• Fotos: Mariana Díaz

En este “Expresso” a puro canto y guitarreo, Augusto dos Santos recibe al cantante misionero Marcelo Gabriel, quien repasa el inicio de su carrera musical en los fogones en las estancias, pasando por sus primeros shows tras ganar popularidad en las redes y su etapa profesional en los espectáculos en vivo. En contraposición al panorama sombrío respecto a los riesgos que supone la inteligencia artificial para los derechos de autor, Marcelo Gabriel destaca las puertas que abre esta tecnología para hacer más asequibles los procesos de producción y grabación, así como los ingresos por las reproducciones a través de las plataformas.

–¿Cómo empieza lo de tu gen musical?

–Qué linda pregunta. Arranca en casa, yo traigo esto de mi papá, de su influencia. Siempre yo hago un comentario. Por más de que él haya oficialmente en la etapa que yo crecí dejado la música, la música nunca lo dejó a él porque él seguía tocando en casa. Agarraba el teclado, la guitarra, de repente un acordeón y eso me influye durante toda mi infancia hasta que un día yo no aguanto más y le digo “papá, necesito aprender”.

–Aprendiste con qué instrumento en principio.

–Mi primer instrumento fue el teclado. Papá me mostró el teclado y me dejó jugando con eso y ahí hice mis primeras armas.

–¿Cuál es la música que te formó en este camino?

–Al crecer en Misiones, en San Miguel básicamente hago mi vida, pero me relaciono con todas las otras ciudades. Y ahí hay esa conexión con el folclore litoraleño. Yo crecí entre chamamés, sambas. Me acuerdo que uno de mis mejores amigos, que se llamaba Iván, me mostraba los festivales de Jesús María. Nos juntamos en su casa a ver esos festivales. Nosotros éramos seguidores de los grandes, de Soledad Pastorutti, El Chaqueño, Quemil Yambay, Contrapunto, Generación, crecimos con ese tipo de mezcla.

–Misiones es una región extraordinaria, es la única región que tiene nombre y apellido, porque vos sos San Miguel Misiones, San Juan Misiones, San Ignacio Misiones, y el otro tema es que no solamente tiene que ver con el litoral probablemente, tiene que ver también con la cultura de estancias, donde hay mucho de eso de mezclar chamamé, chacarera y compañía.

–Es la famosa música de fogón, que se defiende con una guitarra. Imaginate que yo a estas alturas de mi carrera artística me doy cuenta de la importancia que tiene eso. El poder agarrar una gran canción, defenderla con una guitarra que suene en un ambiente así y que vos te vayas con esa canción en la cabeza. Es lo que te marca ese tipo de ambientes. Y después también te lleva a analizar que esos son los ingredientes que tiene que tener una gran canción.

–Y encontraste entonces inspiración en ese contexto y después tu siguiente momento fue venir a aprender música más formal en Asunción, ¿verdad?

–En ese deseo que yo tenía de perseguir la música, como papá y mamá me veían, entonces ellos me dicen “tenés que ir a estudiar al conservatorio, no te quedes sin esa oportunidad”. Me mandan al Ateneo Paraguayo, hago cinco años del profesorado ahí. Yo salía de San Miguel a las tres de la madrugada, llegaba en el colectivo a las 7 de la mañana, tenía piano con Manuel Domínguez, a las 8 de la mañana teníamos clases de apreciación musical, estudiábamos toda la historia de la música, 10 de la mañana tenía otra materia y a las 11 práctica coral. Una cosa hermosa que me dio las oportunidades de estar ahí. Y también estudié guitarra clásica en la misma época con Violeta de Mestral, que es la que me da los dedos.

–¿Qué te parece que tiene que mejorar en la escuela de música en Paraguay?

–Yo creo que lo académico tiene que enlazarse con la parte artística del vivo, de la música en vivo. Eso es lo que siempre le reclamé a la academia.

–¿Cuáles fueron los referentes de tu vida que te marcaron?

–Yo escuchaba mucho cuando estudiaba en la Facultad de Derecho a la generación de Charly García, bandas como Serú Girán, donde estaban Pedro Aznar, Lebón y todo eso. Y eso me inspiró mucho. Y eran canciones. Yo siempre estuve muy cautivado por las grandes canciones. Y entonces me conectaba con la historia de ellos, yo me ponía a leer las biografías.

–¿Y te recibiste de abogado?

–Yo soy abogado por la UNA (Universidad Nacional de Asunción). No llegué a litigar. Tengo el título y todo eso, pero no ejercí, pero me dediqué a la música a partir de ahí.

–Háblame un poco de “Tengo tu mirada”, por favor.

–“Tengo tu mirada” conecta con lo que estábamos hablando. Era una deuda que yo tenía de escribir una canción para mi papá. Yo siempre tenía a mi papá en el sentimiento, pero me faltó siempre decirle “papá, te amo y te quiero mucho”. Hablábamos con lekaja, soñábamos juntos, hasta que salió esta canción que dice así... (momento musical).

–Maravilloso… Luego llega una etapa en tu vida en la que te convertiste en un personaje más público.

–Total. Yo creo que una de mis pasiones también siempre fue el ver para dónde va la cuestión. En esa época se abría internet. Y decía ¿por qué no canto y no subo esto? Después me venían los pedidos. Como veían esos videos, llegaban los pedidos. Eso me llevó a tocar a un montón de lugares. Mis primeros fans salían de esa dedicatoria y después te recomendaban otra vez.

–Luego llega la pandemia y nos arrebatan nuestra rutina. Probablemente vos mismo estabas en una etapa de crecimiento.

–Fue un momento complicado, porque nosotros veníamos tocando en eventos, habíamos tenido como una subida de shows en bodas recuerdo muy bien. Teníamos agendado todo el año, teníamos todo eso y cae. Nosotros milagrosamente nos encontramos en aquella época con Sol y dijimos “vamos a transmitir en vivo”. Yo recuerdo una siesta cuando estábamos arrancando la pandemia, conecto a Facebook y tenemos 600 personas. Y digo ¿qué tal si nos ponemos a cantar en vivo? Nos conectamos, le pusimos horario, viernes 22 horas y hacíamos un espacio que se llamaba “Viernes de peña”, donde no solo había gente de Paraguay, sino que se empezó a hacer una comunidad latina, gente de Venezuela, de toda Latinoamérica. Y tanto así que nosotros hicimos 178 ediciones de “Viernes de peña” a puro corazón, porque nos cambió la vida. Después de la pandemia toda la comunidad quería tenernos en la casa y no encontramos con las familias que no conocíamos, nos encontramos con fans, era un sentimiento hermoso.

–¿Y qué pasó después de la pandemia con la experiencia en internet?

–Creció el formato. Nosotros hemos arrancado entre dos, después teníamos ya una banda. Lo que nosotros hicimos fue ir todas las semanas a grabar al estudio y subir el video a YouTube, porque estaba explotando el canal. Entonces, teníamos el primer video que llegaba ya a 10 millones (de reproducciones).

–En algún momento dijiste que uno no puede volverse fan de una IA. ¿Qué te suscita esto que está pasando en este momento?

–Yo creo que la IA viene a cambiar y a revolucionar la música. Uno, viene a democratizar la producción. Antes el quid de la cuestión era llegar a un estudio. No es lo mismo grabar en tu zona con el pibe que aprendió ayer que grabar con el productor que está nominado al Grammy. ¿Qué viene a hacer la IA? Viene a cambiar el paradigma. Te viene a decir “vos tenés la posibilidad de escuchar cómo sonaría con una producción increíble y yo te voy a dar la idea por 5 % del valor que te saldría el productor”. Eso está ocurriendo ahora ya, está revolucionando todo porque la IA se alimenta de toda la base sonora que ya existe y te tira la referencia. Entonces, a mí me llevó ahora a acelerar mi proceso creativo, de tener una canción, de decir ¿cómo sonaría esto en el estudio? De ahí trabajar con mi músico, de decirle “tomá esto de referencia, quiero que vuele tu creatividad”, pero ya avanzamos mil veces más rápido. Y sobre los artistas de IA, yo creo que no hay creación sin creador. Si no hay esa cara visible, es difícil. La esencia de la música es la conexión entre el creador y el público.

–No descarto que en 50 años más todo lo creado por el hombre sea una cuestión de nicho que va a costar más caro, pero por el momento cuesta un poco adaptarse a ver un cantante que en realidad no existe y que canta canciones que sí existen.

–Encima estamos teniendo una revolución en dos ámbitos, en el ámbito de video y de música. Y los dos se mezclan y vos no sabés cuál es real. Yo coincido contigo. Yo creo que vamos a llegar a la experiencia y la IA va a ser baratija y lo caro va a ser la experiencia humana, el que pueda llevar la experiencia humana y al contacto real. O sea, la canción puede sonar increíble en el estudio, pero si no la podés defender en vivo, te quedaste hasta ahí. Ahora vos podés crear una canción en fracción de segundos, pero también cómo llevar esa canción al mundo vivo va a ser el gran tema.

–Quería preguntarte ¿cómo ves el negocio de la música y si es posible vivir de ella?

–Yo recuerdo bien que le dije a papá “estoy ganando la plata en esto”. Me acuerdo de cuando arrancaba, le dije que tengo la intuición de que acá hay algo que es grande. Tanto así que me encuentro un día con una frase de Quincy Jones que dice ¿cuál es el producto que está colocado en todos lados y sonando al mismo tiempo? La música, en el súper hay música, al acostarse hay música, está en todos lados. Entonces, yo ahí digo “es cierto, la música está en todos lados”. Tengo que aprender de este negocio. Ahí aprendo todo el negocio de la distribución digital, de los derechos, de lo que son los derechos del autor, de los negocios de publishing. Me puse a estudiar, hice todo un curso ahí. Entonces dije “bueno, si quiero vivir de esto, tengo que entenderlo al 100 % y desarrollarme”. Ahí es que yo aprendo a desarrollar el catálogo, me doy cuenta de que estamos en el mejor momento de la música.

–¿Por qué?

–Porque digitalmente el control de la música es mucho más eficiente que antes. Antes tenía que hacerse por monitoreos de repertorio de dónde sonaba. Ahora si vos escuchás mi música, un fragmento, me llega a mí el centavo de dólar. Significa que me escuchan allá en Tanzania y me va a llegar el centavo de dólar. Entonces vos recogés de todos lados y ese es el negocio. El mundo digital cambió todo. Entonces, ahí yo empecé a vivir en la música, también de decir “esto que construí en el tiempo de las grabaciones que hice, lo que yo invertí ahí, me tiene un retorno en el mundo digital” y por eso también te da la gana y la pauta de desarrollarte como artista. Porque es una inversión increíble. Vos estás trabajando en grabar en estudio, en hacer audiovisual, toda una producción que te sale también. Entonces, la respuesta es sí, se puede vivir en la música.

• Luis Vera (*)
• Fotos: Gentileza

En la Casa Bicentenario de las Artes Visuales Ignacio Núñez Soler, del CCR El Cabildo, con el apoyo del Centro Cultural de España Juan de Salazar, permanecerá abierta hasta el próximo 5 de diciembre la muestra “Impermanencia”, de la artista Lucy Yegros, que encapsula toda una vida de investigación estética y compromiso ético.

Marcando el octogésimo quinto año de vida de la maestra Lucy Yegros, la exposición reúne transformaciones realizadas por Lucy sobre fotografías del arquitecto y fotógrafo alemán Joachim Zangemberg, a quien le rinde homenaje póstumo. Ella no interviene; ella transforma. Esta distinción semántica hecha por ella misma no es trivial; es la clave para comprender todo el proyecto.

No es un gesto que borra, sino el de una reinscripción; no de una conquista de la imagen, sino de un ritual de reencuentro. Desde el principio establece desde una relación no jerárquica y respetuosa con la obra de su amigo. Con un gesto que es a la vez diálogo y danza, sigue los surcos del mundo moderno para despertar en ellos los espíritus de la cosmología guaraní.

Es una serie que encapsula toda una vida de investigación estética y compromiso ético. En un momento de merecido homenaje a su vasta trayectoria, que incluye participaciones en las bienales de Venecia y Sao Paulo, Lucy no ofrece una retrospectiva, sino un audaz paso hacia adelante, un gesto de su incesante vitalidad creativa.

Las fotografías de Joachim, que registran las marcas y líneas de la intervención en un edificio, representan un rastro de la modernidad occidental: racional y estructural. Sobre ellos, el acto de seguir los trazos y pintar esos surcos entra en un diálogo con las líneas existentes, tratándolas no como un lienzo en blanco, sino como un interlocutor. Esta capacidad para percibir el potencial latente en cualquier forma es una constante en su práctica artística. En una vieja pala, un pedazo de madera, tejidos u otros restos, la artista desarrolla su inmensa creatividad.

Su arte no se puede separar de su inmensa alegría y su generosidad desbordante. Porque para ella crear no es un acto solitario, sino la forma más elevada de festejar la vida y de tejer comunidad. En estas obras, como en su propia existencia, Lucy nos muestra que la belleza más profunda es, y siempre ha sido, un modo de ser en el mundo.

Aunque es una palabra guaraní, Lucy lo escribe con el acento grave francés, como declaración de su libertad creadora. Desde 1990, en la exposición en el Museo de Arte de Sao Paulo, firmó sus obras como Aretè, que es polisémica y rica en connotaciones. Contiene la raíz “ára” (tiempo) y el sufijo “ete” (verdadero), sugiriendo la idea de un “tiempo verdadero” o “fiesta sagrada”, en la cultura guaraní occidental.

La clave para interpretar la praxis de Yegros como arete nos la proporciona el antropólogo paraguayo José Antonio Gómez Perasso, quien escribió una de las presentaciones más lúcidas de su obra. Él afirma: “Sobre diversos soportes, Lucy Yegros, como en invitación a la danza ritual, nos lleva de la mano a su mundo, a la búsqueda de un tiempo en el que el hombre era rico; rico porque era capaz de comunicarse con la naturaleza toda; rico porque era capaz de soñar… Lucy firma ‘Aretè’, apelativo que en el vocabulario ghiriguano-guaraní designa al rito de ‘reencuentro’ con los antepasados”.

En esta celebración, ritual y conexión con un tiempo primordial, Aretè no es un sustantivo estático, sino un verbo, una acción permanente de conexión con el mundo.

El concepto de arete como “tiempo verdadero” sugiere que la obra de Lucy Yegros opera fuera de la concepción lineal y progresiva del tiempo occidental.

Volviendo al “encuentro”, un aspecto crucial es que Lucy no pertenece a un grupo específico de artistas, está incluida en todos. Esta aparente paradoja es, en realidad, la clave de su virtud e influencia. Los movimientos y colectivos artísticos a menudo se definen por programas estéticos estrictos y por exclusión.

Lucy, en cambio, opera con una libertad soberana que le permite conectar con todos los sectores de la comunidad artística. Esta posición social es una verdadera manifestación de su filosofía del encuentro.

En el Paraguay, este término celebra a quien se pone frente a la vida con el mejor de los ánimos y esperanzas, a quien se involucra, participa y se entrega con una energía vital contagiosa. Es la encarnación de lo que la propia Lucy Yegros afirma sobre nuestra esencia: que somos “espíritus alegres”. Este espíritu no es pasivo; es una fuerza activa que impulsa su generosidad, su capacidad para conectar con todos y su negativa a ser encasillada. Es el motor del espíritu memete de su tekoporã, la prueba de que el buen vivir no es solo un estado de armonía, sino una práctica gozosa y valiente de creación constante.

“Nací en Asunción el 26 de octubre de 1940 y renací en Villarrica ese mismo día”, expresa la artista, reafirmando su vínculo con la tierra y su espíritu de transformación constante.

Artista visual de múltiples lenguajes, investigadora de las formas primigenias, combina instalación de objetos, literatura y performance. Estudió en varios talleres de arte de Sudamérica, Europa, Estados Unidos y Japón.

Lucy dedica su vida a la investigación y transformación de papeles, fibras vegetales y reciclaje de objetos, sin descuidar las técnicas clásicas de pintura. Su incursión en la orfebrería la realizó en el taller del maestro Michael Oliver, experiencia que aplica a la reinterpretación de diseños de joyería colonial, y en el desarrollo de objetos de su vestuario personal.

Ha publicado recientemente “Vida de gatos”, libro que reúne haikus e ilustraciones.

* Curador de la muestra y director de la Casa Bicentenario de las Artes Visuales Ignacio Núñez Soler

Esta tarde, a las 19:00, se habi­litará la muestra “Imperma­nencia” en el marco de la celebración de los 85 años de la Maestra del Arte Lucy Yegros. El encuentro será en la Casa Bicentenario de las Artes Visuales Ignacio Núñez Soler, en Azara 845 c/ Tacuary, donde también habrá una feria de arte con obras de pequeño formato, artesanías, libros, danza, performance y música.

La exposición presenta trans­formaciones sobre fotogra­fías de Joachim Zangenberg, arquitecto y fotógrafo de Mun­chen, Alemania, a quien Lucy rinde homenaje. Artista visual de múltiples lenguajes, inves­tigadora de las formas primi­genias, combina instalación de objetos, literatura y perfor­mance.

En el contexto de la invitación abierta, la Maestra solicita como único obsequio alimen­tos no perecederos que serán entregados a comunidades indí­genas a través del Grupo Sunu de Acción Cultural. Se puede, además, hacer donaciones en su nombre a la cuenta de esa orga­nización, en el Banco Conti­nental 66-532202-01. La fiesta seguirá mañana, domingo 26, desde las 19:00, en el Bar Amé­rica (Dominicana 213).

Una Frida Kahlo amorosa, cálida y dueña de un humor chispeante se revela en los objetos y espacios de un nuevo museo que celebra la vida de esta artista mexicana, más allá del dolor y la crudeza de muchas de sus famosas pinturas.

El Museo Casa Kahlo abrió sus puertas hace apenas una semana en Ciudad de México de la mano de una sobrina nieta y dos sobrinas bisnietas de la artista como un homenaje íntimo a una tradición familiar marcada por el arte y la sensibilidad social.

Los afectos, la delicadeza de muy distintas expresiones artísticas y el amor por las tradiciones mexicanas se combinan en las memorias y piezas exhibidas, rebosantes del espíritu de una familia donde las mujeres han marcado la pauta.

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“Es una Frida tía, es una Frida hija, es una Frida situada en la intimidad y seguridad de una familia”, explica Adán García Fajardo, director y parte del equipo fundador del Museo Casa Kahlo.

La muestra incluye nueve obras originales y un sinnúmero de objetos personales, además de fotografías tomadas por su padre, Guillermo Kahlo. Este acervo es complementado por vistosos elementos digitales multimedia.

“Al ver este museo sabes más sobre ella, como Frida, no como la artista, sino como la mujer que era (...). Siento que era un lugar muy suyo, donde podía ser ella misma”, dice Aranza Vázquez, estudiante de 19 años, tras culminar su recorrido.

Ubicado en el tradicional barrio de Coyoacán en el sur de Ciudad de México, el recinto ha vivido numerosas encarnaciones en la historia familiar de los Kahlo. Fue casa de sus padres, sede de animadas tertulias de familiares y amigos, taller para los jóvenes pintores de los que Frida fue maestra y hogar de su hermana Cristina, a quien llamaba “la otra mitad de mi vida”.

La estrecha relación con Cristina tiene un espacio importante dentro de la muestra, dado que la casa fue un refugio de “sororidad” para la pintora en momentos álgidos de su vida, tanto emocionales como relativos a su frágil salud.

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“(Aquí) Frida se sentía segura, (...) venía a reposar del mundo de alguna manera, a distanciarse, a escuchar música, a crear, a escribir, a bocetar”, dice García Fajardo. En contraste con la Casa Azul, museo establecido en el que fuera hogar conyugal de Frida y el célebre muralista mexicano Diego Rivera, Casa Kahlo busca “desmonopolizar” su historia “construida desde visiones particulares y androcéntricas”, sostiene el director.

Fuente: AFP