La Orquesta Sinfónica del Congreso Nacional (OSIC) y a su director, Diego Sánchez Haase, fueron distinguidos ayer martes por la Cámara de Diputados con la Orden Nacional al Mérito Comuneros. Fundada en el año 2012, está integrada por destacados músicos paraguayos seleccionados mediante un riguroso concurso de admisión y cuenta con la dirección del reconocido compositor, pianista y clavecinista compatriota.

Según la exposición de motivos, la Orquesta Sinfónica del Congreso Nacional del Paraguay es una agrupación musical dependiente del Centro Cultural de la República “El Cabildo”, brazo cultural del Congreso Nacional. La diputada Rocío Vallejo, proyectista de la condecoración, señaló que “otorgar este galardón significa honrar su invaluable compromiso con el rescate de nuestra propia memoria musical”.

Además de la conducción de la OSIC, Sánchez Haase se desempeña como presidente de la Sociedad Bach del Paraguay y director de la Casa Bicentenario de la Música “Agustín Barrios Mangoré”. A lo largo de su trayectoria ha sido distinguido con numerosos premios nacionales e internacionales, consolidándose como una de las figuras más relevantes de la música académica paraguaya.

Por su parte, la Orquesta del Congreso desarrolla una intensa agenda artística mediante ciclos de conciertos como el Ciclo Oficial Internacional, “Música en los Palacios de Asunción”, “Música de Esperanza”, “La Magia del Piano”, “Te Cuento una Música”, dirigido al público infantil, la “Semana Bach” y los conciertos de Extensión Cultural.

Asimismo, la orquesta impulsa la creación y difusión de la música contemporánea a través de concursos de composición, residencias artísticas y el encargo de obras a compositores nacionales y extranjeros. En el ámbito de la ópera contemporánea, realizó los estrenos mundiales de las óperas “Pancha y Elisa”, de Diego Sánchez Haase, y “Océano” y “Universo”, del compositor italiano Girolamo Deraco.

En 2016 grabó su primer material discográfico, “Sonata Paraguaya”, una producción dedicada a obras de compositores nacionales. Más recientemente, en 2026, protagonizó un acontecimiento histórico al interpretar la Novena Sinfonía de Beethoven por primera vez en idioma guaraní —tanto en su variante indígena como coloquial—, hecho que tuvo amplia repercusión internacional.

El productor musical estadounidense Clive Davis, figura emblemática de la industria y artífice de los éxitos de Whitney Houston, Aretha Franklin, Bruce Springsteen y Santana, murió el lunes a los 94 años, anunció su familia. Davis abrazó géneros que iban desde el rock & roll y el jazz hasta los inicios del hiphop y el pop, y con frecuencia fichó a artistas poco conocidos —Barry Manilow entre ellos— que luego alcanzarían el estatus de superestrellas.

“Hoy rendimos homenaje no solo a una figura destacada cuya influencia cambió la música para siempre, sino también al hombre que guió a nuestra familia con elegancia, generosidad y amabilidad”, declaró la familia Davis en un comunicado en X. Sus allegados no informaron la causa de la muerte, pero la revista Rolling Stone dijo que Davis había sido hospitalizado a finales de mayo por problemas respiratorios.

En 1983, Davis vio cantar a Whitney Houston en un club nocturno de Nueva York, cuando ella tenía solo 19 años. Fascinado por su voz, la contrató inmediatamente para Arista Records y dedicó años a buscar los productores y las canciones perfectas para lanzar su carrera.

“Apoyó a los mejores artistas de la historia de la música moderna, dejando una huella indeleble en la cultura que perdurará durante generaciones”, dijo la familia. De Janis Joplin a Earth, Wind & Fire, de Aerosmith a Billy Joel, de Patti Smith a Alicia Keys, descubrió, impulsó y llevó a la cúspide a un gran número de artistas entre los más célebres de la segunda mitad del siglo XX.

Ganador de varios premios Grammy, presidió Columbia Records desde 1967 hasta 1973. Fundó luego Arista Records, que dirigió desde 1974 hasta 2000, cuando lanzó otro sello, J Records. También se desempeñó como director ejecutivo de RCA Music Group y llegó a ser director creativo de Sony Music Entertainment, cargo que ocupó hasta edad avanzada.

Fuente: AFP.

• Jimmi Peralta
• Fotos: Gentileza

El cantautor paraguayo Fer Velázquez (33) lanzó el sencillo “Sueño o realidad”, una canción inspirada en la selección paraguaya y en lo que representa para los seguidores del fútbol cada hazaña y cada derrota. Cantautor y periodista, Fer viene de presentar dos EP, “T-Surge” y “Perdiendo el control”, abordando diversas tématicas y géneros musicales. En este último trabajo tuvo el acompañamiento en la producción y guitarra de Willy Chávez.

La Nación/Nación Media conversó con Velázquez sobre su vínculo con la música, su trabajo compositivo y su nueva canción en el contexto de la Copa Mundial de Fútbol 2026, una competencia a la que Paraguay volvió tras 16 años de ausencia.

–¿Cómo surge la idea de esta nueva canción dedicada a la selección?

–La nueva canción “Sueño o realidad” fue inspirada tras el partido de Paraguay ante Bolivia, donde Julio Enciso convirtió el segundo gol agónico, desatando los festejos, euforia y felicidad de todos por acariciar la clasificación. Recuerdo que tenía solo las frases iniciales del tema después de llegar de los festejos y decía “Cuánta alegría, señor, cuánto baila ese 10, el sueño de un pueblo que quiere volver a creer”. Posteriormente la hice más genérica y la cambié por “Tanta alegría por volverte a ver”, pero inicialmente me inspiró ese gol, cómo la felicidad de ese gol, el baile de celebración y cómo terminamos celebrando todos frente al Panteón de los Héroes. Ahí nadie recordaba sus problemas, nadie estaba preguntándose por mañana, todos estaban disfrutando ese momento, algo que quizós solo el fútbol y la música te pueden ofrecer.

–¿El fútbol ocupa un lugar importante en tu vida?

–De chico practiqué en el club de mis amores, la academia, el Club Nacional, el club de mi padre, de mi abuelo y mis hermanos. Hubo un tiempo en el que no faltaba a ningún partido y fue otra de las conexiones con mi padre, porque los hombres a veces no expresamos muchas cosas que nos pasan. Recuerdo que mi papá nunca había visto salir campeón a Nacional, tenía como 56 años cuando eso, yo fui a la cancha, él no por cábala. Al llegar nos abrazamos y lloramos. Nunca había visto llorar a mi papá y hasta hoy es frecuente ver el partido en familia, a veces ir a la cancha.

–¿Sentís que la sociedad de alguna forma proyecta también cosas en el fútbol como en la música?

–El fútbol es algo mucho más masivo, algo más en conjunto, no distingue color, sexo, ideología, es transversal a cualquier clase social, es celebrado tanto por intelectuales como por las masas, por toda la familia. En cambio, la música es más personal, la misma canción puede no gustar o identificar a todos en ese mismo momento. La música te acompaña en varias etapas de la vida y te encuentra en diferentes momentos. A veces entiendes el mensaje recién cuando te pasa eso. El fútbol es multitud, es pasión, es unidad en un país o mundo dividido, desigual. Ningún artista puede hacer feliz a todo un país como un gol a los 90. El fútbol nos lleva a pensar que todo es posible, nos traspola a nuestra vida y metas personales. Todos proyectamos aquello que buscamos. Al final, como diría Camus, el acto de intentar es el único absurdo que realmente importa.

–Venís grabando y publicando con autogestión. ¿Cuál es el motor que impulsa tu proyecto?

–En Paraguay no existe una industria desarrollada para los artistas, hay varias estructuras que convergen, pero siempre recae en uno seguir creando, siempre depende de uno poner de su parte para desarrollar lo que le gusta. Uno debe encontrar su nicho, su mercado. En mi caso, sigo en la búsqueda de conectar con la gente, de que también sepan que hacemos cosas buenas. Soy músico independiente y sostengo mi carrera de solista con el trabajo que hago como periodista, pagando por producción, músicos sesionistas, fotos, diseños, registro de autor, todo lo hago yo mismo. Me he quedado varias veces sin aguinaldo siguiendo mi sueño de hacer música. –El sonido al que apostás es no solo multiinstrumental, sino bien de banda. ¿De dónde vienen tus influencias sonoras?


–Mi sonido fue mutando de acuerdo a los productores con los que he trabajado. Al principio y en esencia, soy solo yo y mi guitarra, pero cuando uno entra a un estudio, se van sumando cosas, desde la perspectiva del productor, sus propias influencias y lo que uno busca. También tuve bandas, pero al ser una persona muy ansiosa no me gusta perder el tiempo entre las dudas o tener que esperar a que el otro se decida a grabar su parte, por lo que fui optando por productores y músicos sesionistas.


–Trabajaste dos EP. ¿Qué cosas en común y qué diferencias tienen ambos trabajos?


–“T-Surge” fue trabajado con Guille Sepúlveda de la Pieza Musical, un músico multiinstrumentista que le dio colores a diferentes canciones y estilos. Pasó un tiempo y coincidí con el hermano de Willy Chávez, a quien siempre admiré en lo personal como guitarrista. Jamás pensé que podíamos producir juntos y tener el placer de hacer canciones, incluso componer. Hubo un cambio entre un álbum y otro, porque en el primero buscaba agradar o llegar al público y en el segundo solo buscaba grabar las canciones que a mí me gustaban.


–¿Cómo enfocás, siendo vos alguien que también trabaja de escribir, la relación entre sonido y texto? ¿Hay prioridades?


–En mi caso, creo que la letra y melodía ya marcan hacia dónde ir, porque mis composiciones tienen ya un sonido e idea de lo que busco. En el caso con Willy, terminó potenciando y sonando como incluso nunca me imaginé, aportándole todo su talento y producción. Creo que fue un salto enorme entrar a un estudio con él, ver cómo iba armando la canción desde lo básico que le había llevado yo y darme la oportunidad de elegir entre solos de guitarra, ver cómo canciones que tenía guardadas cobraban fuerza y terminaron siendo algo de lo que me siento orgulloso.

El director y creador de televisión estadounidense James Burrows, detrás de las cámaras de series como “Friends”, “Cheers” y “Taxi”, murió a los 85 años, informó su familia el viernes. “Celebramos la extraordinaria vida y perdurable legado de James ‘Jimmy’ Burrows, quien murió pacíficamente hoy”, dijo su familia en un comunicado. El lugar y hora de su muerte no se reveló.

Burrows ganó 11 premios Emmy a la excelencia en televisión y dirigió más de 1.000 episodios de grandes programas, en los que también trabajó como productor y guionista. Fue uno de los primeros innovadores de las comedias de situación filmada con varias cámaras. Su prolífica carrera empezó en la década de 1970, cuando dirigió episodios de “The Mary Tyler Moore Show”, “Laverne & Shirley” y “The Bob Newhart Show”.

Su primer Emmy llegó por la dirección de “Taxi”, una innovadora comedia protagonizada por Danny DeVito, Andy Kaufman y Tony Danza sobre el difícil personal de una empresa de taxis en Nueva York.

Dirigió 236 episodios de “Cheers”, que creó junto con su colaborador de vieja data James Brooks, así como su serie derivada “Frasier”. Otros de sus éxitos incluyen “The Big Bang Theory” y “Mike & Molly”.

Recientemente, dio el inusual paso para estar frente a la cámara al interpretarse a sí mismo “The Comeback”, en la que se reunió con Lisa Kudrow, una de las protagonistas de “Friends”.

“Durante más de cinco décadas, Burrows fue uno de los directores más influyentes y queridos en la historia de la televisión. Como un director legendario, maestro y fuerza creativa, ayudó a formar generaciones de comedia y dio alegría incalculable a audiencias de todo el mundo”, dijo su familia.

Fuente: AFP.