La banda de rock Salaman­dra recuerda hoy con un gran concierto en Voüdevil Venue (Mcal. Estigarribia casi EE. UU.) el décimo aniversario del lanzamiento de su álbum “Alma en peña”, un material que marcó un hito para ellos y para el rock hecho en Para­guay. Las entradas para esta celebración están disponi­bles en www.tuti.com.py.

La banda se reencuentra con su público, a una década del lanzamiento del material que tuvo como primer corte a la canción “Solito”, que batió todos los récords en las radios nacionales. La pieza se convirtió en un himno juvenil llevando a la banda a sobrepa­sar las fronteras estilísticas del rock, transformándose en un fenómeno popular.

El material discográfico fue producido artísticamente por Willy Chávez y Javier Zacher; grabado por Rodolfo Brugada en los estudios Romaphonic, Buenos Aires, Argentina, en el año 2015 y masterizado por Rolando Obregón en Romaphonic. El CD fue oficialmente lanzado el 4 de setiembre del 2015 con un gran concierto en el club 24 de Mayo de la ciudad de Ypacaraí, con un lleno total.

Diego Serafini habló con La Nación del Finde respecto de la banda, la fórmula creativa para el flamante disco y del sello sonoro del proyecto que lidera.

• Por Jimmi Peralta
• Fotos: Gentileza

La agrupación para­guaya de rock Gaia presentó hace algu­nas semanas su más reciente material fonográfico. Se trata de “Dopamina”, el sép­timo álbum del proyecto que cuenta con nueve can­ciones, entre las que se des­tacan los cortes de promo­ción “Ella baila”, “El salto”, “Dopamina” y “Ella es”. El material, producido por Diego Serafini en su estudio Supernova, explora la sono­ridad orgánica en la sinergia de la interpretación, al ser registrado el core del disco de manera simultánea.

Con 25 años de trayectoria, la banda apuesta en su desa­rrollo a través del compro­miso que le pone a su propia propuesta, su sonido y temá­tica. “Dopamina” es un disco en donde el ritmo ocupa un papel importante y es pro­ducto del trabajo de la banda y la participación de amigos músicos como Paolo Serafini, Sebastián Elizeche y Abril Casco.

La formación está com­puesta actualmente por Tito Bustamante (batería), Javier Ramos (guitarra y voz), Fernando Samaniego (guitarra), Jorge Chamorro (bajo) y Diego Serafini (gui­tarra y voz), quien habló con La Nación del Finde sobre el proyecto y el flamante disco.

–Cuando empezamos, yo creo que todos estábamos más que nada buscando una forma de sacar la música que nos salía en ese entonces, con todo el ímpetu de la juventud y, sobre todo, sin dudar de que en este país era posible lograr algo como artistas. Hoy en día, con Gaia siento que “no tenemos nada que probarle a nadie” y por lo tanto el arte que hace­mos es mucho más “despreo­cupado”, por decir de alguna forma. Lo que sí buscamos es dejar una huella en la historia de la música en nuestro país.

–Voy a ir de adelante para atrás… El primero sería, jus­tamente, la salida de nues­tro séptimo álbum, “Dopa­mina”, que nos permitió hacer una suerte de renova­ción de compromisos con la banda y darnos cuenta de que aún sigue valiendo la pena hacer música como Gaia. El segundo momento podría ser el video de nues­tra canción “Adicto” que, a pesar de salir casi 3 años des­pués del álbum que incluía ese tema, nos catapultó de una manera que no esperá­bamos en ese momento. El tercero debe ser indefectible­mente haber abierto el Pilsen Rock 3, un show que fue his­tórico y que también nos hizo ver cómo estábamos como banda para el público… toda esa gente coreando nuestras canciones. En esa época, no teníamos forma de medir el impacto real de lo que está­bamos haciendo…

–Además de los integrantes, que a esta altura ya fueron bastantes los que fueron rotando, una de las cosas que cambió hace un tiempo fue la dinámica del trabajo de la banda, y no precisa­mente el musical, sino el “administrativo”, ya que llega un momento en que es muy difícil que todo eso recaiga en una o dos perso­nas. Entonces, eso le da a la banda más responsabilidad compartida y mejor enten­dimiento de cómo funcio­nan ciertas cosas. También la visión en cuanto a “cuál va a ser la música que vamos a hacer en el siguiente mate­rial” va cambiando cons­tantemente, porque eso hace eliminar la monoto­nía y nos hace desafiarnos a nosotros mismos para no repetirnos.

–Este álbum empezó a ges­tarse en la pandemia, pero en ese entonces tuvimos el último cambio de inte­grantes que sufrimos, y eso paró todo. Veníamos arras­trando ese trabajo. Men­ciono esto porque fue el disparador en cierta forma de que sacar el álbum sea una necesidad imperiosa que teníamos que concre­tar inmediatamente. Eso le dio inmediatez, crudeza y espontaneidad. También por eso en un momento decidimos hacerlo todo nosotros, sin depender de nadie, además de grabarlo en vivo. Es decir, toda la parte instrumental se hizo con los 4 instrumentos tocando al mismo tiempo en el estudio, incluso hay errores que quedaron en las tomas elegidas.

En cuanto al título del álbum, fue la última canción a la que le pusimos letra, y ahí hizo “click”, porque es un concepto muy de lo que estamos pasando hoy en día como seres humanos… todo inmediato, y luego a lo siguiente, sin disfrutar del presente, todo muy ver­tiginoso, como una droga.

–La crítica social siempre es algo que nos inspira, tal vez no escribiendo literal­mente, pero sí desde una posición de expresar lo que sentimos respecto a las pro­blemáticas que nos rodean hoy en día, sean relaciona­das con experiencias más personales, o hechos que vivimos no tan de cerca, pero que son realidades de las que nos pareció perti­nente hablar en las cancio­nes.

–Como punto de partida, siempre trato de no repe­tir nada. Y si lo hago, es involuntario, porque me parece mucho más intere­sante que siempre tenga­mos un “lienzo en blanco” para ponerle colores nuevos o, al menos, nuevas combi­naciones de esos colores. Tal vez lo que sí hago es que trato de encontrar nuevas maneras de usarlos, sin que parezcan gastados o repeti­dos. Es algo que detecto en mucha de la música de hoy… la mayoría es poco original o repetida…

–Es difícil no ver esos números, pero tampoco es una obsesión o una regla. Ya estamos en un momento de nuestra carrera donde hacemos la música que nos sale, que nos gusta, lo mejor posible y con todas las ganas. Como había men­cionado, a esta altura no necesitamos probar nada, se trata solo de expresar­nos como músicos… y creo que cuando lo encarás así, el resto viene solo, tarde o temprano.

–En un principio íbamos a trabajar con un par de productores locales, pero después eso frenó un poco el avance, entonces pro­puse aprovechar nuestros propios recursos, y ver si la banda estaba cómoda con la idea de que yo produzca este álbum, ya que tenía un concepto de sonido muy claro desde que las canciones comenzaron a aparecer en los ensayos. Todos estuvieron de acuerdo y logra­mos concretar algo que nos gusta mucho.

–En todo momento y, como en todos los materiales anteriores, salvo una o dos excepcio­nes, siempre busco la colaboración en la composición con los demás integran­tes… “Dopamina” no es excepción. Hay por lo menos una o dos can­ciones que tuvieron su puntapié inicial en uno de los cinco integrantes que después fui­mos trabajando para darle forma entre todos y llevarlas hacia un concepto unificado.

–Lo rítmico, para mí, siempre tiene un peso gigante en las producciones en las que participo, ya que es lo que marca el pulso o el “groove” de una canción, sea desde el instrumento que sea. Es lo que te hace mover la cabeza, o los pies, o el trasero… dependiendo de cómo esté conceptualizado. Y en el caso de las guitarras, efectivamente, este álbum es más “marcado” rít­micamente que los anteriores. El sello de las armonías que van y vienen es como el ADN de Gaia, es lo que nos permitió conseguir un sonido bastante reconocible y es algo que no hacemos conscien­temente, pero que siempre aparece en alguna forma en las canciones, es decir, se da naturalmente, no es algo estudiado.

La agrupación paraguaya Gaia realizó, en agosto pasado, el lanzamiento del disco “Dopamina”, el séptimo álbum de estudio de su carrera, con el estreno de los videoclips de los temas “Dopamina” y “Ella es”, este último con la colaboración de Pomberland. Ambos audiovisuales fueron realizados por Clari Lezcano.

El álbum fue producido, mezclado y masterizado por Diego Serafini en Supernova Estudios, donde también se registraron las bases en vivo. Los overdubs estuvieron a cargo de Serafini junto con Fernando Florenciano y Sebastián Elizeche. Hoy en día, la banda está integrada por Diego Serafini (guitarra y voz), Tito Bustamante (batería), Javier Ramos (guitarra y voz), Fernando Samaniego (guitarra) y Jorge Chamorro (bajo).

Contará además con músicos invitados como Fernando Florenciano (Pomberland) en la voz de “Ella es” y coros en “El Efecto”, “Dopamina”, “Aprendí a Caminar”, “Ella es” y “En Mis Zapatos”. También participan Paolo Serafini en los teclados de “El Salto”, Sebastián Elizeche de Ciudad Mansa en los coros de “El Efecto”, “Aprendí a Caminar”, “Ella es” y “En Mis Zapatos” y Abril Casco de Ciudad Mansa en los coros de “Ella es”.

Con más de 25 años de trayectoria, Gaia se consolidó como una de las bandas más representativas del rock alternativo paraguayo. En 2024 celebraron los 20 años de su disco icónico Aves y Peces con la remasterización completa del álbum y una regrabación del clásico “Murallas”, junto a Walter Cabrera (Flou), además de un show aniversario. A lo largo de su carrera, han compartido escenarios con artistas internacionales como Evanescence, Rata Blanca, Eruca Sativa y No Te Va Gustar, manteniendo intacta la esencia que los convirtió en referentes de la música nacional.

Pablo Ritter, voz de la banda, habló sobre la agrupación, el flamante material y la colaboración con Emiliano Brancciari, de NTVG.

• Por Jimmi M. Peralta
• Fotos: Gentileza

La agrupación para­guaya Funk’chula presentó su segundo material discográfico. Se trata de “Terminal Funk’chula”, que sucede a su material debut de hace un par de años: “Funk’chula Airlines”. Manteniendo su eje en el funk, la banda se nutre de otros horizontes sonoros como el soul, el reggae y el pop para desarrollar el presente trabajo.

El disco cuenta con 9 can­ciones más un bonus track. En el mismo se encontrarán varias colaboraciones, como el track “Mirarte” Ft. Emi­liano Brancciari de la agru­pación Uruguay (NTVG) y la canción “Matarnos a besos” Ft. Kchiporros. El nuevo álbum fue grabado en los estudios Billow Ma, The Bnkr Media, Ciudad Nueva y Ele­fante Blanco.

Lo que respecta al mix y mas­ter estuvo en manos de Luigi Manzoni y es publicado por el sello 4k Music. La banda se encuentra conformada por Pablo Ritter en la voz, Juan D. Navarro en la batería, David Correa en bajo y voz y Luigi Manzoni en guitarra y voz. Pablo habló con La Nación del Finde sobre este nuevo mate­rial y el presente del proyecto.

–El álbum nuevo se llama “Terminal Funk’chula” y consideramos que todas las canciones son como lugares, son destinos, son momen­tos. Entonces, cada canción tiene como que una situación geográfica, jugamos mucho con eso, ya que venimos via­jando mucho. “Terminal Fank’chula” es el conjunto de destinos de toda esa gira ahora.

–Lo nuevo que tiene “Termi­nal Fank’chula” con respecto al disco anterior son las letras ya un poco más maduras, algunas un poco más litera­les, hay letras que duelen, hay novelas, hay un poco de todo.

–La producción musical tam­bién es una producción musi­cal más madura. La mayoría de los temas fueron produ­cidos por Luigi Manzoni y también tiene un condimento especial. Es que tres cancio­nes estuvieron producidas por Kamba, que es nuestra nueva arma letal. Él es Eli­gio José Giménez, con quien desde hace un tiempo veni­mos trabajando en cancio­nes anteriores. Ahora ya formó parte de este disco en tres canciones. Así es que ese es un condimento también especial. La posproducción estuvo a cargo de Luigi Man­zoni, el máster de las 10 can­ciones.

–La colaboración con Emi­liano Branciari de NoTeVaA­Gustar se dio de una manera muy espontánea y natural. Nos cruzamos casi por casualidad en nuestra segunda gira por Buenos Aires, en nues­tro segundo show. Noso­tros tocábamos en un bar en Palermo y ellos se fueron a ese mismo bar. Ahí coincidimos, ellos escucharon la prueba de sonido, se quedaron hasta el show, escucharon el show, les gustó, se acercaron muy humildemente a nosotros a decirnos felicitaciones por el show y ahí nos contaron que dos semanas después ellos venían acá a Paraguay.

Eso fue en el 2022, en su gira a “Luz”. Entonces, gracias a esa conexión ellos nos pidie­ron para tocar antes acá en el SND Arena. Cuando com­pusimos “Mirarte” y le pedi­mos a Emiliano muy humil­demente si es que podría unir su arte con lo que hacemos, entonces nos dijo que sí, le gustó la canción.

–La labor compositiva del disco se desarrolló también de una manera espontánea, casi como la del primer disco. Nosotros componemos entre todos la música; las letras las suelo hacer, la mayoría, yo. La compusimos a cada ciudad, a cada país a donde nos vamos, nos suele inspirar eso ahora. O sea, la cultura de otros barrios, de otros lados. Salir a comer, salir a bailar, salir a conocer. Por suerte nos está tocando esa parte linda ahora de la música, ahora después de tanta batalla estamos via­jando mucho. Entonces, eso es lo que nos inspira.

–Nosotros siempre, también desde el día uno, desde que existió Funk’chula, siempre fuimos muy colaborativos con todos. No solo le invita­mos a cantantes, sino que a varios músicos. Entonces, es como que una familia, la banda ya es una familia y una ensalada hasta de estilos, por­que no solo es funk, ya abarca varias cosas gracias a esa cola­boración.

–La banda nace en realidad de otra banda y nace como trío. Nosotros primero empezamos como trío, ahora somos un cuar­teto. Uru (Diego Correa), Juanda y yo tocamos en otra banda que se llamaba La Ciega Roots, hacíamos reggae. Entonces, con la idea de hacer canciones nue­vas y canciones nuestras, sale la idea de Fank’chula. Yo ya tenía el nombre también y unas cuantas canciones, unas cuantas melo­días. Entonces, nos reunimos con Yondi y con Uru a formar esta bola de fuego que hoy es Funk’chula.

–Por suerte somos muy varia­dos cada uno de los miem­bros de la banda y gracias a eso también somos y tene­mos este sonido caracterís­tico. Yo soy muy rock nacio­nalero, Juanda tiene gustos de California, Uru es más Jamaica y más de lo actual, Luigi es más pop y la mezcla hace que Fank’chula sea lo que es ahora. Yo creo que influencias direc­tas es todo lo que sea el funk latino, Illya Kuryaki, Amigos Invisibles, Los Tetas de Chile. Esas son las influencias directas ahora. Influencias generales hay muchas, pero podrías decir Daft Punk, Funkadelic, Parliament, Bruno Mars, que ya es mucho más pop, etc.

–Después del ReciclArte, ahora estamos muy ansiosos de pre­sentar el disco en febrero en el Cosquín Rock. Hay ganas tam­bién de presentarlo afuera, ya estamos en tratativas en Uruguay y de poder volver el próximo año a España, donde también hace dos años hicimos una gira muy fructífera por cua­tro ciudades. Estuvimos por Bil­bao, Málaga, Madrid y Barce­lona, dimos 12 shows allá. En Uruguay también estuvimos en cuatro ciudades: Montevideo, en Cabo Polonio, en Punta del Este y en José Ignacio. Entonces, la idea es volver también a Bue­nos Aires. La idea es expandir.