Marcello Barenghi (Milán, 1969) es un artista italiano que dibuja objetos cotidianos desde el hiperrealismo - corriente artística que se basa en la reproducción fiel, casi fotográfica, de la realidad -, y comparte su proceso en su canal de YouTube, donde tiene casi tres millones de suscriptores.
Lo han bautizado como “el artista hiperrealista de las cosas comunes en la era de YouTube”, descubrió su amor por el dibujo desde muy temprana edad. Criado en una casa llena de arte, Marcelo observaba cómo a su padre le encantaba dibujar, pintar, modelar con arcilla y construir modelos de aviones de combate que se colocaban en el techo y en la pared de su habitación.
Su primer dibujo lo hizo con 18 meses de vida, era un garabato que trazaba las líneas de un avión, al cual sus padres supieron guardarlo, ya que ese papel hoy explica el punto de partida de su interés por el plano tridimensional en una obra.
Un día, después de casi 20 años de formación en artes plásticas, Marcelo estaba viendo videos de dibujos en YouTube y decidió abrir su propio canal para compartir su arte con el mundo. La plataforma lo acercó a la gente, pero sus obras ya contenían en sí una intención democrática: pintar productos u objetos que nos acompañan a todos en la vida diaria.
Desde envoltorios de chocolates y envases de gaseosas hasta monedas o retratos de superhéroes de cómics, todo objeto, animal o cosa presente en la vida de todos es inspiración para Marcelo. “Cada objeto tiene su propia belleza, también una bolsa vacía de papas fritas. ¿Has visto lo hermoso que es el Ketchup que tienes en la nevera?”, escribe el artista en la biografía de su página web.
Su estilo está marcado por las luces y sombras y la utilización de materiales que le permiten resaltar el efecto real de sus obras, donde se incluyen los lápices de colores, la pintura acrílica y, por supuesto, el aerógrafo.
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Distinguen a Claudia Casarino por “La faena de habitar un contorno”
La Asociación Internacional de Críticos de Arte Capítulo Paraguay decidió otorgar el Premio AICA Paraguay 2024 a la exposición “La faena de habitar un contorno”, de la artista Claudia Casarino, realizada en el Centro Cultural de la Ciudad Carlos Colombino-Manzana de la Rivera, con curaduría de Adriana Almada. La ceremonia de premiación se llevará a cabo el jueves 22 de mayo a las 19:00 horas en la Manzana de la Rivera (Ayolas 129), con un conversatorio entre la artista, la curadora y el crítico de arte Albán Martínez Gueyraud.
Presentada en el marco de PintaSudASU 2024, la exposición reunió instalaciones y dibujos de Casarino, relacionados con una sostenida investigación de la artista en torno a la semántica del vestir. Instalaciones de gran formato exploraron usos, memorias y poéticas vinculadas con los modos en que bolsillos, mangas y botones se relacionan con historias de subordinación y resistencia de mujeres en contextos de cuidado, de portación de bienes o de significación de clase. Por su parte, los dibujos a carbonilla sobre tela de Casarino representan instancias de integración y desintegración, ocultamiento y revelación que participan del proceso del vestir; mientras que una instalación interactiva evoca anecdotarios macabros relacionados con el vestido y las mujeres.
Lia Colombino observa que en esta exposición “Casarino retoma sus preocupaciones referidas al lugar de las mujeres en la sociedad paraguaya y su historia”. Colombino subraya la cualidad de los materiales abordados de forma recurrente por la artista, tales como el tul: “La elocuencia de los materiales que utiliza siempre ha sido su sello y en esta muestra además se suman dispositivos de interacción que aportan movimiento a las obras”. La exposición se realizó en la Casa Castelvi de la Manzana de la Rivera, lo que implicó desafíos por tratarse de una edificación patrimonial y que, a su vez, supuso la oportunidad de resemantizar el espacio mediante las intervenciones instalativas de Casarino. “La puesta en el espacio hace dialogar las obras entre ellas, así como el propio espacio de la Manzana”, afirma Colombino.
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Por su parte, Damián Cabrera categoriza algunas de las principales preocupaciones que Claudia Casarino ha desarrollado en su obra. Según Cabrera, la artista aborda “memorias semánticas que operan desde el vestir y su naturaleza replicante en procesos transgeneracionales o la amplificación de la funcionalidad o la anulación de funciones en el vestido y las potencialidades enunciativas implicadas en dichos gestos”.
Asimismo, Cabrera reflexiona acerca de las operaciones poéticas que ejecuta la artista en sus distintas piezas: “a través de series de deformaciones funcionales, transgresiones en el uso de ciertos materiales o disposiciones espaciales inmersivas, interactivas y espectrales, Casarino compone series instalativas poéticas que justifican un espesor estético en el abordaje de realidades de una violencia obscena”, sostiene.
Acerca de la artista
Claudia Casarino nació en Asunción en 1974. Estudió en el Instituto Superior de Arte Dra. Olga Blinder de la Universidad Nacional de Asunción y cursó estudios en las ciudades de Nueva York y Londres. Casarino expone regularmente desde 1998. Ha participado de la Bienal del Mercosur, Bienal de la Habana, BienalSur, y en las bienales de Busán, Cuenca, Curitiba, Argelia y Venecia, así como las trienales de Santiago, Tijuana y Puerto Rico.
Ha participado de decenas de exposiciones en museos, galerías y centros culturales de Asunción, Santiago, San Pablo, Bogotá, Madrid, Barcelona, Milán, Amman, Shanghai, Washington y Londres. Sus obras se encuentran en colecciones públicas como las del Museo Victoria & Albert de Londres, Spencer Museum de Kansas, Casa de América y Museo Wilfredo Lam de La Habana, Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas de Gran Canaria, y el Museo del Barro y la Fundación Migliorisi de Asunción.
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Acerca de la curadora
Adriana Almada es crítica de arte, curadora y editora. Nacida en Salta, Argentina, reside desde hace décadas en Paraguay donde tiene una activa participación en la vida artística y cultural del país. Ha curado decenas de exposiciones a nivel nacional e internacional. Actualmente es directora de la sección de cultura del periódico El Nacional.
Premio AICA Paraguay
El Premio AICA Paraguay es un reconocimiento a una exposición de arte, otorgado desde 2015. Esta es la novena edición del premio. Anteriormente fueron premiados: Ruth Estigarribia por su intervención urbana “Teleprompter” (2015), Bernardo Kraniansky por sus exposiciones “Historias de corte y montaje” (CAV/Museo del Barro & Fundación Texo, 2016) y “50/75. Obra reciente y de archivo” (Fundación Migliorisi/Colecciones de Arte, 2016).
Así también, Sara Leoz por su exposición “Ahora!” (Galería Fábrica, 2017), Ricardo Migliorisi por su obra “El gran manto” (2018), Osvaldo Salerno por su exposición “Caja de Herramientas” (Galería Fábrica, 2019), la exposición “Feliciano”, con obra de Feliciano Centurión (Fundación Texo, 2020), la exposición colectiva “Colmar de Memoria el olvido” (Centro Cultural de España Juan de Salazar, 2021), la exposición “Ahora o nunca” de Bettina Brizuela (Fundación Texo, 2022), y la exposición “Cuadernos de campo” de Fidel Fernández (Galería Arte Actual, 2023).
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Artística presenta “Metanoia” en la Noche de Galerías
La galería Artística (Denis Roa 1034 casi Sucre) presenta “Metanoia”, una exposición de obras recientes de Anna Scavone, desde el sábado 31 de mayo, en el marco del circuito Noche de Galerías, organizado por Asociación de Galerías de Arte del Paraguay (Asgapa). La apertura será de 17:00 a 22:00, como parte del recorrido oficial, que contará con guías especializados y monitores para acompañar a los visitantes por las distintas salas participantes.
Inspirada en el concepto de metanoia, entendido desde Carl Jung y Sigmund Freud como un proceso de transformación profunda, Scavone despliega una serie de pinturas y objetos fruto de tres años de trabajo. A través de autorretratos y escenarios simbólicos, su avatar artístico encarna sensaciones de sinergia, conexión con la naturaleza y apertura hacia lo inconsciente.
“La propuesta surge de un viaje personal de cambio y autodescubrimiento”, señala la artista. Su obra, influenciada por el psicoanálisis, explora la relación entre mente, cuerpo y espíritu, y nos invita a reflexionar sobre lo que permanece oculto en nosotros mismos. El texto curatorial estará a cargo de Fernando Colman, quien desarrollará el concepto de metanoia como eje interpretativo de la muestra. La propuesta expográfica será realizada por Osvaldo Salerno.
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Según el texto curatorial: “Su figura, a veces etérea, parece desprenderse de sí misma, como si el propio avatar artístico buscará transformarse en una nueva forma de ser, pensar y habitar la existencia. En este sentido, el arte se presenta como un medio de autocuración, donde —como señala Freud (1900)— el trabajo del sueño permite procesar deseos y contenidos inconscientes”.
La exposición permanecerá abierta hasta el 8 de julio, y podrá visitarse en el horario habitual de la galería: lunes a viernes de 9:00 a 19:00, y sábados de 9:00 a 12:30. Para más información, contactar al 0982 955 671, y seguir en Instagram a @artisticagaleriadearte y @asgapapy.
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Gustavo Rodríguez celebra las postales del Paraguay
El artista de origen chileno presenta una colección que rinde homenaje al país.
- Fotos Cristóbal Núñez
“Este proyecto ‘Postales de mi querido Paraguay’ nace ya hace algunos años, y el mismo sigue en perspectiva, la idea es dar inicialmente a un cambio de identidad visual a la imagen turística del Paraguay. Esta es la prima idea y el génesis de todo, claro que, finalmente esta exposición se transforma en un modesto homenaje a mi residencia en el Paraguay, y aunque finalice el proyecto siempre estará enmarcado dentro de ese agradecimiento y homenaje al Paraguay”, comenta Gustavo Rodríguez Jara, artista visual que tiene abierta su muestra “Postales de mi querido Paraguay”, en la sala “Jacinto Rivero” del Centro Paraguayo Japonés.
Nacido en 1961, Gustavo arribó al país en 1978, donde desarrolló su actividad profesional y artística hasta el presente. “Soy un migrante sí, un migrante muy agradecido de la vida y de este hermoso país, al cual amo y que algunos se empeñan en destrozarlo todos los días”, comenta.
“PARTE DE MI SER”
Esta muestra presenta al público casi en su totalidad de las obras embarcadas en su proyecto pictórico, ya que anteriormente las había presentado parcialmente en otros espacios. “Estos paisajes pintados, ya sean urbanos o rurales, ya son parte de mi ser, y aunque algunas personas te sigan viendo como un eterno extranjero, mi arraigo es mucho más importante que eso…, mi amor por este país sigue siendo incondicional”, dice.
“Así es que este es mi pequeño homenaje a un hermoso país de gente sencilla, amable y cordial que me brindó cariño a manos llenas”, agrega. La muestra presenta dibujos de imágenes cotidianas del Paraguay, realizados en acrílico sobre lienzo, con estilo constructivismo y “Naif”.
ALMA CREATIVA
Gustavo desarrolla sus actividades laborales en el contexto de lo visual y la creatividad, habiendo ejercido laburos como redactor publicitario, diseñador gráfico, y formador. “Sobre este aspecto ‘Naif’ es más bien una combinación de geometría e imágenes simples, diseñadas para una fácil comprensión del espectador”, explica. “No tiene ningún tipo de pretensiones formales o académicas, La geometría es un estilo que es parte de mí y siempre fue mi modo de expresión artística desde que me inicié en el mundo del arte”, añade.
Rodríguez realizó estudios en el Centro de Estudios Brasileros, en los Talleres de Diseño, Grabado, Pintura e Historia del Arte, con el profesor Livio Abramo y fue su asistente de cátedra por más de dos años. La exposición estará en permanencia hasta el sábado 31 de mayo y puede ser visitada de lunes a viernes, de 8:00 a 20:00.
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Cinco exposiciones de arte para visitar en mayo
BGN/Arte presenta la exposición “Mi bosque” de Víctor Beckelmann, artista que experimenta hace varios años soportes textiles y nuevas tecnologías para conjugar arquitectura-naturaleza-tecnología. La apertura se celebró el pasado 30 de abril en el espacio de arte ubicado en Augusto Roa Bastos casi avenida España, en la Galería La Peregrina, en el barrio Villa Morra de Asunción.
El artista ofrece un inventario de imágenes de dos ciudades, Altos y San Bernardino, lugares afectivos para él. La serie de fotografías digitales manipuladas con herramientas de IA recrea mediante fractales espacios arquitectónicos de valor patrimonial, personas queridas como “Las Chiperas” y naturaleza de la zona; árboles nativos, flores y lago. Algunas de las piezas están impresas en la tela conocida como ao po´i, textil tradicional paraguayo y otras en papel de algodón.
En palabras de la artista curadora Silvana Domínguez: “Beckelmann nos ofrece mediante la reiteración de imágenes una suerte de rito, lo sagrado que se repite, presente en los patrones geométricos que se asemejan a los bordados del ao po´i, esa codificación y práctica matrística que nombra a la naturaleza: punto ysyry, jazmín poty, margarita poty, entre otros. Se alteran las escalas, los paisajes, los sentidos, fragmentos mezclados que forman nuevas topias, tapices voladores de relatos de ficción”.
Víctor Beckelmann (Asunción, 1972) es abogado y artista visual. Realizó estudios del curso taller de línea y color, en el Centro de Estudios Brasileños, con Luis Alberto Boh; Curso de Historia del Arte con Miguel Ángel Fernández y Javier Rodríguez Alcalá; fotografía con Mario Franco. Su obra forma parte de varias colecciones privadas y públicas como la de los Duques Wurttemberg en Alemania y la de Mafre del Perú.
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La guarania y Flores
El 2 de mayo fue habilitada la muestra fotográfica “José Asunción Flores, creador de la guarania” en el espacio La Galería de la Manzana de la Rivera (Ayolas 129), que consta de 25 fotos que reflejan su familia, el ingreso a la Banda de Policía, amistad con Manuel Ortiz Guerrero, vida en Buenos Aires, partituras de sus obras, así como tapas de sus discos. Y su viaje a Europa para grabar sus obras sinfónicas en Moscú con gran orquesta y coro.
Esta exposición se realiza en el marco del centenario de la ejecución de la primera guarania, “Jejui”, en 1925. La curaduría de la misma está a cargo de Antonio V. Pecci, periodista e investigador. La misma permanecerá abierta hasta el 30 de mayo. Los horarios para visitar la exposición serán de lunes a viernes de 8:30 a 20:00, sábados de 8:00 a 18:00 y domingos de 8:00 a 17:00, con acceso libre y gratuito.
Ensayo fotográfico “Piso-Pozzi”
En el Espacio Samudio de la Manzana de la Rivera (Ayolas 129) se habilitó la exposición “Piso-Pozzi”, que presenta el primer ensayo fotográfico individual de la artista visual multidisciplinaria Tamy Rai. La muestra ofrece una mirada profunda y artística sobre la historia y el legado de la Baldosería Pozzi, la primera fábrica paraguaya de baldosas calcáreas dibujadas artesanalmente.
Tamy Rai, nacida en Asunción, es una artista que combina diversas disciplinas para transmitir ideas y pensamientos a través de un lenguaje visual enriquecido. Fotógrafa, docente y carpintera, Rai busca complementar y reforzar sus mensajes mediante un enfoque que refleja su versatilidad y sensibilidad artística.
La exposición invita a los asistentes a explorar la historia de las baldosas que, desde principios del siglo XX, cautivaron a la sociedad asuncena por sus motivos, moldes y colores. Estas piezas artísticas adornaron espacios públicos, hogares y patios de las familias más acomodadas de la época, dejando una huella imborrable en la arquitectura y el patrimonio artístico de la ciudad. Actualmente, la fábrica está a cargo de los descendientes de la cuarta generación del reconocido artista y empresario de la construcción, Carlos Pozzi, quienes continúan con la tradición en el ramo de los mosaicos.
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Obras de Marta Rocío Benítez
La exposición “Génesis” de Marta Rocío Benítez fue inaugurada en la Casa Castelví de la Manzana de la Rivera (Ayolas 129), con obras recientes hechas sobre papel, acrílico y seda. La curaduría es de María Eugenia Ruiz. Las obras estarán expuestas en el Espacio Domingo Martínez de Irala.
En palabras de la curadora, “para esta muestra, la autora desarrolló todo su potencial pictórico estableciendo el vínculo conceptual de su pintura con el origen de las cosas creadas, el “génesis”. La libertad de sus pinceladas hace que estas obras tengan al propio color como protagonista en cada campo visual. La energía cromática del “Génesis” es transmitida a los que observamos estas obras, y podemos concluir con la artista que el origen de las cosas puede admirarse a partir de una buena creación artística”, expresa el texto de Ruiz.
Marta Rocío Benítez Núñez es diseñadora y docente de diseño y arte. Realizó cursos con Livio Abramo, Osvaldo Camperchioli, y de grabado en madera con Edith Jiménez y Carlo Spatuzza. Realizó su primera muestra individual en Lisboa (Portugal) y Bruselas (Bélgica) en 2014. Luego, en el mismo año, expuso en el Citibank y en el hotel Villa Morra Suite. Tuvo una cuarta muestra individual en la Alianza Francesa en diciembre de 2018, llamada “Diálogos en la Montaña” en homenaje a las víctimas de la dictadura stronista. Desde ese año ha hecho talleres con Fernando Amengual. Está asociada a la Asociación para las Artes Visuales en el Paraguay/Gente de Arte.
Artista muy vital y versátil, Marta Rocío hizo cursos de grabado en metal y también de fotografía con Pedro Caballero Galopo, de papel reciclado con Gustavo Benítez Galeano, de batik y diseño de páginas web en Roma. Cursó el primer semestre de la carrera de Educación Artística en Brasil.
El arte como herramienta sostenedora de la vida. “Con esta muestra quise expresar la alegría en un grito sensible de libertad. Expresar mi alma sin palabras, llena de dramatismo y color. Transformar la pérdida o mis logros en una expresión plástica. Pude suavizar los momentos duros a través del color y el pincel, el agua y la tinta, el papel y la tela” señala la artista.
“Estoy en una etapa madura de la vida, donde ya gané y ya perdí. Y dónde puedo mirar hacia atrás y ver mi caminar, mostrando todo lo vivido, cuáles son mis temas recurrentes a lo largo de mi carrera y con cual técnica me siento más cómoda”, explica. La artista ya ha hecho varias muestras individuales y en esta muestra, “Génesis”, reúne a varias facetas: una de sedas del 2014, otra de acrílicos hongos del 2020, otras obras recientes en papel, muchas de ellas abstractas, inspiradas en su búsqueda interior.
Gisel (Alemania) y Javi Art La (Argentina)
Viedma Arte habilitó una exposición internacional, el pasado 3 de mayo, presentando las obras de los artistas Gisel (Alemania) y Javi Art La (Argentina); que permanecerá abierta al público durante dos semanas, con entrada libre y gratuita en Denis Roa 768, entre Presidente Juan Manuel Frutos y General Carlos Díaz León, en Asunción. Los horarios son de lunes a viernes de 8:00 a 18:00, y sábados de 8:00 a 16:00.
Nacida en Dresde, Gisel se formó en la prestigiosa Academia Estatal de Bellas Artes de Stuttgart bajo la tutela de los maestros Hundhausen y Gottfried von Stockhausen, Gisel se especializa en arte aplicado y arte en la arquitectura. Con más de 80 exposiciones individuales y colectivas en Alemania, Nueva York y Roma, su obra forma parte de colecciones públicas y privadas. Miembro de la Asociación de Arte Syriln y la International Asociación de Arte de Württemberg, presenta en esta ocasión su serie “¿Quién pudiera vivir sin el consuelo de los árboles?”, una propuesta de abstracto representativo que invita a la reflexión.
Por su parte, Javi Art La (Argentina-Paraguay) es un artista emergente con una trayectoria en crecimiento, inició su carrera en el taller de Francisco Zucci (Luján, Argentina) hace una década. Dos de sus obras han sido seleccionadas en el concurso de pintura “Enrique de Larrañaga, San Andrés de Giles, Argentina. Ha expuesto por dos oportunidades en la exposición del Concurso de Pintura en San Andrés de Giles (2016 y 2017), en Espacio Puán (Buenos Aires, 2024) y AMBA Café (Areguá, 2023), y este año debuta en Viedma Galería de Arte (Asunción). Su serie “Mercados del mundo”, inspirada en el post-impresionismo latinoamericano, captura la esencia de los espacios de encuentro con la obra “Mercados, donde los caminos se encuentran”.