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El artista José Quevedo ofrece un viaje a la nostalgia de la niñez transportando a una época en la que juegos manuales simples y económicos representaban la felicidad en estado puro. Utilizando como soporte bandejas industriales en desuso, el artista realiza un ejercicio de memoria y guía a través de un recorrido por la resiliencia del material oxidado.

Recorrer la muestra remite a tiempos mucho más sencillos en los que las pantallas aún no habían causado en las jóvenes generaciones los estragos de la actualidad. La serie “Tiempo” rescata historias, juegos infantiles y tiene como soporte bandejas industriales en desuso, algunas con más de 40 años de oxidación natural por el paso del tiempo. La serie nació para conmemorar los 60 años del Programa de Estudiantes-Convenio de Graduación (PEC-G) de Brasil, un histórico lazo académico y cultural que une fuertemente a Brasil y Paraguay.

“La muestra fue parte de los festejos oficiales de las seis décadas del convenio universitario. En dicho evento, además de actos protocolares, se realizaron shows artísticos musicales, proyecciones audiovisuales y esta muestra de arte visual entrelazando memorias, historias, las raíces y la cultura de ambas naciones”, explica el artista.

Sobre la temática de la muestra, Quevedo indica que “tal como el nombre lo menciona, ‘Tiempo’ en general se trata de obras que crean viajes a épocas pasadas recordando y despertando ‘saudades’. Rememorar la infancia con vivencias que son muy similares. Se trata de juegos de niños comunes tanto en Paraguay como Brasil que funcionan como un espejo que resalta la hermandad cultural entre ambos países”, añade.

Las obras de la muestra –que fueron exhibidas en la Galería Lívio Abramo del Centro Cultural de la Embajada de Brasil– combinan pinturas y esgrafiados en metal reciclado (bandejas industriales con más de 40 años de desuso).

En la muestra se incluyó una ambientación musical con canciones paraguayas y brasileñas alusivas a estos juegos. El visitante recorría la galería teniendo de fondo canciones como “Che trompo arasa”, de Herminio Giménez y Eduardo Rayo; “Aquarela”, de Toquinho, y “Mi barquito de esquelita”, de Gregorio Pérez Burgos, creando un clima especial conjugando sonidos con las texturas, los colores y los recuerdos detrás de cada obra, que con trazos simples despiertan emociones y recuerdos que reviven al mitã’i akãhatã y al guri sapeca de antaño.

José Asunción Quevedo Allende es artista visual, fotógrafo y promotor cultural oriundo de la ciudad de Pedro Juan Caballero, departamento de Amambay. Es reconocido por su labor en el rescate de las tradiciones del norte de Paraguay y por ser un activo defensor de la identidad cultural nacional.

Es egresado de la carrera de Comunicación Social en la Universidad Católica de Río Grande del Sur, Brasil, obteniendo las licenciaturas en Periodismo y Marketing. Cuenta con un diplomado en Responsabilidad Social y Sostenibilidad (Universidad Columbia). Se desempeña activamente en la pintura, esgrafiados en metal, murales, fotografías, instalaciones y collages.

La serie “Tiempo” es una inmersión que celebra la imaginación con un diálogo profundo entre la fragilidad del trazo, que mediante el esgrafiado (Sgraffito), la línea interactúa con la dureza del soporte, raspando enérgicamente capas del pasado para dar formas a barquitos de papel, trompos y pandorgas de aquellas épocas de mitã’i churi kasõ mboka’i.

Esta iconografía lúdica, ágil, contrasta con el origen industrial de las bandejas abandonadas, invitando al espectador a un ejercicio de introspección sobre la resiliencia y el reciclaje creativo.

El metal oxidado gana nueva vida. El soporte ya no se pertenece, ahora está cargado de historias ocultas. Fueron bandejas de metal industrial, desechadas y olvidadas por más de 40 años. La acción del tiempo y el abandono han dotado a estas piezas de una oxidación natural que actúa como una pátina, el artista no solo dibuja, sino que también interactúa mágicamente con el tiempo, recuperando partes del primer estado del metal.

La exposición se transforma en un ejercicio de meditación sobre el pasado, la nostalgia, la reconstrucción y el potencial de la resiliencia gracias a los poderes infinitos del arte, demostrando que transforma la contaminación en belleza y la historia olvidada en una nueva.

La cantante británica Bonnie Tyler, conocida por sus éxitos de los años 80, salió del coma inducido que se le practicó en mayo tras una operación en Portugal, pero se mantiene en cuidados intensivos, indicaron su familia y su agente. La estrella de 75 años, famosa por sus canciones “Total Eclipse of the Heart” (1983) y “Holding Out for a Hero” (1984), fue puesta en ese estado en un hospital de Faro, en Portugal, para ayudarla en su convalecencia tras una operación intestinal de urgencia.

El lunes noche, en un mensaje publicado en su página web, su equipo y su familia explicaron que "ya no está en coma, pero no se encuentra nada bien y sigue en cuidados intensivos" en Portugal, donde posee una residencia secundaria. “Sus médicos confían en que se recupere bien, pero llevará tiempo”, añadieron. Por ello, todos sus conciertos planeados hasta fines de agosto serán cancelados o pospuestos. Tyler tenía previsto cantar este verano en Alemania y Austria, y en un festival en Reino Unido.

Reconocible por su voz ronca y su melena rubia, Bonnie Tyler representó a su país en el festival de Eurovision en 2013 con la canción “Believe in Me”. Terminó en el decimonoveno puesto. El rey Carlos III distinguió en 2023 a Bonnie Tyler como miembro de la Orden del Imperio Británico (MBE), en reconocimiento a su trayectoria y contribución a la música.

Fuente: AFP.

La Fundación Migliorisi inaugura la exposición “Cecilio Thompson, obrero de imagen”, habilitada desde el jueves 11 de junio pasado, en la Sala Cira Moscarda (Grabadores del Cabichuí 2714). Con curaduría de Mirna Robles Armoa la exposición reúne registros fotográficos de murales y carteles de Thompson y otros artistas de la comunidad, un documental que reconstruye la biografía del artista y algunos carteles del autor intervenidos por su hija Chely Thompson.

Según la curadora: “El arte de Cecilio Thompson se asienta en la sinceridad. Acude a su entorno para repetir el mundo rural que vive y se dirige a sus compueblanos para mostrarnos cómo son en su realidad habitual. Quizá para Cecilio eran el pincel y la madera, el papel y sus manos herramientas que dignificaban la forma de ser de su comunidad”.

La exposición podrá ser visitada de martes a sábados de 14:00 a 20:00 horas. El acceso a la Fundación Migliorisi se da a través del Museo del Barro. Las entradas tienen un costo de 50.000 guaraníes de martes a sábados y son gratuitas los viernes y sábados.

Cecilio Thompson (Tañarandy, San Ignacio, Misiones) fue un artista autodidacta paraguayo dedicado al dibujo, la pintura y la talla en madera. Desarrolló desde la infancia una estrecha relación con la creación manual y el imaginario popular de su comunidad.

A mediados de la década de 1990 se integró al taller Felipe Santiago Apokatu, impulsado por Koki Ruiz, y se convirtió en una figura clave de las intervenciones artísticas comunitarias de Tañarandy. Sus pinturas y murales contribuyeron a construir una iconografía local centrada en historias locales y la representación de los habitantes de la comunidad.

En 1998 representó a Paraguay en la Bienal de São Paulo con la instalación Pesebre koygua, una obra que incorporaba elementos contemporáneos a la tradición del pesebre paraguayo. Su legado permanece vivo en murales, carteles y expresiones visuales que transformaron el paisaje de Tañarandy y marcaron profundamente la vida cultural de la comunidad.

• Jimmi Peralta
• Fotos: Gentileza

La joven artista nacional Mavi Zacarías, figura emergente de la escena musical pop local, presentó su disco debut, “bitAcOra”, un disco con identidad latinoamericana que mezcla elementos de bossa nova, soul, indie pop y ritmos más orgánicos que buscan una sonoridad actual. Sus recientes presentaciones en importantes festivales locales evidencian su crecimiento artístico y en su faceta creativa plantea un proyecto íntimo y conceptual que funciona como registro emocional del paso del tiempo.

“La búsqueda del sonido nació desde las referencias musicales y desde experimentar bastante en producción. Quería un disco con identidad latinoamericana, mezclando elementos de bossa nova, soul, indie pop y ritmos más orgánicos, pero llevado a algo actual”, comenta Mavi Zacarías, joven artista nacional que presentó en las últimas semanas su álbum debut, “bitAcOra”, un trabajo en el que registra pulsiones de memoria e identidad y evidencia su crecimiento en estado sonoro.

“Mi relación con la música empezó desde muy chica. La batería fue mi primer instrumento y siento que ahí descubrí una forma muy natural de expresarme, casi como un lenguaje propio. Más adelante empecé a conectar también con el canto y con la composición, y encontré en escribir canciones una manera de entender lo que sentía y lo que me pasaba”, señala la joven compositora.

Mavi se abre camino al mundo discográfico con un proyecto íntimo y conceptual que funciona como registro emocional del paso del tiempo. En su búsqueda ella plantea un apunte respecto a su propia vida que, convertida en música, es el hilo conductor que la muestra.


“Mis primeras composiciones nacieron muy desde la intuición, sin pensar demasiado en géneros o estructuras. Eran más bien diarios emocionales. Con el tiempo fui entendiendo que la música podía ser un espacio donde conviven la sensibilidad, la fuerza y la identidad, y hoy sigo buscando eso en cada proyecto”, agregó Mavi.

Mavi forma parte de una nueva generación de artistas que entienden la música como archivo vivo. Cantautora, instrumentista y creadora inquieta, construye su identidad artística desde la honestidad emocional y la observación cotidiana. Su propuesta combina sensibilidad lírica, producción contemporánea y una estética personal que dialoga entre lo íntimo y lo universal.

En “bitAcOra”, la joven presenta colaboraciones con Luigi Manzoni y Matías Caballero, bajo la producción de Gillie, un joven figura de la industria local.

“Es un disco que mezcla distintos estilos y sonidos latinoamericanos desde una mirada más moderna. Cada canción tiene su personalidad, pero todas forman parte de una misma búsqueda artística y sonora”, señala Mavi.

“Más que pensar solo en las letras, me importaba mucho cómo convivían los sonidos y las influencias dentro del disco. Es así que a la hora de elegir los temas tuve en cuenta principalmente que las canciones compartieran un mismo universo sonoro y una identidad clara”, agregó.

Mavi se posiciona como una voz emergente con identidad clara y sensibilidad generacional, capaz de transformar recuerdos personales en relatos colectivos. Su debut invita a escuchar, recordar y habitar cada emoción sin filtros y anticipa una trayectoria que recién empieza a escribirse.

Las canciones “Para recordar”, “A mi lado”, “Canción simple”, “Ya no” y “Como antes” cuentan con propuestas audiovisuales como video lyrics en Youtube.

Mavi viene de presentarse con su banda en el festival Rock al Puerto, donde compartió escenario con figuras de la escena musical de la región y compañeros de la movida local. Otro antecedente que se destaca en su trayectoria es haber sido telonera de Air Supply.

“Mis referentes musicales son importantes para mí, porque me inspiran a construir una identidad propia. Me gustan artistas que mezclan géneros, culturas y sonidos de una forma auténtica. Me inspira mucho la sensibilidad rítmica y sonora de artistas como Jorge Drexler, Jorja Smith o Cardellino”, explicó.

“Siento que la escena local está creciendo muchísimo y que hay cada vez más artistas buscando propuestas originales. Me parece un momento muy interesante porque se están empezando a valorar más los proyectos nacionales. Para mí la meta no está en solo salir adelante y tener millones de reproducciones, sino que está en ser la puerta que la industria necesita para hacer un cambio histórico en la propuesta local”, concluyó.