“La bola negra”, el drama con el que España espera competir en los Óscar, fue ovacionada el martes en el Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF), a donde llegó como parte de su gira en el circuito europeo y norteamericano. El drama dirigido por Javier Ambrossi y Javier Calvo tuvo su estreno canadiense en el festival la víspera de que España seleccionara la cinta en la disputa por la mejor película internacional en los Óscar de 2027.

“Estamos muy emocionados”, dijo Ambrossi a la AFP tras la proyección. La cinta debutó en Cannes, donde conquistó el premio a la mejor dirección para Ambrossi y Calvo, conocidos como “Los Javis”, ex aequo con el realizador Paweł Pawlikowski (“Fatherland”). Protagonizada por Penélope Cruz, Glenn Close y Miguel Bernardeau, “La bola negra” entrelaza las historias de tres hombres gays durante diferentes épocas en España.

“Es una película sobre la empatía y la humanidad, sobre ver al otro como una persona”, dijo Calvo en una rueda de prensa en el marco del TIFF. “Es un homenaje a la comunidad LGBTQ+ que nos precedió y que luchó antes que nosotros. Así que queríamos hacer algo grande”, comentó Ambrossi, para quien la historia se reveló a medida que la desarrollaban.

“Al principio, era algo frágil e íntimo, pero entendimos que detrás había una declaración política: que podíamos hacer un drama gay épico para todo el mundo”. “Hay muchos países que todavía tienen leyes contra las personas LGBTQ+, y en muchos países te pueden matar por ello. Así que no es que tengamos que ir muy lejos para entender de qué queríamos hablar”, dijo Ambrossi.

El punto de partida para “Los Javis” fue una obra incompleta titulada “La bola negra”, que escribió Federico García Lorca, el poeta fusilado en Granada, a manos de fuerzas vinculadas al bando franquista al comienzo de la Guerra Civil española. Calvo explicó que las cuatro páginas de este trabajo inédito les despertaron su curiosidad.

“En la primera página tenemos los nombres de los personajes(...), el padre, la madre, Enrique Lorenzo. Pero de repente se vuelve más mágico, y aparecen los esquiadores, la nieve. Nos atrajo y comenzamos a investigar”, comentó. A partir de allí, los realizadores se sumergieron en la obra del autor, desde sus obras y correspondencia hasta todas sus biografías.

“Nos obsesionamos con su trabajo”, dijo Calvo. “Fueron años de trabajo”. El TIFF culmina el 20 de septiembre. La Academia revelará en los próximos meses la lista de las candidatas internacionales presentadas por cada país, y en diciembre debe anunciar las 15 preseleccionadas para la disputa. Las cinco nominadas al Óscar a la mejor película internacional se conocerán en enero, junto al resto de las categorías.

Fuente: AFP.

La película “Narciso”, dirigida por el cineasta paraguayo Marcelo Martinessi, fue elegida por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas del Paraguay para representar oficialmente al país en la carrera por los Premios Óscar 2027, en la categoría de Mejor Película Internacional, y en los Premios Goya 2027, como Mejor Película Iberoamericana. La selección se concretó tras una votación llevada a cabo por los miembros de la entidad gremial.

Ambientada en el Paraguay de 1959, la trama transporta al espectador a una sociedad asfixiada por el régimen militar, el silencio y el miedo. La historia sigue el retorno de Narciso desde Buenos Aires, un joven carismático y rebelde que introduce la cultura del rock & roll, convirtiéndose en un fenómeno radial para la juventud y en una amenaza directa para los valores de una estructura conservadora. Se inspira libremente en la novela “Narciso” de Guido Rodríguez Alcalá (2016) sobre el trágico crimen del popular locutor Bernardo Aranda, ocurrido en Asunción en septiembre de 1959.

El conflicto se desencadena de forma trágica tras un show del protagonista, cuando su cuerpo aparece calcinado. Este crimen enigmático destapa un entramado de deseos reprimidos, hipocresía social y opresión política, cuya magnitud trasciende el caso individual para retratar las fracturas estructurales que terminaron moldeando el curso histórico del país.

El filme reúne a un elenco encabezado por Diro Romero en el papel de Narciso, junto a reconocidos actores como Manuel Cuenca (Lulu), Arturo Fleitas (Drácula), Margarita Irún (Goya), Mona Martínez (Nenucha) y el destacado actor argentino Nahuel Pérez Biscayart (Mister Wesson). La producción apuesta a una estética cuidada para reconstruir la atmósfera de finales de la década de 1950.

Con este anuncio, la Academia de Cine del Paraguay reafirma su compromiso con la proyección internacional de la cinematografía nacional en los espacios más codiciados de la industria global. La postulación de “Narciso” en las etapas de preselección de la Academia de Hollywood y de la Academia de España ofrece una plataforma clave para visibilizar el cine nacional, sus narrativas históricas y el talento técnico del país.

El proyecto lleva el sello autoral de Marcelo Martinessi, uno de los realizadores más prestigiosos de la región. El cineasta paraguayo ya obtuvo el reconocimiento de la crítica internacional con su cortometraje “La voz perdida” (Mejor Cortometraje en el Festival de Venecia 2016) y con su ópera prima “Las herederas”, galardonada con dos Osos de Plata en la Berlinale 2018 y estrenada comercialmente en más de 30 países.

Zach Cregger, fan consumado de “Resident Evil”, se propuso apenas un objetivo para esta nueva adaptación del famoso videojuego a la pantalla grande: mantenerse inmerso en el formato. Para ello el aclamado director decidió apoyarse en el lenguaje audiovisual de los videojuegos al momento de rodar, igualando la perspectiva del espectador con la del protagonista Austin Abrams.

“(Quería) permanecer fiel al espíritu de los juegos (...) Es un nuevo personaje, pero la historia debe sentirse como se siente el videojuego”, dijo Cregger en entrevista con AFP. Cregger optó por colocar el lente detrás de Abrams “y, mientras él se mueve, la cámara gira para mostrar lo que está mirando”. “Hay mucha coordinación entre él y el operador de cámara para asegurarnos de que se sienta como un videojuego o como una vista en primera persona”. El realizador también tomó del formato el ritmo y la evolución del armamento. “Comienzas con una pistola, y luego una escopeta, y luego una ametralladora. Todo eso viene del videojuego”, comentó Cregger.

“Resident Evil”, que llega a los cines estadounidenses este viernes, sigue a Bryan (Abrams), un mensajero que extiende su turno nocturno para trasladar un paquete desde un hospital. Una encomienda ordinaria que se convertirá en una pesadilla.

Cregger, director de la exitosa “La hora de la desaparición”, se inclinó más hacia el terror que hacia la acción en esta nueva adaptación cinematográfica de la franquicia.

“Quería apostar de lleno por el terror y por esa sensación de angustia que va creciendo lentamente y que los juegos han logrado transmitir tan bien a lo largo de toda la saga”, dijo. Para las escenas de acción, Abrams aumentó ligeramente de peso y entrenó un poco, pero no quiso pasar por una significativa transformación física.

Desde su perspectiva, Bryan tenía que lucir como alguien que no necesariamente se ejercitaba a diario. “Una parte del desafío era que quería que el personaje no luciera como alguien que podía enfrentar esto”, dijo Abrams a AFP.

“Mientras más en forma, más vas a sentir ‘ok, quizás puedes lograr esto’”. El actor de 30 años confesó que nunca había jugado “Resident Evil” hasta que consiguió el protagónico.

Ahora está familiarizado con la franquicia y no cree que sobreviviría si el calvario que enfrenta Bryan ocurriera en la vida real. La historia de “Resident Evil” ya había sido adaptada al cine por directores como Paul W. S. Anderson.

Cregger es consciente de que su abordaje puede no satisfacer a muchos fans que esperaban la inclusión de determinados personajes o líneas narrativas del videojuego, pero se mantuvo fiel a su visión.

“Lamento que esta película no sea eso, pero siento que si hubiese hecho eso, lo habría arruinado”, dijo. “Para mí, lo mejor es contar una historia original que celebre todo lo que amo de los videojuegos”.

Fuente: AFP.

Con su característica voz pausada, el cineasta chileno Patricio Guzmán, fallecido el martes, mostró como pocos el golpe que derrocó a Salvador Allende y la lucha por la memoria tras la dictadura, sobre todo con documentales como “La batalla de Chile” o “Nostalgia de la luz”. Guzmán, que vivió en el exilio gran parte de su vida, especialmente en Cuba, España y Francia, donde residió hasta su muerte a los 85 años, abordó la historia chilena en la mayoría de los documentales que marcaron su filmografía.

El Ministerio de las Culturas de Chile destacó que Guzmán “construyó un legado que trascendió” las fronteras y “seguirá dialogando con las nuevas generaciones”. “El documental es una red que arrojas y sacas lo que te interesa. Gracias a este ejercicio se puede dar cuenta del estado de ánimo de un país”, afirmó hace unos años el cineasta que vivía en París.

Una de sus primeras obras, la trilogía de “La batalla de Chile”, filmada entre 1972 y 1973, sobre el gobierno del socialista Salvador Allende y su derrocamiento en un golpe de Estado, sentó las bases de su cine. El rodaje de estos tres filmes, considerados entre los grandes documentales políticos de la historia, se prolongó hasta el mismo día del golpe de Estado, el 11 de septiembre de 1973, que dio inicio a la dictadura de Augusto Pinochet (1973-1990).

Guzmán estuvo detenido dos semanas en el Estadio Nacional de Santiago y luego logró salir del país con el material que había grabado. En Cuba pudo montar las tres partes, y las dos primeras fueron presentadas en el Festival de Cannes.

En el exilio, siguió realizando documentales, como “En nombre de Dios” (1987) sobre el papel de la Iglesia católica chilena frente a la dictadura, o “Salvador Allende” (2004).

“El documental siempre va a ser peligroso, entre comillas, porque cuenta la verdad, porque no tiene miedo. Siempre tendrá un costado subversivo y un costado marginal”, dijo en otra ocasión.

Nacido en Santiago de Chile en 1941, en el seno de una familia más bien modesta, cursó estudios de Filosofía, pero acabó dejándolos para ponerse a trabajar en el campo de la publicidad, donde descubrió el mundo audiovisual. A finales de los años 1960, tomó todos sus ahorros para viajar a Madrid y estudiar cine.

Su filmografía está marcada por una quincena de documentales, casi todos sobre la historia reciente de su país.

“Todo creador tiene un tema obsesivo, que lo llena. Para algunos es una ciudad, una persona y, para mí, es la memoria de este país. No puedo avanzar si no recurro a ella. Es mi ventaja y mi limitación”, aseguró el director.

En “Nostalgia de la luz” (2010), Guzmán reunió de forma poética e inusual a los científicos que observan las estrellas en el desierto de Atacama, en el norte de Chile, con las madres que remueven la tierra árida para encontrar los restos de sus desaparecidos.

Cinco años después, en “El botón de nácar”, viajó al sur del país y volvió a utilizar la metáfora, esta vez a través del mar, para dar voz a los indígenas de la Patagonia.

“Tienes que filmar la sociedad y sus problemas sociales, políticos e ideológicos, pero desde el punto de vista de un poeta. Si no lo haces con sentido cinematográfico te queda un panfleto o una película que va a durar muy poco tiempo”, comentó el cineasta.

Con “La cordillera de los sueños” (2019), que ganó el Ojo de Oro en Cannes al mejor documental, exploró los Andes como testigo inmutable de los años de represión.

Su infatigable labor contra la desmemoria se cerró con “Mi país imaginario” (2022) sobre el estallido social que sacudió a Chile en 2019.

“Un país que no tiene cine documental es como una familia sin álbum familiar”, solía decir.

Fuente: AFP.