El fotógrafo paraguayo Juanjo Ivaldi Zaldívar se instaló por primera vez en ese alejado territorio en 2009. Ahora vive en Seyðisfjörður, transformado por el contexto, un planeta distinto, como dice. El artista visual nos habla sobre la esencia de su nueva muestra y sus vivencias en la “tierra del fuego y el hielo”.

• Por Jimmy Peralta
• Fotos Juanjo Ivaldi

El pasado 17 de junio se habilitó en Islandia la muestra “Dejar apare­cer”, del fotógrafo paraguayo Juanjo Ivaldi Zaldívar, una propuesta coordinada por Auður Mikaelsdóttir que presenta un centenar de retratos de ciudadanos de Höfn, un pueblo de alrededor de 2.200 habitantes, donde el compatriota vivió un tiempo. “Dejar aparecer” es una forma de buscar pasivamente el momento artístico, tanto para permitir que este logre manifestarse, en este caso la imagen frente al observador, así como para el artista per­mitirse ver y captar la obra, en el caso de Juanjo, registrar con la cámara con el máximo respeto al retratado.

Ivaldi vive su segunda esta­día en la isla. En 2009 fue por primera vez, para vol­ver en 2014. Cinco años después volvió a instalarse y a revivir la conexión que le permite ese planeta que se le representa como Islan­dia, como paisaje y huma­nidad como contexto. “En el retrato, lo esencial no se fabrica: se revela”, cita el texto de convocatoria a la muestra. Juanjo habló con La Nación del Finde sobre esta iniciativa, su experien­cia en Islandia, y la búsqueda ética y estética que propone él con esta colección.

–Pensar en esto me llevó directo a una memoria de una sala de fotografía con un piso de ajedrez en el “Ins­tituto de la imagen”. Coinci­dentemente, la primera vez que escuché sobre Islandia fue en un curso de fotogra­fía que tomaba en Paraguay, allá por el 2006 o 2007, no recuerdo muy bien. Alguien puso música de Sigur Rós… ese sonido… lejano, como si viniera de otro mundo. Hoy, mientras te respondo a estas preguntas, vuelvo a poner Sigur Rós y preparo un café. Mi primer vínculo real con Islandia fue por Sunna, una mujer bellísima de estas tie­rras, a quien siempre voy a estar profundamente agra­decido por invitarme a llegar hasta acá. Con ella tuvimos una relación de jóvenes curio­sos en esos años, y un día me dijo: “¿Por qué no nos vamos a Islandia?” Yo le dije “¡Jaha!”. Y bueno, fue así como Islan­dia pasó de ser ecos sonoros (primero conocí su música), después solo imaginación, a convertirse en un hogar.

Llegar desde Paraguay en 2009, con 25 años, fue como aterrizar en otro planeta, Islandia es otro planeta. Recuerdo un paisaje más negro que verde: extensio­nes de lava, montañas, cie­los inmensos, inmensidad más inmensidad, bum, un aura boreal, 24 horas de día, 24 horas de noche y silen­cios. Hermosos silencios. No era el Islandia “turís­tico” de hoy, era un país más reservado, lleno de barrios y a la vez más salvaje. Esa naturaleza en todas sus for­mas, honesta, me atrapó de una forma que nunca ima­giné. Creo que, en ese pri­mer invierno, mientras la nieve caía sobre un pla­neta que apenas empezaba a conocer, supe que algo en mí también estaba cam­biando. Para siempre.

–Para mí, el retrato es una forma de crear un espacio con el otro. No es una impo­sición de la mirada, del “yo fotógrafo” quiero que vos persona hagas esto para que el “yo fotógrafo” sobre­salga. En mi experiencia, un retrato ocurre cuando el otro puede emerger, cuando no se lo interrumpe ni se lo fuerza a ser algo. En este sen­tido, lo diferencio de otras for­mas fotográficas que a veces buscan captar lo especta­cular, lo inmediato o lo evi­dente. El retrato, en cambio, es más lento. El retrato es espera. Uno se queda espe­rando un gesto, una pausa, un silencio donde algo del otro se revele. Es como transitar el mundo analógico de la fotografía. Suele haber un segundo donde la persona decide darte algo, o a veces se le escapa, porque siempre está ahí. En mi búsqueda del retrato, no trato de fabricar una imagen, sino dejar que algo que ya está, como la dig­nidad, una verdad, incluso una herida, se asome, de for­mas diferentes. Y cuando hay escucha, cuando hay tiempo, ahí entre dos personas, esa imagen puede convertirse en un espejo donde alguien se reconozca con una dignidad que quizás había olvidado. Por eso, para mí, retratar es también un acto de respeto.

–Esta última exhibición de retratos tiene sus raíces en una experiencia previa del año 2023, cuando trabajé junto a Greta Clough en una región del norte de Islandia. Allí realizamos una serie de entrevistas y retratos que cul­minaron en la muestra Fl(j)óð, una exposición fotográfica centrada en mujeres de ori­gen extranjero que vivían en Húnaþing Vestra. Comparti­mos las historias de 33 muje­res de la comunidad, cele­brando sus raíces y abriendo espacios de reflexión sobre el lugar que ocupan las mujeres inmigrantes dentro de la sociedad islandesa. Este pro­yecto fue muy bien recibido y tuvo buena cobertura mediá­tica en el país. Inspirada en esa experiencia, Auður Mikkels­dóttir se puso en contacto con­migo con la idea de hacer algo similar en Höfn, una localidad del sureste a donde llegamos juntos con Tess Rivarola en 2019 y donde vivimos por más de un año. Esta vez, el enfo­que estuvo puesto en las y los habitantes de la comunidad. Así comenzó esta nueva etapa.

Durante tres meses hice lo que más me gusta en la vida; manejar en ruta islandesa, escuchar música y fotogra­fiar. Viajé desde Seydisfjör­dur (un pequeño fiordo del este donde vivimos desde el 2020) a Höfn todos los fines de semana, unos 150 km, atravesando dos rutas de montaña que alcanzan los 600 metros de altitud y no pocas veces están cubiertas de niebla. Conocí y fotogra­fié a 114 personas. En cada encuentro conocí algo nuevo de esta cultura. Tomé café como nunca antes en mi vida. Acá cada vez que llegas a una casa no importa la hora que sea te invitan café. Cada per­sona me mostró algo nuevo de la forma de ver la vida que tienen los islandeses. Y así fue tomando forma la mues­tra: como un retrato colec­tivo que busca reflejar la diversidad del pensamiento, la memoria compartida y lo cotidiano de quienes habi­tan este rincón del sureste islandés.

–Una serie de fotografías puede narrar una historia, pero en esta muestra de retra­tos el hilo no es argumental. No hay un relato lineal, sino una atmósfera que se cons­truye desde la escucha. Para cada retrato, lo único que pedía era que la persona eli­giera el lugar donde quería ser fotografiada. Algunos esco­gieron sus casas; otros, los caminos donde pasean con sus perros. Algunos volvían a las granjas de sus abuelos, a los establos donde cuidan caba­llos, ovejas o gallinas. Esas elecciones no fueron casua­les: en esta serie de retratos el paisaje no es fondo, es parte del cuerpo. Creo también que lo que une estas imágenes es una intención compartida porque para ser retratado hay que querer ser visto.

En muchos de estos retratos se puede leer el arraigo pro­fundo que cada islandés tiene con su tierra. Para muchos, decir “soy de tal lugar” es un acto de orgullo. Y no es solo una frase: es literal. Algunos nunca salieron de su pueblo Son de ahí, y lo son a mucha honra. Cada persona retra­tada iba trayendo una nueva perspectiva; su forma de pen­sar. Y, sin embargo, algo se repetía, remitiendo a algo ya escuchado antes, al otro lado de la isla. Y así se fue tejiendo más o menos, una sensación de intimidad, de presencia, de pertenencia. Quizás lo que une estas imágenes no sea lo que se ve, sino lo que se intuye: una vibración, una confianza, una forma de mirar que no busca transfor­mar, curiosea. Lo que deseo es que cada retrato sea una puerta entreabierta entre la presencia y el misterio.

–El concepto de “dejar apa­recer” lo tomo prestado de Humberto Maturana, bió­logo chileno, quien plantea que amar es permitir que el otro sea, sin forzarlo a cum­plir con nuestras expectati­vas. Me quedó resonando, y con el tiempo entendí que eso también era lo que yo buscaba al retratar. Coincide con mi manera de aproximarme al retrato, no desde la dirección ni la construcción, sino desde la observación y la espera. Yo no me siento tanto un fotó­grafo que “arma” imágenes, sino alguien que observa, que acompaña. En el con­texto donde vivo, el “country­side” de Islandia, el tiempo se percibe de otra forma, las personas tienen otras for­mas de relacionarse. En el momento del retrato, las personas acá pueden llegar a ser muy cerradas para noso­tros los “sudacas”. Pero eso es una interpretación desde una expectativa del otro. Aquí, se vuelve clave ser observador, quedarse quieto. Acompañar el silencio entre los dos, acom­pasar el momento. Aquí no se pueden forzar las cosas. Entonces uno, como fotó­grafo, va generando el espa­cio, las condiciones donde la persona pueda mostrarse, si quiere, si lo siente. Puedo decir hoy que “dejar apare­cer” se ha vuelto para mí una ética del mirar y del convivir.

–Höfn es un pequeño pue­blo al sureste de Islandia, rodeado de playas negras, glaciares del Parque Nacio­nal Vatnajökull y montañas que respiran con el clima. Tiene tormentas de viento, neblinas… y unos amigos maravillosos. Llegamos allí con Tess Rivarola en mayo de 2019. Hay algo en su pai­saje: el viento te habla, o la luz cambia de golpe y te mues­tra otras formas. A primera vista puede parecer un lugar aislado, pero después de esta experiencia fotográfica me di cuenta de que tiene una vida comunitaria generosa. Vivi­mos un año con Tess en las afueras de Höfn, Hólmur, en una casa amarilla, con el gla­ciar como jardín. Después de esa experiencia armamos una exhibición en conjunto: con poesías de Tess y foto­grafías mías, que se llamó “Mirada extraviada”. Tess tiene mucho que ver con mi desarrollo como artista. Me empujó a buscar más pro­fundidad, a ir más allá. Exige como loca, y eso sirve muchísimo.

–Ahora vivimos en Seyðis­fjörður, en el este de Islan­dia, a 661 kilómetros de la capital. Mi vida hoy es bas­tante tranquila, ya no farreo tanto, también intensa en otros aspectos. En el día a día cocino, saco fotos, tomo helado, voy a nadar, chismo­seo con la gente, me plagueo… y otras cosas que no te voy a contar porque seguro que mi vieja va a leer esto. Siento que, en lugares como estos, donde el tiempo se mueve más lento, uno puede escuchar mejor. Mirar las cosas en sus dife­rentes formas y estados.

Escuchar a los demás, y tam­bién a uno mismo. La natu­raleza no es solo un com­plemento o una foto para Instagram: es un personaje más que convive entre noso­tros, con el que uno dialoga todos los días. Te guste o no. Reykjavik, Höfn, Seyðisf­jörður… Islandia me ha dado algo valioso: la posibilidad de mirar con más atención, de reinventarme, de sanar, de perdonar, de crecer de muchas formas. De vincu­larme con la gente de otra cultura, desde las diferen­cias y el respeto. Y de cons­truir un ritmo de vida más acorde con lo que necesito en este momento.

En el año de celebración de la guarania, se recuerda a su creador también con imágenes.

Con la curaduría del periodista e inves­tigador Antonio Pecci, seguirá abierta hasta el próximo miércoles 25 de junio la muestra fotográfica “José Asunción Flores, crea­dor de la guarania” sobre la vida y obra del gran músico paraguayo. Esta muestra se desarrolla en el Espacio Cultural Staudt (Iturbe 333 esquina Mariscal Estigarribia, Asunción) de la Secretaría Nacional de Cul­tura (SNC).

La colección expuesta consta de 25 imágenes históricas que retratan el recorrido vital y artístico del gran com­positor paraguayo de Punta Karapã: desde su infancia, su paso por la Banda de Poli­cía, hasta su llegada a Bue­nos Aires y su consagración internacional en Europa.

El Gobierno nacional declaró el 2025 como el Año Nacional de la Guarania, en conmemoración del cente­nario de la creación de la primera guarania, “Jejuí”, por el maestro José Asun­ción Flores. Este género musical propio del país fue catalogado como Patrimo­nio Cultural Inmaterial de la Humanidad en diciembre de 2024. +

El Espacio Cultural Staudt se mantiene abierto de lunes a viernes, de 8:00 a 15:00, y los sábados, de 9:00 a 20:00. Para visitas guiadas es nece­sario agendarse en el 0981 850-761. El acceso es libre y gratuito.

Un álbum de fotografías que ayudan a recrear la contienda se presentará próximamente. Su autor, Hugo Gunsett, las coloreó por computadora en un trabajo de años para honrar la memoria de los caídos y de los que volvieron con vida tras defender la integridad territorial de la patria.

• Por Jorge Zárate
• jorge.zarate@nacionmedia.com
• Fotos Gentileza

Hugo Gunsett es reser­vista de la Marina nacional y un día advirtió que no había imá­genes a color de la Guerra del Chaco (1932-1935). Así fue que deci­dió poner manos a la obra y munido de un programa de gráfica se dio a la tarea. Fruto de ese trabajo, en estos días pondrá a disposición del público el álbum de fotogra­fías “Héroes de la Guerra del Chaco”.

Estudiante de diseño gráfico y computación, aprendió de manera autodidacta dibujo y pintura. “Un día vi en internet fotografías coloreadas de la Primera Guerra Mundial y me puse a buscar algunas de la gue­rra del Chaco. Como no había, pensé en hacerlo”, cuenta.

Ya lleva más de 10 años haciendo que las fotos pasen de su blanco y negro origi­nal al color. “A través de un proceso por computadora, sin utilizar inteligencia arti­ficial, usando una paleta de colores y el mouse, voy dando color pixel por pixel a la foto­grafía. Un trabajo arduo que a veces lleva horas y depende del tiempo, la complejidad y los detalles de la foto, puede llevar días”, comentó.

Gunsett se alegra de las devo­luciones que le va dando la gente cuando observa su tra­bajo en una exposición itinerante que ofrece en escue­las, colegios y en el Museo Naval. También llegó a viajar con su exposición a bordo del cañonero Paraguay hasta Pilar, donde expuso por una semana.

“La gente desconoce que no había fotos a color y se sor­prende con el resultado, las reproduce con su celular, es lindo ver el cambio en los ros­tros”, dijo. También “cuando le presento a nuestros com­batientes que están en las fotos y por primera vez ven el rostro y los reconocen, esto hace parte de nuestra memo­ria visual”, expone.

Entiende que es también un homenaje a los excombatien­tes. “Todavía quedan algunos héroes con vida, cuatro o cinco si no me equivoco. Por eso la primera exposición que hice fue para honrarle a los vete­ranos que aún quedaban con vida ya por el año 2014. Fue al costado del Panteón, donde recordamos que en el Chaco quedaron 33.000 soldados”.

Y agrega: “Este es mi home­naje para todos los caídos y para los que combatieron y volvieron con vida, muchos de ellos lisiados y mutilados. Hay un refrán que dice ‘un soldado no muere en el campo de bata­lla, muere cuando su pueblo lo olvida’. Y mientras no los olvi­demos como pueblo, entonces ellos seguirán vivos en nues­tros corazones”.

El autor expone que “la gue­rra del Chaco es un poquito más cercana a este tiempo que la guerra del 70, pero extra­ñamente es una guerra bas­tante ignorada”, reflexiona llamando a recorrerla en un volumen de gran impacto visual, que enseña con el poder de la imagen entretelones de un hito histórico nacional.

“Mi misión es enseñar en la charla a los niños, jóvenes y adultos, porque tengo mate­rial audiovisual especial­mente diseñado para escue­las y colegios que quieran ver estas fotografías. Les animo a que me envíen la invitación y coordinamos un día para que yo pueda llevar también a nues­tros héroes a las escuelas y cole­gios para que sean testigos del valor y la entrega y el amor a la patria de nuestros héroes”, propone.

“Mi objetivo final sería conseguir un espacio para poder crear un museo con fotos a color de la guerra del Chaco”, dice Gunsett. Allí estarían expuestas fotografías de manera permanente “para que la gente pueda asistir, ver quiénes eran nuestros héroes, los lugares donde se combatieron, los vehículos que teníamos y de esta forma mantener viva la memoria de nuestros héroes”. El autor del libro de fotografías coloreadas entiende que sería bueno tener un lugar “donde niños, jóvenes y adultos puedan ver a nuestros héroes de una forma total­mente distinta a lo que siempre se ha visto en blanco y negro. Sería una forma de honrar de manera permanente a los que dieron la vida, los voluntarios extranjeros y los que sobrevivieron a la guerra”, apunta.

Quien se interese en el trabajo de Gunsett puede contactarlo al (0982) 075-244 o seguirlo en sus redes sociales: “Quiero aclarar que la venta de los cuadros, de los álbumes, me sirve para tener un fondo y de esta forma realizar las exposiciones, mandar hacer los encuadres de las foto­grafías, para la movilidad y llegar a los puntos a los cuales soy invitado y de esta forma poder dar esta charla y mostrar el trabajo”, concluye.

• Barcelona, España. AFP.

La mirada innovadora y profunda de la fotógrafa Graciela Iturbide fue galardonada este viernes pasado con el Premio Princesa de Asturias de las Artes 2025, para quien las potentes imágenes de la mexicana invitan “a mirar más allá de lo visible”. El jurado ensalzó igualmente en su decisión el “mundo propio” de Iturbide, que abarca “desde lo primitivo a lo contemporáneo; desde la crudeza de la realidad social hasta la magia espontánea del instante”, según el acta que acompañó el fallo del premio convocado por la Fundación Princesa de Asturias, la heredera al trono español.

Nacida el 16 de mayo de 1942 en Ciudad de México, Iturbide comenzó estudios de cine, pero se interesó por la fotografía tras asistir a las clases de Manuel Álvarez Bravo (1902-2002), contemporáneo y amigo de gigantes como el francés Henri Cartier-Bresson.

La joven fotógrafa empezó a acompañarle al inicio de los años 1970 por todo México, pero pronto tomó su propio camino, que le llevó a recorrer a fondo su país, al que miró con profundidad, así como numerosos lugares de Latinoamérica y del mundo, retratados en sus icónicas imágenes en blanco y negro. “Para mí las fotos son la manera (...) de conocer el mundo. Y pasas del ser humano al paisaje. Y ahora el principio del mundo”, indicó en una entrevista con la AFP en 2022.

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Con una premiada producción, Iturbide es autora de obras clásicas de la fotografía contemporánea, como su serie sobre los indios seri, en el desierto de Sonora (noroeste de México, 1978), o su libro “Juchitán de las mujeres”, sobre un pueblo del estado sureño de Oaxaca.

De su objetivo, sin embargo, también salieron otras aplaudidas imágenes captadas por el mundo, como la serie sobre India que realizó junto al brasileño Sebastiao Salgado.

“Para ser buen fotógrafo hay que tener pasión y disciplina, nada más. Y puede ser a la vuelta de tu casa si quieres. Pero claro, si quieres conocer el mundo y tienes una cámara, es maravilloso”, explicó en su encuentro con la AFP.

Su obra fue expuesta en centros de gran relevancia artística mundial, como el Centro Pompidou de París, el San Francisco Museum of Modern Art, además de valerle numerosos reconocimientos.

Oficial de la Orden de las Artes y las Letras de Francia, o doctora honoris causa por el Columbia College de Chicago, Iturbide recibió también el Premio Nacional de Ciencias y Artes de México o el William Klein de la Academia de Bellas Artes francesa.

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El de Artes ha sido el cuarto de los ocho galardones de esta edición de los premios, considerados los más prestigiosos del mundo iberoamericano, que cada año, y normalmente a ritmo de uno por semana, otorga la Fundación Princesa de Asturias.

Este debía haber sido el primero de la serie de 2025, pero el masivo apagón eléctrico que afectó a la península ibérica el 28 de abril obligó a posponer el fallo previsto para esa semana.

El año pasado, en esta categoría, el reconocimiento fue para el cantante y compositor español Joan Manuel Serrat, una voz esencial para varias generaciones de españoles y latinoamericanos, distinguido “por el alcance de una trayectoria artística que trasciende la música”.

En otras ediciones también fueron premiados en este apartado músicos como Ennio Morricone, Paco de Lucía y Bob Dylan, así como figuras del cine como Meryl Streep, Woody Allen o Pedro Almodóvar, o arquitectos como Óscar Niemeyer.

Este año ya se fallaron el Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades, que recayó en el filósofo y ensayista alemán de origen surcoreano Byung-Chul Han, y el de las Letras, concedido al español Eduardo Mendoza, por ser un “proveedor de felicidad para los lectores”. El pasado miércoles se desveló también el de Ciencias Sociales, que fue para el sociólogo estadounidense Douglas Massey.

Estos premios, instituidos en 1981, están dotados con 50.000 euros (unos 56.600 dólares) y una escultura creada por el fallecido artista catalán Joan Miró. Los galardones, que toman su nombre del título de la heredera al trono de la Corona española, la princesa Leonor, son entregados por ella y los reyes Felipe VI y Letizia en octubre en una ceremonia en Oviedo, capital de Asturias.