• Paulo César López
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• Fotos: Gentileza

Con más de 10 años de trayectoria, Manto Negro es una banda binacional que ha adquirido notoria visibilidad al haber hecho de teloneros de emblemáticas bandas del vecino país como Malón, La H no Murió, A.N.I.M.A.L. y Brujería. Reinstalados en Asunción, nos cuentan la historia de la banda, su presente y el recital más próximo que brindarán en el marco de un festival a realizarse en San Lorenzo.

La actual formación de la banda es con Luis Zamprogna, en guitarra y voz; Marcos Paredes, en batería, y Yuri López, en bajo. Desde su fundación en 2013, itineró entre nuestra capital y las ciudades de Clorinda y Formosa, en Argentina.

Con un sonido potente y letras de fuerte contenido social, el grupo ha realizado recientemente varias presentaciones en nuestra capital y en este setiembre se volverán a presentar en San Lorenzo como parte del Pomberock 2.

En este diálogo con El Gran Domingo de La Nación, repasamos la historia del grupo, sus materiales editados, sus influencias y cómo han vivido sus últimas presentaciones en nuestro país.

–¿Pueden contarnos primero sobre los inicios del grupo?

–Manto Negro está vigente desde el 2013. Originalmente se formó en Asunción, Paraguay, donde tuvo un pequeño periodo de actividad hasta finales de ese año. Desde 2014 la banda empezó a ensayar en Clorinda y Formosa, Argentina, con integrantes de esas tierras y actualmente estamos radicados nuevamente en Asunción.

–Imagino que ya estarán un poco cansados de que les pregunten lo mismo, pero igual quiero insistir para quienes aún no los conocen. ¿Cómo surge el nombre y cuál es el significado?

–El nombre de la banda surge en el bar Absoluto Rock de Asunción, donde hicimos nuestros primeros ensayos. El vocalista en ese momento, Ati Fernández, dice Manto Negro refiriéndose al perro, y Luis Zamprogna dice Manto Negro, pero refiriéndose a una tela negra como algo que nos cubre negativamente y de lo cual tenemos que luchar para salir.

–¿Cuántos materiales llevan editados?

–En 2016 la banda lanza su primer disco de estudio denominado “Manto negro”, el cual cuenta con 10 canciones. En 2017 la banda se convierte en un power trío y lanza un EP de cinco canciones titulado “Profesando tus mentiras”. Durante el 2019 sale a la luz el EP “Loco”, el cual cuenta con tres canciones. Luego de la pandemia la banda continuó con integrantes de Argentina hasta mediados de 2023, donde tuvo un pequeño periodo de descanso y reestructuración hasta inicios del 2024, cuando se trasladó a Asunción ya con dos integrantes paraguayos y uno argentino. Ese mismo año la banda lanza un nuevo EP de seis canciones denominado “Mañana reirás”. Durante el 2025 la banda lanzó dos nuevos sencillos, “En la oscuridad” y el “Salón del poder”.

–La carta de presentación de la banda es que se trata de un grupo binacional. ¿Cómo conviven esas dos identidades?

–Sí, Manto Negro hoy en día se considera una banda de frontera por muchas razones. En primer lugar, por nuestras raíces, ya que contamos con familiares tanto en Argentina como en Paraguay. En segundo lugar, porque un integrante desde muy joven vino a vivir a Paraguay desde Argentina y se encargó de que la banda siga activa a pesar de donde vivía en ese momento. También por la participación activa e influencia tanto de integrantes argentinos como paraguayos y, por último, porque como en toda frontera existe una realidad que nos une muy directamente en cuanto a tradiciones, creencias y formas de ser.

–¿Dentro de qué estilo se definirían y qué bandas son sus principales influencias?

–La banda nunca buscó centrarse en un estilo en particular. El objetivo siempre fue ser originales y mostrar diferentes matices dentro del metal y lo experimental. En nuestras canciones podrán escuchar thrash metal, death metal, deathcore, hardcore, etc. Entre nuestras influencias podemos mencionar a A.N.I.M.A.L., Suicide Silence, Decapitated, Kublai Khan TX, Veil of Maya, etc.

–¿Cuáles son los temas que más les gusta abordar en las letras?

–Sin dudas Manto Negro busca plasmar en sus letras un mensaje, abordando desde temas sociales, políticos hasta situaciones o estados psicológicos que son el común denominador en las personas hoy en día. La premisa es buscar que nuestros seguidores se sientan identificados con nuestras canciones y sirvan para canalizar energías y estados emocionales.

–¿Cuáles son algunas de las presentaciones que fueron más memorables para ustedes?

–Durante este tiempo participamos de innumerables presentaciones y espectáculos en Argentina y Paraguay. Fuimos teloneros de bandas emblemáticas como Malón, A.N.I.M.A.L., Brujería y La H No Murió en dos ocasiones, la última recientemente en mayo de este año en Formosa.

–¿Cómo notaron la recepción del público paraguayo durante sus últimas presentaciones y cómo se sintieron ustedes durante los conciertos?

–La recepción del público paraguayo fue genial. Creo que vinimos a aportar un condimento especial y particular a la escena metalera paraguaya y nos sentimos muy bien, contentos, felices de poder ser parte.

–Para quienes aún no pudieron verlos, ¿cuándo retornarán a Asunción o alrededores?

–Estaremos participando del Pomberock 2 el 26 de setiembre en la ciudad de San Lorenzo. Así que los esperamos a todos para poder compartir una buena noche todos juntos.

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• Fotos: Emilio Bazán

Tras atravesar durante ya tres décadas una compleja situación de salud, múltiples cirugías, dolor físico y una profunda depresión, el economista y empresario Jorge Mendelzon encontró en la escritura una forma de transformar el sufrimiento en aprendizaje y esperanza. En conversación con Augusto dos Santos en el programa “Expresso”, de GEN/Nación Media, Mendelzon habla de la aceptación, el miedo, la empatía y la necesidad de mantener activa la mente como herramientas para seguir adelante. Su segundo libro, “De pie. Palabras para sostener el alma”, nació precisamente de aquellas madrugadas de insomnio en las que encontró en la escritura una vía para convertir el dolor en sentido.

–Hace dos o tres años hablamos con Jorge Mendelzon en ocasión de la publicación de su primer libro, que es un testimonio que pretende tener efectos casi pedagógicos. Y hoy nos encuentra un segundo capítulo. ¿Cómo estás, Jorge?

–Muy contento, gracias por tenerme nuevamente en tu programa. Muy contento y buscando inspirar a personas que estén pasando momentos de dificultad.

–¿Y cómo empieza esta historia?

–Alrededor de 1996, yo tenía 29 años y producto de una lesión que pensé que era eminentemente deportiva en un hermoso partido de pádel en vacaciones, pero nunca me imaginé que iba a ser el último partido. Así que fui de una cirugía a otra. Parecía que era un tema de meniscos nomás, pero años después apareció un tumor benigno ya muy avanzado y comprometiendo los huesos de mi pierna.

–Es imposible de pensar en tamaña consecuencia de la práctica del deporte, ¿no?

–Yo como cualquier joven estaba convencido de que era un tema que se iba a resolver, era un tema de tiempo nomás buscando volver a las canchas, volver a mi vida plena, etc., pero eso cambió evidentemente mi vida para siempre.

–¿Cuáles fueron las diferentes etapas de comprensión de la gravedad del problema?

–Me llevó demasiado tiempo porque el diagnóstico fue muy tardío. Entonces, me empecé a tratar como un tema de menisco, me sacaron el menisco, empecé con un diagnóstico de artritis, que evidentemente tengo, lo vivo hasta hoy, pero bien manejado uno puede convivir con eso. Pero lo que vino muy tarde es el diagnóstico del tumor que estaba en la sinovial, que afortunadamente era benigno, por eso no hizo metástasis. Yo estuve demasiado tiempo en el proceso de la negación, en el proceso de la no aceptación. La única pregunta que barajaba o rondaba mi cabeza era por qué a mí. Lo único que buscaba era resolver con la ilusión de volver a esa vida anterior que evidentemente estaba marcado ya que no iba a ser así.

–Una de las consecuencias de la negación debe ser el tiempo que se pierde, ¿no?

–Es una pérdida de tiempo, es una combinación de amargura, de rabia, de frustración, de tristeza, de queja, que es un círculo virtuoso de la negatividad porque lo único que busca es cambiar la página, pero esa página lo que tiene que lograr es cambiarnos a nosotros y a mí me llevó demasiado tiempo entender eso.

–No es solo un tema de negación, es casi un contrasentido en relación con tu especialidad también, porque no debe haber nada peor que la negación para el tema de los negocios.

–Así mismo es. La verdad que lo más difícil en esta vida en lo que yo tuve que experimentar es la aceptación. Hubiera sido mucho menos traumático para mí aceptar que era una condición que se iba a instalar. Lo que pasa también remitiéndome hacia atrás yo era demasiado joven. A esa edad uno no habla de problemas de salud, entre los 35 y 40 años uno se proyecta a su vida, a su futuro, a su familia, a su carrera y yo tuve que convivir con situaciones de salud desde los 30 años y no estaba preparado. Vengo de una familia donde me enseñaron a ser muy estructurado, todo muy planificado, mirar hacia adelante y la vida a veces nos pone cosas enfrente que no estamos preparados para manejar.

–¿Alguna vez pensaste en dejar lo que hacías a consecuencia del dolor?

–Muchísimas veces dije “yo me voy a retirar del mundo empresarial, del mundo gremial en que me desempeño, voy a pasar a los cuarteles de invierno. Con esta dolencia que yo tengo si yo fuera un asegurado del IPS, lo más probable es que me darían ya una pensión vitalicia porque yo no tengo condiciones físicas de trabajar y eso me martillaba la cabeza. Estaba con ese recuerdo. Para trabajar mentalmente tengo todas las condiciones, pero para trabajar físicamente desde los 30 años yo tuve dificultad y ahora tengo 60 recién cumplidos.

–Mucha gente puede decir “este es un hombre rico, probablemente tiene para comprarse todos los medicamentos que le sirven para anular el dolor”. Por qué no forma parte de tu presupuesto cotidiano el anular totalmente el dolor.

–En mi caso anular el dolor implica entrar a una batería de opioides con las consecuencias nefastas que tiene eso en el corto y mediano plazo. No es que no los use. En casos extremos sí los uso, pero busco justamente evitar porque sé que la proyección de vida que voy a tener con eso no es la que deseamos. Entonces, lo que busco es tener una vida lo más pausada y tranquila, uso mucho la cabeza, lo menos posible el cuerpo y trato de llenarme con eso para que mi vida no pierda el interés o el entusiasmo por esa limitación.

–¿Cómo se hace para guerrear en un mundo de gladiadores como el mundo empresarial?

–El nivel de frustración que siento cuando llego a esos extremos físicos es muy alto. Afortunadamente una gran parte de la labor empresarial es una labor mental. Para esa labor estoy en las mejores condiciones para batallar y tengo muchas ganas de hacerlo y entusiasmo de hacerlo y me motivo con las cosas que hago para justamente nunca perder las ganas de levantarme cada mañana. Pero cuando esa labor empresarial me obliga a hacer recorridos, a hacer caminatas, etc., yo encuentro los niveles muy altos de dolor y frustración que es lo que trato permanentemente de balancear para que no me ocurra de seguido.

–¿Qué necesitabas sacar de adentro cuando se te ocurrió la idea de generar el primer libro y ahora este? ¿Qué quisiste transmitir?

–Cuando escribí el primer libro yo viví lo que es una depresión profunda cuando uno ve la oscuridad y no cree más que el sol pueda volver a salir. La sensación es espantosa. Logré superar con mucho esfuerzo y empaticé mucho con la gente que tenía vivencias o convivía con la depresión y fue uno de mis principales intereses de compartir mi historia para mostrarle a esa gente que hay otra cara, hay otra forma, hay posibilidad de salir de la depresión. Es muy difícil, requiere mucho esfuerzo, requiere disciplina, pero se puede y eso quise compartir con esto de escribir ese libro y la repercusión que tuvo y yo darme cuenta de que a mucha gente con mi dolor le podía ayudar. Yo veía como un mecanismo también de encontrarle sentido a ese dolor, porque si no es simplemente dolor y es miserable. Entonces, cuando al dolor le encontrás sentido por lo menos tiene un fundamento y le da sentido a la vida.

–¿Y cuál es ese sentido?

–Yo encontré en la escritura un mecanismo de lograr sacarme del fondo del alma todo eso que no lograba siquiera hablar con mi esposa. Esa tristeza, ese dolor ese sufrimiento yo no lograba expresar en momentos donde estaba pasando situaciones difíciles, pero me daba cuenta que en esas noches que no podía dormir sí podía escribir y lograba desahogarme con eso. Empecé a usar sin darme cuenta como catarsis la escritura y así nace este libro, que no es otra cosa que escribiendo largas madrugadas en forma totalmente desordenada a puño y letra cosas que después organicé, ordené y publiqué. Así nace este libro “De pie” y el sentido de la vida justamente es tratar de inspirar, tratar de influir en la gente buscando en el fondo un mundo mejor.

EMPATÍA –La intencionalidad también me parece es generar una experiencia no solo para personas en una situación similar, sino que el dolor es un asunto que puede parangonarse con diversas dificultades que uno puede tener en la vida, ¿no?

–Sin duda, Augusto. En mi caso el problema es la salud, es el dolor. La gente atraviesa una infinidad de problemas económicos, familiares, personales. Hay gente que está pasando sensación de depresión y ni siquiera sabe por qué. Simplemente la tiene, no tiene ganas de vivir, no tiene ganas de nada. Yo pienso que convivir con la depresión, si uno me preguntaba a mí de joven, yo no hubiera entendido qué quiere decir tener depresión. O sea, una persona que tiene una vida normal no puede entender cómo alguien puede no tener ganas de levantarse, pero una vez que uno experimenta esa situación realmente empatiza con la gente que pasa ese dolor.

–La depresión seguramente tiene mucha relación con todas estas frustraciones que estuviste mencionando anteriormente. ¿Cómo se pelea con eso?

–La verdad que yo no creo que haya un recetario único. Yo pienso que cada persona tiene que buscar los elementos que le ayuden primeramente a entender que somos vulnerables, entender que necesitamos recurrir a un profesional. A veces un hombre joven sobre todo piensa que puede llevar todo por delante y todo lo puede resolver, pero la depresión no se puede pelearla sola, hay que tratarse psiquiátricamente, hay que tratarse psicológicamente, hay que rodearse de familia y amigos positivos que le den a uno el entusiasmo, que le den la fuerza para seguir adelante. Yo descubría incluso en esos momentos de dificultad que había músicas que me energizaban, que me daban un poco de ganas, que había conversaciones con ciertas personas que me motivaban. Entonces, uno va buscando dentro del abanico de posibilidades lo que le hace bien y lo que le puede dar ganas de continuar.

–La experiencia del gimnasio es muy sana, pero no hay gimnasios para la mente, para la cabeza, para el pensamiento, salvo la lectura probablemente. ¿Qué mensaje pedagógico también puede existir al respecto de tu experiencia?

–En mi caso personal lo que pude construir de la experiencia es que cuando la mente no se la usa es un demonio espantoso. Los momentos en que uno no está haciendo nada productivo, nada provechoso, la mente no está descansando. Uno cree que está descansando, pero la mente nos está golpeando y martillando sin piedad. Yo considero que lo más importante es tener la mente ocupada en algo que agregue valor en algo positivo, en algo divertido para uno, algo bueno para que justamente esos demonios internos puedan pasar a segundo plano y poder mirar algo positivo hacia adelante. Lo peor que se puede hacer si te sentís mal es “sentate, descansá, quedate nomás acá, pasá el día acá”. Ese para mí es el peor escenario porque lo único que ocurre ahí es que tenemos el peor día porque le damos pie a nuestra mente a que nos destroce directamente.

–Hay otro factor que seguramente te estuvo acechando sobre el cual me gustaría que nos hables también porque es un factor cotidiano en la vida de mucha gente, que es el miedo. O sea, ¿tuviste miedo?

–Tuve miedo muchísimas veces, tuve miedo antes de cirugías, tuve miedo en consultas a ver qué iba a recibir, tuve miedo en infinidad de oportunidades. El secreto no creo que sea combatirlo porque realmente cuando los problemas están, va a existir el miedo. No hay forma de evitarlo. Lo que yo trabajo es para que no me paralice. El miedo está, pero yo trato de seguir adelante. Que me acompañe el miedo, pero no quedarme paralizado por su presencia.

• Jorge Zárate
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“Creo que el maestro nos quería enseñar que la polca paraguaya tiene mucho de indígena”, dice el musicólogo Nicolás Ramírez Salaberry, que estudia desde hace años al gran músico nacional. Dice que hacen falta transcripciones de las partituras y mayores registros de audio y video de sus obras emblemáticas. También que el panorama sinfónico es bueno en el país y que hay nueva obra esperando abrirse camino.

“La música indígena le llega a Flores con mucha fuerza, para él es vital para entender, para hacer música paraguaya”, expone Nicolás Ramírez Salaberry, musicólogo y director de orquesta. “La música indígena no es un elemento nomás, sino que la música indígena es la propia música paraguaya se podría decir hace parte”, define.

“A veces las obras musicales son como cartas al futuro. Creo que Flores quiso demostrar eso en “Ahendu nde sapukái”, donde nos dice miren todo esto, esta rítmica que recuerda a lo tribal, a lo indígena, deviene en una polca paraguaya”, apunta.

En la semana brindó la conferencia “Temática indígena en José Asunción Flores; desde ‘Ahendu nde sapukái’ a ‘Ñanderuvusu’”, realizada en el marco de la Semana de la Guarania 2026 que se desarrolló en la Casa Bicentenario de la Música Agustín Pío Barrios.

También en la oportunidad Fátima Abramo enseñó sobre los instrumentos con los que Flores se inició en la música: el bombardino y el trombón, a propósito de la exposición permanente de estos “bronces” de la Banda de la Policía Nacional correspondientes a la época en que el gran maestro chacariteño fue parte de su formación.

El titular de la Casa Bicentenario de la Música, Diego Sánchez Haase, calificó de “magnífica” la conferencia de Ramírez Salaberry en la que “analizó a profundidad estas obras fundamentales desde lo musical, lo lingüístico y otros aspectos sonoros que se relacionan con la música indígena, que fueron desglosados de una manera maravillosa”, apuntó.

Ramírez Salaberry, al trabajar su tesis de grado como director orquestal en la Universidad de San Pablo, eligió a José Asunción Flores como materia de estudio. El maestro Luis Szarán le acercó las partituras de “Ñanderuvusu”, poema sinfónico concebido para ballet y, a partir de allí, se sumergió en la fascinación de esa obra que homenajea la cosmovisión guaraní del génesis universal.

“Es un material potente, una obra imponente, se siente que tiene algo de apoteósico, majestuoso y quise entender por qué”, explica.

En el trabajo universitario debió contextualizar el país y ubicar el surgimiento del creador “en un momento de reconstrucción del país”. Luego abordó elementos lingüísticos, la breve pero profunda invocación en guaraní, los elementos impresionistas que evocan a Claude Debussy en algunas figuras del arpa “con volatas que son como gestos musicales”, cuenta.

Sin embargo, el vínculo de la obra con la música indígena le surge al cursar una maestría en Musicología en la Universidad Estadual Paulista (UNESP), cuando estudia la obra “Mandú-Çarará”, del gran maestro brasileño Heitor Villa Lobos. “Esta tiene fuertes elementos indígenas, de la cultura africana, una búsqueda, una síntesis de esa identidad brasileña que tiene influencia europea, india y negra”, apunta para explicar que allí, comparando, encuentra fondos que luego utilizaría en su pesquisa sobre Flores.

En la continuidad de sus aprendizajes, acompañado por el también musicólogo paraguayo Miguel Díaz-Antar, residente en Brasil, estudian la evolución en la música nacional llegando hasta la electrificación de los instrumentos.

Allí vuelve a Flores con más información sobre su interés en la música indígena y aborda “Ahendu nde sapukái”, a la que considera “una obra enigmática, que marca un antes y un después y coincide con un momento más intenso en su formación como orquestador”, apunta. El maestro está en Buenos Aires y estudia y comparte con Gilardo Gilardi, Rodolfo Kubik y Alberto Ginastera, son los finales de los 40, inicios de los 50, “sigue desarrollando su lenguaje y ya tiene elementos suficientes para hacer un trabajo sofisticado, muy ingenioso, ritualístico podríamos decir, muy danzado, de ritmo constante, como es “Ahendu…”.

“Cuando Flores trabaja el fuerte pulso del 3 (ternario) contra el 2 (binario), aparece la célula principal de lo que podría ser la guarania, así como la polca, el 3 contra 2 y el sincopado. Y es lo que evidencian los tambores en esa obra”, apunta.

“La música nativa no tiene una forma estructurada, puede desvanecerse en algún momento”, distingue destacando la manera en que Flores construye la pieza para hacerlo notar. También la “rugosidad casi como una desafinación que puede recordar a flautas indígenas o tambores que no están exactamente en una afinación esperada por el oído de occidente. Entonces es un timbre característico, probablemente de una música indígena, esa rugosidad, esas segundas menores. Y bueno, esta investigación continúa, no ha finalizado todavía, está empezando, pero creo que él estaba queriendo decir que la polca paraguaya tiene mucho de indígena”, define.

En Ñanderuvusu aparece lo rítmico como elemento indígena y la búsqueda de un “canto llano y en cuanto a la melodía por esta búsqueda de aproximación a esa solemnidad de los grados conjuntos de la música nativa”. También la investigación del génesis “en la versión colectada por Kurt Unkel Nimuendajú, traducido del alemán al portugués, cuya traducción al castellano se la iba haciendo nada más y nada menos que Augusto Roa Bastos, según cuenta Carlos Federico Abente”, recordó.

Ramírez Salaberry entiende que las pocas grabaciones que hay de “Ahendú…” tiene que ver con la falta de partituras. “Sabemos que todo el material de Flores corrió riesgo de desaparecer en muchos momentos, su música era prohibida, sufrió persecución de la dictadura. Atribuyo un poco a eso el por qué no llegamos a tener todo sistematizado, así como normalmente un compositor sinfónico suele tenerlas”.

Propone para el caso hacer un trabajo de transcripción: “Creo que sería posible si se contrata un equipo de por lo menos tres musicólogos y músicos sinfónicos para poder hacer partituras al menos por 10 años”.

Hoy son escasas las versiones. “Por ejemplo, Óscar Cardozo Ocampos transcribió para piano “Ahendu…”, apunta el musicólogo.

En el caso de “Ñanderuvusu”, fue registrada en disco por la Orquesta de la Radio y Televisión de Moscú en 1969, aunque ya fuera estrenada en 1954 en el Teatro Politeama de Buenos Aires.

A partir de allí, “es difícil encontrar registros de que se haya ejecutado antes de 2011, cuando el maestro Diego Sánchez Haase la repone al frente de la Orquesta de la Uninorte, con coro y ballet, haciendo una adaptación al castellano a partir de la edición rusa”.

También se ejecuta en 2018 por la Orquesta de la Uninorte dirigida por Gordon Campbell y “en 2025 por la Orquesta Sinfónica Nacional en una versión en guaraní, utilizando el texto que está en el manuscrito, dirigido por la brasileña Catarina Araújo”.

Penosamente no hay registro discográfico de estas experiencias, aunque sí piezas audiovisuales no profesionales, que se pueden ver en Youtube, por lo que alienta nuevos y mejores registros para la gran obra de José Asunción Flores.

Para el musicólogo Nicolás Ramírez Salaberry, los especialistas, a partir del reconocimiento de la guarania como Patrimonio de la Humanidad, van apuntando esfuerzos en torno a “entender a José Asunción Flores como una figura universal y colocarlo al lado de los grandes sinfonistas de América Latina como el mexicano Carlos Chávez, Heitor Villa-Lobos y Alberto Ginastera”.

Expone que de esa forma se van saldando deudas con su legado. Por ejemplo, con “la edición por parte de la Orquesta Sinfónica Nacional (OSN) de la partitura sinfónica de “India” que se publicó el año pasado”.

Por ello, propone extender la tarea “a todos los poemas sinfónicos, todas las versiones que Flores tuvo. El paraguayo tendría que tener la posibilidad de ir a una biblioteca y tener partituras de diversas versiones orquestales de las obras”, señala.

Docente en la licenciatura de Música de la Facultad de Arquitectura, Diseño y Arte (FADA) de la Universidad Nacional de Asunción (UNA), el musicólogo Nicolás Ramírez Salaberry señala que “en cuanto a la nueva obra sinfónica, creo que tenemos trabajos muy importantes y hay mucho más incentivo, se están dando oportunidades a compositores nacionales”.

Apunta que hay cosas por hacer: “Todavía no tenemos en las orquestas sinfónicas un sueldo que se le pague a un compositor fijo. Se necesitan al menos tres compositores fijos en cada orquesta y que estos presenten por lo menos una obra por año y es así que vamos a poder tener trabajos profundos, trabajos de mayor envergadura, más ambiciosos en la cuestión sinfónica”, propone.

Lo dice señalando que sería importante abordar la orquesta “no solamente con una visión de carácter romántico o comienzo del siglo XX, sino con una propuesta sinfónica conectada con la realidad actual. Desde qué elementos existen en el Paraguay que se podría dar a conocer, qué de la música indígena se puede aprovechar todavía o expresar toda la diversidad cultural que tenemos”.

Ramírez Salaberry está haciendo actualmente la residencia de compositores de la Orquesta Sinfónica del Congreso (OSIC) 2026 promovida por el maestro Diego Sánchez Haase: “Creo que tiene una visión muy acertada al dar espacio a jóvenes compositores para conseguir generar ese laboratorio, caldo de cultivo, para que surjan obras que, por supuesto no va a ser perfectas, siempre van a tener sus ajustes, siempre van a tener sus puntos por mejorar”.

Desde su faceta de director de orquesta, apunta: “Creo que el músico sinfónico, que toca profesionalmente, entiende bastante eso. Que los que están trayendo nuevas lecturas de obras nacionales desde arreglos o reorquestaciones o composiciones nuevas son muy enriquecedoras y en ese proceso están colaborando bastante.

Porque puede ocurrir que en algunos casos una orquesta profesional simplemente prefiera no trabajar con músicos o compositores que están todavía en un proceso de formación. Y como dije, en el caso de Paraguay necesitamos fortalecer ese aspecto, que exista esa flexibilidad para que vaya ganándose cada vez más un mayor trabajo profesional”.

Ñemby fue la primera parada de la Ruta de Festivales “Suena Paraguay 2026”, organizada por Sonidos de la Tierra, que superó todas las expectativas al reunir a cientos de niños y jóvenes de 23 Escuelas Comunitarias de Música de varios puntos del país. Este sábado 29 de agosto, la experiencia se traslada a Caaguazú con 70 delegaciones para una gran celebración de la música, la cultura y la integración comunitaria.

El encuentro del 11 de julio pasado reunió a 500 participantes, entre músicos y adultos responsables, a los que se sumaron 800 asistentes al concierto y al Mercadito Sonidos, una feria que incluyó a 11 emprendedores. Además, la producción informó de la participación de 80 padres, madres, equipos de apoyo y fuerzas de seguridad en la organización. Mientras que la delegación de Santa Rosa de Lima (Misiones) recorrió la mayor distancia.

Las 23 Escuelas Comunitarias de Música que participaron en Suena Ñemby fueron: Camsat, Chacarita, San Francisco, Villeta, Villa Elisa, Don Bosco Róga, Limpio Sur, Laurelty, San Lorenzo 26 de Febrero, Ypacaraí, Guarambaré, Cemta, Ñemby, Tebicuary, San Roque González, Acahay, Pirayú, Yaguarón, Quiindy, San Juan Bautista, Santa Rosa de Lima, Remansito y Atyrá. Sus integrantes se unieron en una megaorquesta para el concierto final, al que se sumaron los Estacioneritos.

La propuesta artística tuvo como eje el patrimonio y la juventud, en el marco del proyecto “Armonías de la Memoria”, iniciativa que busca formar a nuevas generaciones como portadoras de la herencia cultural de Ñemby, encabezada por la Orquesta de Cámara Ñemby, con 21 años de trayectoria. Asimismo, la campaña “Festival Sin Residuos” tuvo una excelente respuesta del público, que colaboró activamente con el cuidado y la limpieza de los espacios.

Esta noche será el turno del público caaguaceño, que podrá disfrutar del concierto de la Megaorquesta Suena Caaguazú, que rendirá homenaje a dos figuras fundamentales de la música paraguaya: Luis Alberto del Paraná y Quemil Yambay, celebrando el legado de ambos artistas y su invaluable aporte a la identidad cultural del país. La entrada es gratuita, desde las 17:30, en el estadio Tajy Poty.

La presentación contará además con la participación especial del artista invitado Roscer Díaz, quien acompañará a la Mega Orquesta en una propuesta especialmente preparada para esta edición. El concierto será dirigido por el director internacional invitado Leon Burke III, proveniente de Estados Unidos, cuya participación aportará una mirada artística de alcance internacional a este gran encuentro musical.

La agenda todavía incluye hoy el Mercadito Sonidos, un espacio abierto al público donde emprendedores locales podrán exhibir y comercializar sus productos. Además, se realizará una jornada de arborización en la Plaza Inmaculada Concepción con la participación de voluntarios, reafirmando el compromiso ambiental del proyecto.

Sonidos de la Tierra es una organización paraguaya sin fines de lucro, fundada en 2002 por el maestro Luis Szarán, que utiliza la música como una herramienta de transformación social, educación en valores y desarrollo comunitario. A través de la creación de orquestas juveniles y programas dirigidos a niños, niñas y jóvenes, la organización promueve el acceso a la educación musical, el liderazgo comunitario y la conciencia ambiental, consolidándose como una de las iniciativas culturales y sociales más importantes del Paraguay. En Youtube: https://www.youtube.com/@sonidosdelatierrapy.