La exposición “Todo el tiempo del mundo” ofrecerá un recorrido de cuarenta años a lo largo de la producción del artista Enrique Collar, uno los creadores más relevantes de la escena artística actual del Paraguay. Con curaduría de Fernando Moure, la muestra estará habilitada el miércoles 29 y el jueves 30 de abril, en el horario de 10:00 a 18:00, en Casa Ardissone, ubicada en 25 de Mayo 871 entre Tacuary y Estados Unidos, en Asunción.

Esta reunión antológica de piezas, proveniente de los fondos de la Colección Popa (Poletti-Pappalardo), está compuesta mayormente por pinturas de la fase inicial del artista, comprendidas entre 1989 y 2003. La muestra funciona como un recorte cronológico y ofrece la oportunidad para estudiar el tiempo y el espacio del artista mediante un cuerpo de obras excepcional y reunido para la ocasión.

Realizado mediante una curaduría ocupada en otorgar un lugar visible al aporte de Collar en la actualización visual del territorio y el paisaje locales, el resultado ha sido una temporización con acento en la última década del siglo pasado y en la primera del XXI.

Nacido en Itauguá Guazú, Paraguay, 1964, crecido en Buenos Aires y afincado en Holanda hace más de dos décadas, el artista Enrique Collar reúne en este arco de cuarenta años un campo activo de sentido: todo ese tiempo constituye la materia invisible que atraviesa cada pintura. El tiempo ya no es un marco, sino el contenido mismo de la obra.

Lo importante de esta pintura es entender que aquí el espacio no es un fondo neutro sino una extensión política del cuerpo. Las figuras aparecen siempre en situación: esperan, se miran, caminan, conversan, se tocan, se agrupan. Estos gestos aparentemente cotidianos constituyen, en realidad (o para quienes las artes son termómetro socio-cultural de la humanidad) una operación de alta intensidad histórica y hasta de giro, de consciencia afectiva.

Los cuerpos de niños, adolescentes, jóvenes y ancianos rurales desbordan empatía y autenticidad, atentos a la honda penetración humanista del pintor. Los cuerpos campesinos se instituyen en estas imágenes como sujetos de escena, presentes, y nunca como víctimas.

Al contemplar estas imágenes es importante entender que la piel marrón de los retratados aparece como identidad y emblema de un cruce genético total, el paraguayo, dando fe y testimonio del mestizaje. Las y los campesinos atrapados en estos lienzos, grabados y películas, son operadores de espacialidad, modifican la circulación de la mirada y alteran el equilibrio simbólico hegemónico de las relaciones de raza y clase.

En estas escenas de Collar existe una coreografía contenida que recuerda la projimidad, la lógica del grupo, o hasta cierta política del contacto humano. El roce de brazos, hombros, piernas y miradas construye micro-geografías de valor colectivo, de apoyo mutuo, de resistencia cotidiana. Este cuerpo campesino es como parte de una ecología relacional con su entorno, una estructura de supervivencia afectiva y espacial.

El espectador es convocado a interpretar una narrativa social, y, felizmente, a reorganizar su propio posicionamiento frente al cuerpo mestizo, moreno o marrón. La escala, la cercanía visual, la frontalidad y la geometría compositiva generan una situación perceptiva donde la distancia con modelos tradicionales del costumbrismo o el pintoresquismo, se vuelve crítica o al menos, nos impulsa el pensamiento activo sobre sujetos tradicionalmente periféricos en la representación occidental de la pintura.

Insistiendo en la dimensión política de estas obras, el trabajo de Enrique Collar también importa porque no busca traducir la experiencia campesina periférica para un público hegemónico. La sitúa como centro estructurante de la escena, y al hacerlo, amplía su campo de representación, orgulloso, empoderado, como se dice hoy en día.

Reconfigurando prejuicios, el trabajo de Collar se despliega como una práctica de desplazamiento constante, atravesado por una lógica nómada que funciona como una forma de estar en el mundo (casi un reflejo de su vida errante). Su producción se construye desde una memoria tremenda, en el movimiento, la vitalidad y la atención a los entornos que habita y atraviesa.

Todas estas etapas, en las que incluimos el grabado y el cine, dialogan entre sí, reaparecen, se transforman y se reescriben en el tiempo. Lejos de marcar rupturas definitivas, configuran en la muestra un pensamiento visual en movimiento. Este devenir puede entenderse como un “proceso Collar”: cada pintura es una cuenta, y juntas forman una cadena donde el sentido emerge en la relación entre las partes.

No hay una obra aislada que explique el todo; es en la continuidad y en la variación donde la pintura encuentra su profundidad. Así, cada obra se presenta como un registro vivo del tiempo real. No el tiempo abstracto del reloj, sino el tiempo vivido, sedimentado en la materia. En cada superficie pictórica late esa duración: una temporalidad que no desaparece, sino que se acumula y se transforma. En un mundo que exige velocidad, estas obras reivindican la demora. Y en esa demora, encuentran su potencia.

Como final deseo dar fe, tras mis varias estancias en el Huis-Studio Collar, de que, a sus pinturas, el artista les dedica el tiempo que le piden, casi todo el tiempo del mundo. Porfiadamente, Collar inventa su imagen de la “campaña”, actualiza paisajes, territorios e identidades y los vuelve objetos estéticos. Sus pensamientos en torno a las tensiones alrededor de la figuración, del realismo y por qué no, de la abstracción; la crítica institucional, son los grandes temas que lo ocupan, aglutinando e inspirando a una fecunda y robusta escena alrededor del arte de la pintura en el Paraguay.

El recorrido temático de esta muestra se centra en la fase formal expresionista y sintetista del artista, una de fuerte experimentación y búsqueda de un lenguaje propio y que hemos denominado Geometría de la tierra roja. Le sigue un capítulo dedicado a los cambios formales de la pintura de Collar hacia el realismo, uno de características conceptualistas, acompañada de prácticas expandidas, como el cine y el grabado, titulado La pintura encarnada.

Geometría de la tierra roja. Memoria, territorio y construcción del plano: Este período inicial (1989–2003) configura el núcleo fundacional de la obra de Collar, y coincidentemente, de la Colección POPA Poletti-Pappalardo. La pintura de este período se articula a partir del territorio, la vida comunitaria y la memoria, mediante un lenguaje de síntesis formal y color plano, atravesado por una fuerte carga simbólica.

Las escenas construyen un imaginario arraigado en la experiencia rural paraguaya, donde la figura y el entorno se integran en una misma estructura espacial. En este contexto, el plano pictórico se afirma como campo de organización y sentido desde bases formales expresionistas y sintetistas, anticipando una preocupación sostenida por el espacio y la composición que atravesará toda la obra posterior.

La pintura encarnada. Imagen, tiempo y tecnología: Este conjunto de obras marca un desplazamiento hacia una pintura donde la imagen adquiere mayor densidad material y presencia. La figura, la luz y la construcción del volumen introducen un realismo expandido, en el que la pintura incorpora nuevas temporalidades y modos de representación.

En diálogo con el cine, la fotografía y las herramientas digitales, la imagen se construye, se fragmenta y se rearticula, generando tensiones entre lo fijo y lo narrativo. Así, la pintura se consolida como un campo donde convergen cuerpo, tiempo e imagen, ampliando sus posibilidades dentro del lenguaje contemporáneo.

• Por David Sánchez, desde Medina del Campo (España), X: @tegustamuchoelc (*).

Durante ocho días —del 18 al 25 de abril— la localidad de Medina del Campo se convirtió en el epicentro del cortometraje español. Su Semana de Cine (Secime), considerada una de las más importantes del país y plataforma habitual para los Premios Goya, celebró su 39ª edición culminando con la gala de premios el sábado 25 de abril.

La edición de este año dejó un claro protagonista: “Ser un hombre”, de Lucas Parra. El cortometraje se llevó el Roel de Oro y el premio a la Mejor Fotografía gracias a una historia íntima sobre el tránsito de la infancia a la madurez. Junto a él, “Cara de cona” logró el Roel de Plata y el reconocimiento al Mejor Vestuario, consolidándose como una de las propuestas más sólidas del certamen.

Pero si hubo una obra que conectó con el público, esa fue “In memoriam”. La película no solo obtuvo el Premio del Público, sino también Mejor Guion, Mejor Actriz (Cristina Soria) y el premio del Blog del Cine Español. Su retrato de la crisis personal en la madurez resonó con fuerza entre espectadores y crítica. Otros galardones destacados fueron el de Mejor Dirección para Polo Menárguez por “Una vocal”, así como los premios a “El ressó de la mirada” (documental) y “Pinchu es así” (animación).

Más allá del ámbito nacional, el festival volvió a abrir sus puertas al cine global. El jurado internacional otorgó el primer premio a la obra brasileña “Presépio (El pesebre)”, mientras que el segundo reconocimiento fue para “Gharghalan”, de Irán. Esta sección reafirma el carácter abierto y diverso de un festival que, pese a su arraigo local, mantiene una mirada internacional.

La importancia de la Semana de Medina no se limita a sus premios. Su papel como plataforma de lanzamiento es clave dentro del ecosistema cinematográfico español. De hecho, muchos de los cortometrajes seleccionados continúan su recorrido en festivales internacionales y en la carrera hacia los Goya.

El apoyo a la creación se refleja también en iniciativas como el Concurso Nacional de Proyectos, que este año seleccionó “Las cosas” y “Monstruo”, o la Maratón EIMA, cuyo premio fue para “Allí donde solíamos gritar”. Con una programación que combina riesgo, talento emergente y diversidad temática, la SECIME reafirma su lugar como una cita imprescindible para entender el presente y el futuro del cine español.

● Roel de Oro: “Ser un hombre” – Lucas Parra

● Roel de Plata: “Cara de cona” – Guillermo de Oliveira

Otros premios nacionales

● Documental: “El ressó de la mirada” – Carles Bover

● Animación: “Pinchu es así” – Carmen Córdoba

● Dirección: “Una vocal” – Polo Menárguez

● Actor: “Carlos Manuel Díaz (Faustino)

● Actriz: “Cristina Soria (In memoriam)

● Guion: “In memoriam” – Bellón & Calvillo

Premios del público y jurados

● Público: “In memoriam

● Jurado Joven: “Pordentro

Internacional

● 1.º Premio: “Presépio (El pesebre)” – Felipe Bibian

● 2.º Premio: “Gharghalan” – Hamid Kermani

Otras secciones

● Castilla y León: “Loquita por ti

● Fantasmedina: “Pálpito

● Videoclip: “Te amé

* David Sánchez es un periodista franco español afincado en Toulouse, centrado especialmente en cine iberoamericano, miembro de la crítica internacional Fipresci. Sitio: https://www.tegustamuchoelcine.com.

La Libroferia Encarnación presentó su edición 22, que se realizará del 1 al 6 de septiembre de 2026 en el Campus Urbano de la Universidad Autónoma de Encarnación (UNAE). El lanzamiento se celebró el 23 de abril, en el marco del Día Internacional del Libro, con un acto que incluyó una intervención artística inicial de la Escuela de Teatro de la UNAE en sintonía con el lema de esta edición.

Durante la presentación, la rectora de la universidad, Nadia Czeraniuk, centró su intervención en el sentido del lema, afirmando que “la lectura es una herramienta para el juicio crítico, la libertad y la justicia, y la cultura un camino para el diálogo que nos permite construir paz en el mundo”.

Bajo el lema “Lectura y Cultura para un mundo en Paz”, la Libroferia propone comprender la lectura y la cultura como prácticas transformadoras que trascienden lo individual y se proyectan en la construcción de vínculos, en la comprensión de la diversidad y en la generación de espacios de encuentro. En este enfoque, la cultura se constituye en un puente entre personas, generaciones y comunidades, favoreciendo el diálogo, la inclusión y la convivencia.

La programación se proyecta como un espacio interdisciplinario donde confluyen escritores, artistas, educadores e investigadores, integrando presentaciones de libros, talleres, conferencias, espectáculos y encuentros con autores, en una propuesta orientada a fortalecer el pensamiento crítico, la sensibilidad y el compromiso social. La conferencia contó con la participación de docentes de todo el departamento de Itapúa, quienes posteriormente formaron parte de una capacitación en promoción lectora, fortaleciendo el alcance educativo de la jornada.

En la ocasión, también se realizó el lanzamiento de los concursos “Vamos a la Libroferia Encarnación”, “Jóvenes que Cuentan” y el Concurso de Comics, iniciativas orientadas a fomentar la creatividad y el vínculo de niños y jóvenes con la lectura y la producción cultural. La Libroferia Encarnación se consolida como una de las iniciativas de promoción lectora más sostenidas y de mayor impacto en el Paraguay, impulsada por el Complejo Universidad Autónoma de Encarnación desde hace 22 años.

La actividad contó además con la presencia de autoridades del ámbito educativo y cultural: Julia Rivas, secretaria de Educación de la Gobernación de Itapúa; Roberto Zub, presidente de la Sociedad de Escritores del Paraguay filial Itapúa; Fernando Scholz, director de Educación y Ciencias de la Municipalidad de Encarnación; Lara Chamorro, directora regional de Senatur; Estela Noguera, en representación de la Dirección Departamental de Educación de Itapúa; y la escritora invitada Milia Gayoso Manzur.

La banda argentina Winona Riders se presentará por primera vez en Paraguay en La Otra Bar (Herrera 875 entre Tacuary y EE. UU., Asunción), el viernes 15 de mayo a las 22:00, en el marco de la gira de su nuevo disco “0%”. El show contará con la participación de Mi Sueño Póstumo, agrupación local de la nueva vanguardia alternativa. Las entradas generales cuestan desde 65.000 guaraníes, en venta por tuti.

Su quinto álbum se publicó el pasado 10 de abril. Ariel Mirabal Nigrelli (voz y guitarra), Ricardo Morales (voz y guitarra) iniciaron este proyecto musical en el año 2018, en la localidad de Morón en la Provincia de Buenos Aires, y que actualmente se completa con Gabriel Torres Carabajal (percusión), Francisco Cirillo (Batería) y Santiago Vidiri (bajo).

Según sus integrantes, una de las principales razones por las que este proyecto nace es para convertirse en la banda que siempre quisieron ver en vivo y nunca pudieron, llevando al frente sus propias reglas y una filosofía de tocar la mayor cantidad de veces posibles, aún con las estrategias de márketing que suelen imponer las productoras.

El 15 de junio de 2019 debutaron en formato trío con un show en Salas Tifón de Ramos Mejía (Provincia de Buenos Aires). Se los denomina parte del movimiento musical ‘’post-pandemia’’, surgido en 2021 en Argentina ante la necesidad de salir a las calles tras el encierro causado por el covid-19, ensayando y tocando en vivo clandestinamente durante ese período.

El conjunto fusiona rock stone, krautrock, noise y psicodelia. Publicó los discos grabados en estudio: “Esto es lo que obtenés cuando te cansás de lo que ya obtuviste” (2023), “El sonido del éxtasis” (2023), “No hagas que me arrepienta” (2024) y “Quiero que lo que yo te diga sea un arma en tu arsenal” (2025), además de otras grabaciones en vivo. En su joven trayectoria ya ha completado giras por el interior del país, Latinoamérica y Europa.

Con un show en el mítico Estadio Obras de cuatro horas, una tapa de Rolling Stone Argentina, una exitosa gira por Europa en 2025 (que incluyó Irlanda, Inglaterra, Francia, Alemania y España) y convocatorias a los lineups de Lollapalooza, Primavera Sound y Music Wins, Winona Riders se ha consolidado como una de las propuestas artísticas más disruptivas, enérgicas y potentes de la escena actual argentina y mundial.