La Galería Exaedro abre sus puertas a partir del jueves 24 de septiembre a las 19:00 para presentar “Optical Abstraacción”, la más reciente producción del artista visual Diego Schäfer. La exposición, que contará con acceso libre y gratuito en el local ubicado sobre Acá Caraya 595 esquina Prof. Moreno, en Asunción, invita al público a explorar el lenguaje del arte óptico a través de una cuidada selección de pinturas acrílicas. Con el texto curatorial del crítico Carlos Sosa Rabito, la muestra propone un recorrido estético que interpela la percepción del espectador en el contexto del arte contemporáneo.

La propuesta cobra fuerza al apoyarse en la rica tradición del arte óptico y cinético latinoamericano de mediados del siglo XX. Al respecto, el curador Sosa Rabito explica que en las décadas de 1950 y 1960 la producción visual buscaba “efectos ópticos como alternativa a la representación de lo real natural y cultural”, convirtiendo al ojo en el protagonista central de la forma artística. Esta búsqueda dialoga directamente con la obra de grandes referentes regionales como los venezolanos Jesús Soto, Carlos Cruz-Diez y Alejandro Otero, así como con las exploraciones formales de Enrique Careaga en el plano nacional.

En el análisis conceptual de la muestra, la curatoría resalta la capacidad del artista para generar un espacio de reflexión crítica frente a la saturación visual actual. Según señala Sosa Rabito, Schäfer “trabaja en los resquicios y las rebabas de la imagen saturada, muchas veces simulacral, de lo visual contemporáneo como promesa quizá redentora de lo visual crítico estético”. De esta manera, las piezas expuestas trascienden el mero juego geométrico para ofrecer un contrapunto analítico sobre la manera en que consumimos imágenes en la sociedad moderna.

Nacido en Uruguay en 1968 y radicado en Paraguay desde 1978, Diego Schäfer cuenta con una polifacética trayectoria como arquitecto, docente y artista visual. Tras formarse en pintura desde temprana edad y egresar de la Universidad Nacional de Asunción, colaboró en prestigiosos talleres como el de Jenaro Pindú, desarrollando una investigación plástica que aborda la conducta humana y el entorno a través de acrílicos y técnicas digitales. Además de su faceta artística —cuya obra se ha exhibido en América, Europa y África—, dirige el Instituto Ignis Vitae y la galería Private Space of Art. Para más información, el público puede consultar el sitio web: Web: https://galeriaexaedro.com.

Lo que comenzó como una forma de enfrentar uno de los momentos más difíciles de su vida terminó abriéndole las puertas de uno de los escenarios más importantes de la música. El artista paraguayo Álvaro Gahete compartió la historia detrás de “Quiero ser +”, una canción nacida en medio de una crisis familiar que hoy forma parte del proceso For Your Consideration de los Latin GRAMMY 2026.

A través de un emotivo video publicado en sus redes sociales, el músico recordó que todo cambió en noviembre de 2022, cuando su padre sufrió un accidente cerebrovascular (ACV) de extrema gravedad. Según relató, los médicos llegaron a comunicar a la familia que las posibilidades de supervivencia eran mínimas.

“Los médicos nos dijeron que nos despidiéramos, que le quedaban pocas horas de vida. Vivimos en un hospital durante cinco meses, escuchando una y otra vez que no había nada que hacer”, expresó.

Lejos de resignarse, Álvaro y su hermana decidieron dedicar todo su tiempo y esfuerzo a acompañar la recuperación de su padre. “Con mi hermana hicimos todo lo contrario. Dejamos absolutamente todo para dedicarnos 100 % a su recuperación”, recordó.

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El proceso de recuperación también marcó un antes y un después en la vida artística del cantante. Tras varios meses alejado de la música, volvió a componer y encontró en ella una forma de transformar el sufrimiento en esperanza.

Así nació “Quiero ser +”, una canción inspirada en la experiencia que atravesó junto a su familia. “Fue algo necesario para resignificar todo lo que pasamos y convertirlo en algo positivo”, explicó.

Con el paso del tiempo, el tema comenzó a trascender su historia personal y llegó a personas que enfrentaban situaciones similares. “Empecé a recibir un montón de mensajes de personas que habían pasado por historias parecidas y que encontraron un poquito de esperanza en esta canción”, señaló.

Ese recorrido dio un nuevo paso este año. El artista anunció que “Quiero ser +” fue incluida en el proceso For Your Consideration de los Latin GRAMMY 2026, una instancia en la que las producciones son presentadas para consideración de los miembros votantes de la Academia Latina de la Grabación en las distintas categorías.

Para Álvaro, el reconocimiento trasciende el plano personal. “Es un logro importantísimo para una canción nacida en Paraguay y que busca dejar un mensaje positivo”, afirmó.

Al cerrar su mensaje, invitó a quienes se sintieron identificados con su historia a compartir el video y acompañar el recorrido de una obra que nació en uno de los momentos más difíciles de su vida y que hoy representa una oportunidad para llevar un mensaje de resiliencia desde Paraguay al mundo.

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El cantante paraguayo Maitei Aguilera contó que detesta que lo traten de “bro” o “man” en medio de una conversación. El joven conocido por participar en realities de TV, señaló que al tratarlo con dichos motes se le asigna una identidad que no le pertenece y que en su cultura esas expresiones son insultos u ofensas.

“Yo odio, detesto que me digan, `bro` o `man`. En serio, para mí es insultante y me incomoda demasiado y nunca dije por qué no quiero parecer muy odioso, muy no me digan nunca, `bro` ni `man`, si me encuentran por la calle. A mí me dicen, `Hola, amigo`”, puntualizó el cantante paraguayo.

El famoso puntualizó que estas expresiones no van con su vocabulario. “¿Cómo que se me asigna una identidad que a mí no me pertenece? Yo no soy así, yo no digo así, yo no hablo así. Y hay muchas opciones, amigo, hermano, socio, que podría ser la última opción, pero bro y man, no. En mi cultura esos son insultos", indicó.

Cabe mencionar que los hombres usan “bro” (de brother traducido hermano) y “man” (hombre) como términos informales para referirse a sus amigos o conocidos, creando un sentido de cercanía y pertenencia, similar a “tío”, “kape”, “boludo”, “parce” o “pana”. Se cree que la expresión “bro” se popularizó entre alumnos universitarios, pero que se trasladó al vocabulario de muchos hombres.

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Maitei Aguilera es un cantautor paraguayo emergente conocido por hacer música pop, rock alternativo y ritmos latinos, con letras profundas inspiradas en sus experiencias personales, explorando temas como la identidad, las emociones y la frustración, y se ha destacado por su fuerte presencia en redes sociales y participación en realities en TV nacional.

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La exposición individual “Vigilia” del artista paraguayo Jorge Enciso (1972, Asunción) podrá visitarse en la prestigiosa Galería Leme de São Paulo (Brasil) hasta el 18 de diciembre. Esta presencia internacional con la curaduría de Tiago Sant’ana, artista visual y doctor en Cultura y Sociedad, significa una validación institucional y un enfoque profundo en su singular propuesta artística.

La llegada de Enciso al Brasil se produce inmediatamente después de su participación en la Ceramic Art Fair de París, presentado por la galería Tekoharte, en la emblemática Maison de l’Amérique Latine en París, donde su obra fue destacada por su capacidad de fusionar la herencia latinoamericana con una sensibilidad moderna y abstracta.

El título de la exposición, “Vigilia”, es una declaración de intenciones. Como adelanta el texto curatorial, el término es polisémico y profundo: alude al acto de velar, de permanecer despierto y atento, pero también a una organización colectiva en torno a la reflexión o la protesta. “La propuesta de Enciso, por tanto, trasciende la exhibición de objetos cerámicos; se erige como una toma de postura filosófica y política materializada en el barro, una invitación a mantenernos vigilantes ante los procesos de borrado cultural y las asimetrías históricas que aún resuenan en nuestro continente”, manifiesta el texto.

La tesis central del curador es contundente: “La vigilia de Enciso apunta para un estado de mantenerse despierto para los ejercicios de la memoria y, sobre todo, para los procesos culturales que promueven asimetrías y apagamientos culturales”. La exposición se posiciona así dentro de un llamado a la resistencia contra el olvido, apunta Sant’ana, quien actualmente es curador adjunto de la 14.ª Bienal del Mercosur.

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Desde la demandante profesión de abogado, incursiona en 2014 en la cerámica, transitando de formas más representativas hacia una abstracción cada vez más depurada y conceptual. En la búsqueda de una actividad para “moderar su agitado sistema de vida”, encontró en la arcilla un “método de conectar con el interior, tanto del país como del mío”, comentaba el artista.

Su primer contacto formal con el arte fue en la bioescuela El Cántaro, en Areguá. Fue allí donde conoció a la ceramista Julia Isidrez, un encuentro que redireccionó su producción hacia la cerámica. Ella le abrió las puertas de su propio hogar y taller en Itá donde continuó su formación. Un aprendizaje que se extendió a lo largo de años, donde pudo modelar a mano utilizando el método del “colombín”, una milenaria práctica pre-hispánica desde donde parte hacia su técnica insignia: el esgrafiado y las formas abstractas que prevalecen en su obra.

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Fundada en noviembre de 2004, la Galería Leme es el proyecto de su fundador y propietario, Eduardo Leme, quien decidió transformar su pasión por el arte en una plataforma profesional. En este tiempo, este espacio cultural se ha consolidado por su programa innovador, representando a artistas nacionales e internacionales de diversas generaciones y perspectivas.

Su misión se centra en promover la diversidad en el arte y fomentar un intenso intercambio cultural, siendo a menudo la plataforma para las primeras exposiciones individuales de artistas extranjeros en América Latina. En sus 600 metros cuadrados de espacios expositivos independientes, en un edificio construido enteramente en hormigón armado, el espacio se ha convertido en un ícono, donde la materialidad brutalista dialoga con las obras que alberga.

Es una obra del arquitecto brasileño Paulo Mendes da Rocha, ganador del Premio Pritzker, quien lo diseñó en colaboración con Metro Arquitetos. Además de referente arquitectónico, es una plataforma que valora la multiplicidad de lenguajes artísticos, desde la pintura y la escultura, a la instalación y el videoarte.