• Jimmi Peralta
• Fotos: Gentileza

Hoy, con motivo del Día Internacional de la Mujer, conversamos con tres mujeres directoras de teatro que muestran fragmentos de su vida en el arte, los vínculos personales y también el contexto profesional en el marco del que sea tal vez uno de los trabajos más subvalorados a los ojos de la sociedad. Paola Irún, Selva Fox y Raquel Rojas aportan sus miradas y voces sobre el trabajo femenino en el arte.

Paola Irún (PI), Selva Fox (SF) y Raquel Rojas (RR) responden un cuestionario común que involucra su relación misma con la actuación y la dirección, así como procuran rescatar una mirada respecto al trabajo femenino en el arte.

Se rescatan muchos avances a poco más de un siglo de la primera conmemoración de esta fecha y a pocos años de la última oleada del feminismo que interpeló con fuerza a la sociedad global. Tres creadoras y trabajadoras comparten preguntas, territorio y fragmentos de historia, pero responden desde su propio mundo personal y social.

–¿Cómo nace su vínculo con el teatro?

–PI: Veo teatro desde niña, como público y también tras bambalinas. Pero tardé en dedicarme yo al teatro. La figura de mi madre era tan superlativa que decidí no entrar en ese campo. No cabíamos las dos en un mismo rubro. Trabajé como 10 años en televisión. De hecho, empecé a actuar frente a una cámara y a manipular la imagen de manera narrativa desde la edición, práctica que disfruto hasta hoy. Pero llegó un momento en el que me di cuenta de que negando mi esencia solo estaba perdiendo tiempo y años de vida. Cuando decidí dedicarme enteramente al teatro, fue cuando me dije “quiero hacer el teatro que yo quiero ver”, y empezó todo.

–SF: Cuando yo con el colegio voy al Teatro Municipal a ver “Yo el supremo” y veo que una popa de barco atraviesa el escenario digo “esto es lo que yo voy a hacer toda mi vida, yo voy a llegar hasta la popa del barco, yo quiero estar ahí dentro de ese barco”. Y ahí comencé fuertemente con el apoyo de mi familia. La primera obra en la que estuve se llamaba “Prohibido en la plaza los niños y los perros”, de Moncho Azuaga. Así comencé y de ahí ya no paré más.

–RR: Desde muy joven. Desde las olimpiadas teatrales del Colegio Teresiano. Integré como actriz el grupo Tiempoovillo, un grupo histórico de la vanguardia de los años 70. En el año 1975 fundé el Grupo de Teatro Aty Ñe’ê con Tony Carmona, Yiya Gunsett, Alcibiades González del Valle, Arturo Pereira y Ramón del Río como grupo inicial. Esta ya fue mi primera experiencia de teatro profesional: Aty Ñe’ê .

–¿Tuviste alguna figura femenina inspiradora?

–PI: Y por supuesto mi mamá. Qué mayor inspiración que esa. Sobre todo porque mi mamá hacía teatro en tiempos donde no era tan bien visto o aceptado como una profesión, un estilo de vida. Ella optó por dedicarse enteramente al teatro, contra viento y marea. En época de la dictadura, vivían amenazados, ella se iba a hacer la función igual. Y yo fui testigo de sus transformaciones, sus distintos personajes, su grandiosidad en el escenario.

–SF: En “Las troyanas” estaban actrices como Clotilde Cabral... Cuando esas mujeres fuertes agarraban el escenario. También otra obra como “El herrero y la muerte”, en la que la muerte hacía esta actriz, Líber Fernández, me voló la cabeza. Le vi a Regina Bachero en una comedia. Me iba a ver esas obras y yo decía “esto es lo que yo quiero algún día en mi vida”.

–RR: Aty Ñe’ê trabajó en teatro territorial y giras durante casi siete años. Cuando la dictadura ya nos prohibió salir al interior con Aty Ñe’ê, nos asociamos al Teatro La Farándula, dirigido por la actriz y directora Edda de los Ríos. Ella fue para mí una hermana mayor, una inspiración, pues era una mujer de teatro en todas sus facetas, desde la actuación a la dirección de compañía, con una dedicación y fuerzas poco común en el ambiente de la época. En arte y en política Edda fue para mí una gran inspiración, inolvidable.

–¿Qué encontraste en el teatro y con el teatro?

–PI: Encontré mi voz. Con mi dramaturgia, yo digo lo que quiero decir, las obras hablan por mí. Es por eso que dirijo las obras que yo misma escribo en un proceso de laboratorio de dramaturgia colaborativa que voy induciendo y dando forma. Muy pocas veces dirigí obras de otros autores. En este momento no me interesa. Eso no significa que cuando me toca otro autor o autora dejo de hablar yo. Sigo hablando a través de herramientas de dirección; pero con mi propia dramaturgia me siento más libre. Encontré también mi lugar. Tengo ansiedad social, pero en el escenario (dirigiendo, escribiendo o actuando) me siento poderosa. También el teatro al darme una voz me dio postura. Es muy importante para una artista tener postura y trato de tenerla en las decisiones que tomo. Qué historia decido contar, cómo la voy a contar, de qué manera decido mover al público. Muchos dicen que el arte no tiene que ser necesariamente político, pero creo es una confusión. Todo es un acto político, no solo en el arte, sino en la vida misma, que no es lo mismo que partidario.

–RR: Con Aty Ñe’ê en La Farándula conocí los primeros Brecht. Como actriz y directora. Acompañé como asistente de dirección todos los montajes y me involucré en la dirección con la “De la guerra al cabaret”, una adaptación y puesta en escena mía, de la obra de Brecht “Cachorro de elefante”. La puesta era una sala de fiestas antifascista en el entorno de la dictadura nazi. Con una orquestita en vivo que dirigía Arturo Pereira y con interacción con el público que era a la vez parte del montaje y público. Allí supe que ya no era solo directora y actriz de teatro de grupo, sino que debía abrazar la dirección teatral como arte, profesión y oficio y así lo hice.

–¿Entre la primera obra que dirigiste y la última qué cosas cambiaron?

–PI: Mucho cambió porque yo cambié. Indefectiblemente la vida y las experiencias vividas te van posicionando en lugares diferentes, a veces te sorprende. Pero mi esencia es la misma, sigo buscando, sigo investigando nuevas formas, sigo probando lo que no sé hacer y tratando que cada desafío supere al anterior. Sí, quizás hoy le puedo poner nombre a las formas, a herramientas, estilos, a mis experimentos. Pero siempre quise ir más allá y emocionarme yo primero, luego el público.

–SF: Hay miles de cambios, yo cambié, cambiaron las formas. Pero, por ejemplo, hoy día me gustan más las cosas un poco más minimalistas, aunque lo que yo siempre en una obra trato de tener ahí es el asombro, trato de tener a mi lado eso, y eso estuvo conmigo desde el comienzo hasta ahora. Eso de mirar con los ojos de los niños, eso es lo que nosotros no tenemos que perder y cuesta muchísimo eso. El teatro para mí era como una aventura que después fue mi vida y forma parte de mi vida. Acá en Nhi-Mu vivo de una manera teatral siempre y en este país cuesta mucho eso, tener una burbuja gigante en el medio de esto. Nhi-Mu para mí es una burbuja gigante donde se hacen sueños, donde podemos hablar de miles de cosas.

–¿Para vos qué significó ejercer la dirección teatral como mujer en el contexto machista local?

–PI: Lo que realmente deseo es que estas preguntas dejen de existir. Quiero ser yo. Sí, soy mujer, pero también soy Paola, mucho más allá de eso. Creo que hay un poder mayor en no posicionarme desde la dificultad o el menoscabo. El día que dejemos de preguntarnos esto pienso que habremos dado realmente un paso gigantesco.

–SF: En Nhi-Mu siempre fue un matriarcado. Nosotras las chicas tomamos la posta y nos hacemos fuertes y nos abrimos caminos juntas, trabajamos juntas y vivimos el teatro juntas. En los comienzos de mi mundo era una lucha constante. Chicas que volaban por los aires, armaban estructuras, hacíamos luces, estábamos ahí armando todo lo que es el escenario, cosas así. Entonces, eso era brutal, era costoso eso, pero la gente nos hacía de menos, había proveedores que no creían en nosotras, y eso nos costó muchísimo, años y años. Hoy día yo me voy a un espectáculo y ya saben que cuando llega mi estructura, yo dirijo la puesta de estructura, hay chicas en luces, en sonido. En eso ahora ya hay respeto, estamos tratando, aunque siempre hay gente desubicada que cree que no hay cambio, que cree que todo sigue igual. Pero no.

–RR: Fue y es un esfuerzo inmenso sobre las espaldas de una mujer creadora, que ya tiene las dificultades propias de ser artista y mujer en Paraguay, a lo que se suman los problemas del machismo vigente en el ambiente cultural del país. Incluso de compañeros de teatro, maestros inclusive, aquellos que reivindican derechos de no discriminación para su sector también son los primeros y tenaces discriminadores hacia una mujer creadora.

–¿Ubicás una experiencia transformadora o de enseñanza para vos como mujer en cualquiera de los roles que te hayan tocado dentro del ambiente del teatro que puedas comentarnos?

–PI: Todas las experiencias son transformadoras para mí, pero no necesariamente como mujer, insisto, sino como ser humano habitante de este mundo muchas veces injusto, desigual, frustrante. Un ser que piensa, siente, se emociona y trabaja en pos de lo que quiere decir.

–El proceso extendido de la defensa de derechos de la mujer lleva más de un siglo y en la última década tuvo una nueva oleada desde el #Metoo. ¿Cambió algo para bien?

–PI: Cambió muchísimo. El hecho de que intente no diferenciar mi lucha solo por el hecho particular de ser mujer no implica que sea ajena a cuantos cambios han habido. Para empezar, ya no nos callamos, ya no fingimos demencia, ya no soportamos todo, ya no nos tragamos sapos. Eso solo es inmenso. El patriarcado se está cayendo hace tiempo, a veces con quiebres muy notorios, y otras con pequeñas sutiles rajaduras que van desmantelando el sistema. Ese sistema dentro del cual a la gente le cuesta recibir “órdenes” de una mujer, le cuesta aceptar que una mujer sea cabeza de equipo y tome decisiones con seguridad. Asusta una mujer con opinión fuerte, independiente, hacedora de su propio camino. Asusta o intimida. También el eterno derecho a piso. Me pasa más en otros ámbitos fuera del teatro, o el mal manejo del privilegio; o que nos tengan que explicar todo, el “mansplaining”, ese acto condescendiente de explicarnos cosas porque se asume que sabemos menos o tenemos menos experiencia. El hecho de que yo lo diga está sujeto a duda, no siempre se acepta de entrada en ciertos ámbitos. Ese sistema se está destruyendo.

–SF: Claro que hubo cambios. Pero nosotras debemos de seguir ahí, alertas, insistentes, porque este mundo patriarcal que nos toca no se quiere ir así nomás, no se quiere ir, nosotras tenemos que estar atentas a eso y seguir, nosotras todos los días vamos a ganar, todos los días vamos a ir ganando. Nosotras las mujeres somos las que movemos el mundo y todavía no están entendiendo.

–¿Qué necesidades tienen en la escena teatral local la mujeres actrices, guionistas, directoras, gestoras, respecto a los derechos como trabajadoras y la valoración artística de su aporte?

–PI: Tendríamos que siempre tener derecho a decir nuestra opinión en cualquier tiempo y lugar, y a no tener que estar constantemente defendiendo nuestra manera de pensar y nuestras decisiones. El derecho a existir en un ambiente libre de acoso y misoginia. A una sexualidad libre, sin prejuicios, ni juzgamientos. Derecho a simplemente existir y ser quienes somos. Digo simplemente, pero no es fácil, se rema, remamos. Derecho a fluir.

–SF: Son lugares que son nuestros. Muy importantes somos nosotras las mujeres en esta parte cultural, en el teatro, así como estaban citando gestoras culturales, directoras, somos importantísimas. Con nosotras el cambio se viene más fuerte. Somos personas que tenemos que visibilizarnos más para poder llegar a los lugares que son nuestros, que nunca nos dejan ocupar. Siempre está ahí cualquier personaje que ahí ocupa el lugar de una mujer sin tener derecho a eso y nosotras estamos siempre como esperando el momento. No, nosotras, las mujeres, tenemos que comenzar a tomar los lugares que son nuestros, basta. Directoras, guionistas, gestoras culturales, tenemos que ir adelante y tomar esos lugares.

El elenco integrado por Lali González, Andrea Quattrocchi, Ato Gómez y Guadalupe Lobo, bajo la dirección de Fátima Fernández Centurión, estrenan esta noche, a las 19:30, la obra teatral “Subacuática”, una puesta inmersiva que combina luces y sonido, que tiene como particular escenario el Natatorio Escuela de Educación Física de las FF. AA. (Avda. Gral. Santos 258).

La adaptación teatral de la novela de la argentina Melina Pogorelsky combina teatro, sonido y audiovisual en una piscina real, creando una experiencia teatral y sensorial única.

Cuatro personajes llevan a los espectadores a un viaje visceral en el que el agua no solo es el escenario, sino que también un protagonista esencial. “Subacuática” es una obra en donde los personajes se enfrentan a sus propios miedos, deseos y desafíos mientras interactúan con el agua mezclando así lo físico y emocional en una experiencia energética y real.

La obra sumerge al público en un entorno acuático auténtico, donde cada brazada de los personajes se convierte en un viaje. La atmósfera envuelve a los espectadores en un ambiente azul y acuático.

Las entradas se encuentran a la venta en Tuti.com.py con un precio de G. 190.000 para Preferencia y G. 160.000 para Generales. Abonando a través de Personal Pay, las entradas tienen un costo de G. 155.000 para Preferencias y G. 125.000 para Generales. Las funciones serán sábados y domingos de marzo.

La obra “El loco de Cervantes” del Grupo teatral La Mirada fue seleccionada por Paraguay para participar del 18.° Festival Internacional de Teatro de Ciudad de La Costa, en Uruguay. Esta creación de Marco Antonio de la Parra, en versión de Hernán Jaeggi, que protagoniza Héctor Silva, narra la última noche del creador de la novela, Miguel de Cervantes Saavedra, donde en una humilde celda se enfrenta a todos sus miedos, sus creencias, su escritura, sus relaciones con los médicos, sus hermanas, y mantiene un diálogo imaginario con su contemporáneo William Shakespeare.

El pasado viernes 20 de febrero se llevó a cabo el lanzamiento oficial de una nueva edición de la muestra internacional de teatro, con la participación de grupos de Argentina, Uruguay, Paraguay, Cuba, Perú y Ecuador. La jornada inaugural contó con la presentación de la obra “Ensayo para dos”, de la Escuela de Teatro Acuarela, y culminó con la función de “El loco de Cervantes”, a cargo del grupo paraguayo La Mirada.

El evento contó con la presencia de una delegación de la Embajada de Paraguay, integrada por el embajador Didier César Olmedo Adorno y la funcionaria Maureen Liliana Albertini Espínola, cuya participación reafirma el carácter internacional y el espíritu de intercambio cultural que define a la Muestra desde sus inicios.

El unipersonal paraguayo tendrá una nueva presentación este viernes 27 de febrero, a las 21:00, en el Club Social, Cultural y Deportivo Solymar (El Queso). La programación incluyó el taller internacional “Entrenamiento sobre el Método Stanislavski” en el Centro Cultural Serendipia, a cargo del Grupo La Mirada de Paraguay, el miércoles 25 de febrero.

La Muestra Internacional de Teatro se desarrollará entre los meses de febrero y mayo, período en el que el público podrá disfrutar de 12 espectáculos provenientes de 6 países, que recorrerán distintos espacios de la ciudad, acercando el teatro a la comunidad y fortaleciendo el acceso democrático a la cultura. Nacida en 2006 en Ciudad de la Costa, la Muestra se ha consolidado como un espacio de encuentro artístico, formación e intercambio entre creadores de América y Europa, promoviendo el diálogo cultural y la construcción de redes a través de las artes escénicas.

Con esta nueva edición, la Muestra Internacional de Teatro reafirma su espíritu original: crear un espacio donde el arte sea puente, celebración y herramienta de transformación social. La participación en dicho festival es posible gracias al apoyo brindado por el Fondo Nacional de la Cultura y las Artes (Fondec).

Villa Hayes contará con el primer Centro de Atención Integral a la Primera Infancia (CAIPI) del Chaco, un proyecto impulsado por el Gobierno en el marco del Programa Nacional de Atención Integral a la Primera Infancia Semillas del Futuro. Este nuevo espacio está concebido para brindar atención integral a más de un centenar de niños en su primera fase.

En ese marco, el Ministerio de Obras Públicas y Comunicaciones realizó una verificación de los trabajos que se desarrollan en el departamento de Presidente Hayes, destacando un avance del 20 % en la ejecución del proyecto. Las obras consisten en la edificación de un espacio adecuado y moderno, diseñado para garantizar condiciones óptimas de cuidado, estimulación y aprendizaje en los primeros años de vida.

El intendente de la ciudad, Luis López, resaltó la importancia del proyecto para la región Occidental. “Somos bendecidos porque es el primero del Chaco”, sostuvo e hizo hincapié en la calidad del espacio, pensado tanto para los niños como para los equipos profesionales y las familias. “Nunca antes se hizo algo así”, dijo.

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El jefe comunal recordó además que el terreno fue cedido por la Municipalidad como parte de una apuesta al fortalecimiento del sistema de protección social. En el mismo sector se prevén la nueva sede de la Región Sanitaria y el Parque Sanitario Departamental, consolidando un núcleo estratégico de servicios públicos.

A través de este programa se busca garantizar el acceso oportuno a todos los servicios del Estado para los niños y niñas desde la concepción hasta los 8 años. Este proyecto contempla la construcción de un total de 100 centros a nivel país. Dentro del cronograma de la primera etapa se pretende construir 20 centros que estarán distribuidos en puntos estratégicos del Paraguay para la atención integral de los niños.

El CAIPI es promovido por el Despacho de la Primera Dama en articulación con el MOPC, el Ministerio de la Niñez y la Adolescencia (Minna) y la Itaipú Binacional, responsable del financiamiento. En este caso, se trata del Lote 1, que está a cargo de Tecnoedil S.A. Constructora, empresa responsable de diez centros, con una inversión de G. 27.996 millones.

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