esta técnica fue transmitida desde las mujeres guaraníes a sus hijas, que resistió hasta el presente, con algunas inter­venciones coloniales en la téc­nica y en las formas. Entonces, al trabajar en esa comunidad de ceramistas aprendí mucho, sobre todo lo que subyace a esa cultura del ñai’u (barro negro). Fue una especie de residencia artística intermitente que se extendió a lo largo de 4 años y medio.

–La cerámica paraguaya es hija del mestizaje. Como dije anteriormente, viene del gesto ancestral de las mujeres gua­raníes que modelaban el barro y del choque con las técnicas europeas que trajeron el torno, el esmalte, las nuevas formas. Esa tensión –entre lo ances­tral y lo colonial– sigue viva en nuestras manos. En mi obra intento visibilizar ese proceso, no recurro al esmalte, sino per­manezco en los engobes, y me interesa mostrar a la cerámica como una especie de archivo, agregando conceptos nuevos, pero ya a nivel de preguntas y exploraciones. Creo que hoy la cerámica paraguaya y latinoa­mericana está en un momento de redescubrimiento: vuelve a mirar sus raíces con mayor con­ciencia de su importancia como expresión identitaria de nues­tros pueblos latinoamericanos.

–Para mí el barro cura. No por­que sane un síntoma precisa­mente, sino porque restablece un vínculo: el del cuerpo con la tierra. En el taller, el tiempo se suspende; el gesto repetido del modelado y del esgrafiado se vuelve meditación. Hay algo que sucede que va más allá de lo comprensible, creo que se trabaja a nivel consciente e inconsciente… y me arriesga­ría a decir que sucede también algo a nivel espiritual.

Considero que sanar es resta­blecer un equilibrio. Desde ese punto de vista, el solo contacto con la arcilla, con la tierra ya nos devuelve la dimensión de lo humano, nos enseña a esperar, a tener paciencia y a ser humil­des, porque el propio material –por su simplicidad– lo es.

La crítica cuenta que en un principio Jorge Enciso abordó obras más zoomorfas para luego iniciar una etapa actual más abstracta. “También hacía representaciones de escenas de lo cotidiano, porque mi formación partía de ese mundo de figuras, llamado cerámica popular, donde esta temática era común. A lo largo de ese proceso fui conectándome cada vez más conmigo mismo, con la arcilla, con el fuego transformador, con las emocio­nes y vibraciones del entorno, y poco a poco fueron apareciendo obras más abstractas”, comenta.

“Esto generó por supuesto una enorme curiosidad y empecé a investigar sobre mi propio proceso y sobre conceptos del arte abstracto. Como referentes del arte ilus­trado occidental recuerdo que leí sobre los primeros artistas que trabajaron lo abs­tracto, Vasili Kandinsky; Piet Mondrian y Kazimir Malevich, pero también me topé con un nombre: Hilma af Klint, a quien la his­toria del arte había tratado con ingratitud, ya que había hecho obras abstractas mucho antes que los hombres que cité, sin que se le otorgara el lugar relevante que merece y me emocionó que ella vinculara su trabajo a una gran espiritualidad”.

A partir de allí entendió encontrar “una señal muy importante para mí, en el sentido de prestar atención a aquello que estaba negado, silenciado. En ese momento, me llevó a reflexionar en el concepto de nega­ción, primero en lo que estaba negado en mí mismo y luego la negación en mi entorno. Comprendí que el camino no era profundi­zar sobre lo que era evidente, lo ya escrito, sino prestar atención a lo que no se veía, no se leía, no se escuchaba”, apuntó.

Fue uniendo ese descubrimiento a la tradición que la aportaban “ya a nivel formal-técnico-es­tético las referencias locales de Julia Isídrez y Juana Marta Rodas (+), y de Josefina Plá (+), de origen español, que vivió prácticamente toda su vida en Paraguay, quien hizo unos trabajos muy interesantes con el esgrafiado, que es la técnica de acabado que utilizo”.