Hydro Experimental cierra su proyecto con “Bajo el agua está mi imperio”, una canción con el rapero paraguayo El Princi, con sonidos experimentales creados a partir del agua. Este proyecto final también incluye un video que mezcla luz, imágenes y sonidos del agua para transmitir un mensaje de resiliencia, según informaron desde la organización de Sonidos de la Tierra, encargados de este proyecto.

En “Bajo el agua está mi imperio”, el rap de El Princi se mezcla con la Orquesta H2O – Sonidos del Agua, creando un sonido intenso que combina hip hop y folklore experimental. La canción habla de enfrentar problemas, flotar sobre ellos y construir un espacio propio de resistencia, usando la metáfora del agua y el imperio bajo ella.

El video y la producción visual están muy bien cuidados. Se trabajó con luces, proyecciones y efectos creados especialmente para amplificar la música y los sonidos del agua. Hay que mencionar que, Sonidos de la Tierra creó Hydro Experimental como una iniciativa que combina música, experimentación sonora y narrativa audiovisual para sensibilizar sobre el cuidado del agua y su relación con la vida y la sociedad.

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Hydro es una iniciativa artística y ambiental creada por la Asociación Sonidos de la Tierra que propone una nueva forma de sensibilizar sobre el cuidado del agua a través del arte. La iniciativa nace en Paraguay y el proyecto une música, experimentación sonora y conciencia ecológica para invitar a reflexionar sobre la relación entre las personas y uno de los recursos más esenciales del planeta. Su propuesta se construye desde la creatividad, utilizando el arte como vehículo para generar emoción, reflexión y acción colectiva.

A lo largo de su desarrollo, Hydro se consolidó como un espacio de innovación artística que transforma el agua en sonido, instrumento y mensaje. A través de la Orquesta H2O – Sonidos del Agua, el proyecto da vida a composiciones creadas con instrumentos construidos a partir de materiales vinculados al agua, integrando música, narrativa audiovisual y performance.

Más que un espectáculo, Hydro es una experiencia que conecta cultura, conciencia ambiental y compromiso social, invitando a repensar nuestra relación con el entorno desde una mirada sensible y transformadora.

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El espectáculo Voces del Alma tendrá lugar el próximo viernes 24 de octubre, a las 21:00, en el Teatro José Asunción Flores del Banco Central del Paraguay. El evento, que mezcla el arte y la hermandad, es un espectáculo variado y de altísima calidad técnica que se propone alcanzar estándares de nivel mundial.

• Por Jimmi Peralta
• Fotos: Gentileza

“Cada edición de nuestro ‘tinte solidario’ o de los espectáculos que organi­zamos es, antes que nada, una fiesta de gratitud y de encuentro y, sobre todo, es una oportuni­dad de acercarnos a la gente. No solo recaudamos fondos: cele­bramos la vida y la solidaridad, estrechamos la mano de perso­nas que, sin conocerse, se unen en torno a la causa renal”, refiere Rubén Ovelar, presidente de la Fundación Renal Paraguay (Frepa), en el marco de la con­vocatoria para el espectáculo Voces del Alma, que tendrá lugar el próximo viernes 24 de octubre, a las 21:00, en el Teatro José Asunción Flores del Banco Central del Paraguay.

“Es un espacio donde se mez­cla el arte y la hermandad. Allí agradecemos a quienes con­fían en nosotros y sienten que su aporte se transforma en esperanza para niñas, niños y adultos que están en trata­miento. Frepa no recibe fon­dos del Estado, por eso cada evento es la prueba palpable de que la sociedad paraguaya cree en esta obra y la sostiene y, sobre todo, demuestra su soli­daridad”, asevera.

La fundación nació en 1999 en el marco de un caso emblemático que permitió en su momento evidenciar el total desamparo de los enfermos renales de escasos recursos. “Todo lo que se colecta se destina a aliviar carencias concretas. Gracias a la generosidad de empresas y personas solidarias, estamos apoyando a cientos de pacien­tes de escasos recursos con medicamentos de alto costo, insumos, catéteres, estudios especializados, análisis labo­ratoriales y un sinfín de nece­sidades que se tienen en el pro­ceso de la hemodiálisis”, agregó.

El espectáculo solidario convo­cará en escena a José Monge­lós, Andrea Valobra y a más de veinte bailarines profesionales en escena, una orquesta en vivo de trece músicos y coristas que elevarán la propuesta hacia un espectáculo total.

“No hay mayor dicha que sen­tir que nuestra música, nuestro arte, está sirviendo no solo para curar corazones, sino también para salvar vidas. Protagoni­zar Voces del Alma a beneficio de Frepa significa unir el rigor artístico con la responsabili­dad social. Es demostrar que la cultura y la solidaridad pue­den ir de la mano para generar un impacto real en la vida de pacientes y familias que tanto necesitan. Es un orgullo para mí y para todo mi equipo apor­tar nuestro granito de arena”, señala el tenor José Mongelós, quien, además de aportar su voz, ejerce el rol de director y productor ejecutivo de Voces del Alma. “El diseño de Voces del Alma se basó en el con­cepto de puesta en escena de clase mundial.

El público para­guayo merece un espectáculo que compita en calidad y narra­tiva con lo que se ve en Broad­way o Las Vegas. La curaduría del repertorio se estructuró en cuatro actos para crear un viaje emocional y sin fronteras: Acto I: Broadway Grand Experience, Acto II: Alma y Tango, Acto III: Jazz Classics y Acto IV: Legen­dary Encore”, explica el músico.

En la noche se escucharán interpretaciones de fragmen­tos de “Moulin Rouge”, “Chi­cago” y “Jesucristo Superestre­lla”; obras como “Mis noches sin ti” y “Mi patria soñada” y clási­cos recordados en las voces de Frank Sinatra, Michael Buble, Freddie Mercury y Ella Fitz­gerald. Mongelós es un tenor de renombre, reconocido por su versatilidad artística y su capacidad para transitar entre géneros con una elegancia única. Con una carrera conso­lidada en escenarios naciona­les e internacionales, ha cau­tivado al público con una voz que domina desde la ópera y el teatro musical hasta el jazz, el tango y el rock sinfónico.

“Elegir a Andrea Valobra fue una de las mejores decisiones de este proyecto. Su talento no solo reside en su voz poderosa, sino en su versatilidad y su inteligen­cia para abordar cada género. Nuestra química tiene larga data, más de 15 años cantando juntos. Ambos hemos crecido y evolucionado mucho indivi­dualmente, pero compartimos una visión de la música como un acto teatral. Con Andrea al lado, el aprendizaje es cons­tante: sentir su emoción cruda en ‘Sola otra vez’ (All by myself) o la energía desbordante en el rock, me inspira a llevarme a mi propio límite. Ella equi­libra perfectamente mi lado más lírico y dramático, apor­tando una potencia y hones­tidad pop-rock que hace que nuestros dúos suenen únicos y actuales”, indica Mongelós.

El desafío que se plantea Frepa es generar ingresos a través del evento. “Cada butaca ocupada va a trans­formar esa lánguida mirada de un niño en un horizonte con más luz y esperanza”, afirma Ovelar.

Desde 2015 la fundación lleva adelante el Plan Padrinazgo a través del cual cada ahijado recibe mensualmente un aporte para cubrir su traslado, nutrición, medicamentos y necesidades escolares.

“Paralelamente, seguimos impulsando campañas de detección temprana, de edu­cación sobre el cuidado renal y de promoción de la dona­ción de órganos, concientes de que la prevención es clave para reducir el impacto de esta enfermedad. Son muchas las necesidades y enormes los desafíos, pero la convicción de que ‘donde no llega el Estado… debe estar la solidaridad’ nos hace redoblar esfuerzos”, explica el presidente.

Las entradas ya se encuen­tran a la venta con precios de G. 250.000 para el sector VIP, G. 150.000 para Platea Baja y G. 100.000 para Platea Alta. Pueden adquirirse en la sede de Frepa, comunicándose al (0971) 856-111 y a través de www.ticketea.com.py.

Hydro Experimental se estrenó el 24 de setiembre con “La última gota”, una canción original con la voz de Roberto “Chirola” Ruiz Díaz, como el primer capítulo de una serie de cuatro capítulos musicales de Hydro, el proyecto de Sonidos de la Tierra que nació para generar conciencia, inspirar a la acción y promover la transformación en torno al cuidado del agua.

Tras el espectáculo Hydro Experimental Water Show de la Orquesta H2O Sonidos del Agua, el proyecto evoluciona y propone un nuevo formato basado en el concepto de la experimentación que reúne a artistas invitados, algunos de ellos colaboradores históricos de la orquesta, para poner al recurso vital para la vida, en el centro de la narrativa.

Este proyecto cuenta con un equipo artístico de primer nivel que hace posible darle al agua un lenguaje propio. La dirección musical está en manos del maestro William Aguayo, quien además hace sonar la guitarra de agua; el guión, la dirección artística y escénica llevan la impronta de Paola Irún, los instrumentos que protagonizan cada capítulo son invención de Amberé Feliciángeli, cuyo ingenio transforma al agua en sonido y símbolo; mientras que Gloria Chaparro y Osvaldo Fretes, desde Melómana Strategic, dan forma al universo audiovisual junto a la dirección fotográfica de Diego Benítez.

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La guarania “La última gota” nace de la composición de Ruiz Díaz, con letras junto a Paola Irún y Luis Duarte, y encuentra una nueva dimensión en su adaptación al guaraní realizada por el maestro William Aguayo y Mauro Figueredo. Este capítulo nos sitúa en medio de la sequía y el excesivo calor, donde la última reserva de agua se destinó a cargar los instrumentos. A partir de ese gesto, el artista eleva una plegaria al cielo, implorando que la lluvia regrese para todos. La ausencia de agua se convierte en música, y la música en esperanza compartida.

En el segundo capítulo denominado “Crecimiento”, Purahéi Soul nos llevará al lugar donde nace el agua y se producen las primeras gotas. Con “Lluvia”, protagonizada por Jazmín del Paraguay, nos sumergiremos en la exuberancia de la riqueza hídrica del Paraguay. Una celebración a la abundancia del agua y su energía transformadora.

“Bajo el agua está mi imperio” cierra la serie de capítulos con el joven talento El Princi, oriundo del populoso barrio Ricardo Brugada (La Chacarita). Este capítulo retratará la inundación, no solo como fenómeno natural, sino también como parte de una identidad forjada en resiliencia, arte y comunidad.

“Si bien desde un inicio hemos abrazado la experimentación, desde la creación de los instrumentos hasta los dos shows escénicos que hemos realizado, Hydro Experimental consiste en una serie de 4 capítulos donde avanzamos aún más la experimentación desde distintas aristas: musical y sonoramente con nuevos instrumentos, arreglos y mezclas de nuevos sonidos producidos directamente con el agua; visualmente con nuevas formas de capturar imagen interviniendo la cámara con artefactos que contienen agua; lumínicamente ubicando al agua como refractor de luz; y narrativamente guionando a medida que fuimos experimentando con cada una de estas aristas”, explica Paola Irún.

“Con Hydro Experimental queremos que el mensaje llegue a más personas y que trascienda las fronteras. Invitamos a toda la ciudadanía a compartir este contenido para hacer viral lo más importante la concienciación sobre el cuidado del agua”, expresó Natalia García, directora ejecutiva de Sonidos de la Tierra, quien instó a la ciudadanía a seguir esta nueva propuesta a través de @hydrowatershow en Instagram y Sonidos de la Tierra en YouTube.

Hydro es un proyecto de Sonidos de la Tierra que nació en 2012 con la Orquesta H2O Sonidos del Agua. En un contexto de crisis ambiental, las amenazas de contaminación de los cauces de agua, un grupo de músicos liderado por William Aguayo se alzaron con esta propuesta dándole voz al agua a partir de instrumentos fabricados con cañerías, botellas y otros elementos vinculados al agua y que suenan gracias a ella.

Hydro surge a partir de la fusión de dos palabras que hacen referencia al agua, abrazando nuestros dos idiomas oficiales. Mientras se vale de “Hidrografía”, del castellano, también abraza la palabra “Y” en guaraní, que precisamente significa agua. El agua tiene voz y su sonido es protagonista de las historias. A través de los Hydro Experimental, Hydro mantiene su objetivo acerca del cuidado de este recurso, pero esta vez llevando el escenario y la experiencia experimental visual, auditiva y espacial a todas las pantallas del mundo.

La banda publicó hace unas semanas “Todo el mundo está kaliente”, una apuesta musical que se zambulle en su historia sonora, con una madurez reflexiva y desafiante.

• Por Jimmy Peralta
• Fotos Gentileza Kchiporros

Los Kchiporros, la banda más interna­cional de la escena local, presentó a finales de junio a “Todo el mundo está kaliente”, su último álbum de estudio, producido por Toy Selectah, compuesto de manera colaborativa con varios artistas locales y extranjeros. En 11 can­ciones la agrupación pro­fundiza su apuesta, tanto en sonido como en letra y, buscando liberarse del pre­juicio que podrían cargar sobre sus hombros, apuesta al baile y al mismo tiempo a la reflexión, una irreveren­cia en estos tiempos.

Roberto “Chirola” Ruiz Díaz habló con La Nación sobre el presente del proyecto, la inspiración temática y musi­cal del disco, el momento de maduración del grupo, y cómo la profundidad y hacer bailar al público son misiones que buscan amal­gamar en “Todo el mundo está kaliente”.

–Para nosotros “Todo el mundo está kaliente” es un álbum superfresco, sin dejar de tener una mirada retrospectiva de toda nues­tra carrera. Estamos cerca de cumplir 19 años de banda, camino a los 20, y lo que pasa es que todavía senti­mos muchas ganas, mucha chispa, hay mucha creati­vidad. Teníamos ganas de hacer un disco potente, un disco que vuelva a bailar como varios de nuestros álbumes, pero revisando un poco todo lo que nos gustó de lo que hicimos, también revisar lo que ya no teníamos ganas de hacer esta vuelta. Siento que hubo un periodo largo donde hicimos mucho el trabajo de alguna manera de buscar validación, ya sea de nuestra carrera, de nuestros pares, de la indus­tria. Y en este disco decidi­mos relajarnos mucho más y volver un poco a la esen­cia, digamos, a ese superpo­der que significa hacer bai­lar a la gente. Obviamente, con una mirada mucho más madura y con una cancha y una cultura general mucho más amplia, adquirida en los últimos años.

El trabajo de búsqueda de canciones fue sumamente intenso. Los equipos de com­posición y de preproducción fueron importantes y todo liderado finalmente por la producción de Toy Selectah como productor general del álbum que fue como el cura­dor final de todas estas ideas que necesitaban encontrar una especie de cohesión y encontrar sobre todo un con­cepto, una línea artística que creo que lo logramos mucho más allá de nuestras expec­tativas en este caso.

–Sin duda alguna, algo que es clave para la cons­trucción de un proyecto es seguir jugando, jugando a la música, seguir haciendo divertido, no recurrir a fór­mulas o, por ejemplo, a ejer­cicios que ya funcionaron en el pasado, sino volver a sen­tir curiosidad, volver a expe­rimentar y tener miedo al riesgo y, de todas maneras, ir para adelante, animarse a cambiar, a volver a buscar lo que sea que hace que dé ganas todavía justamente. Yo creo que esta banda es una banda sobre todo via­jera y experimental. Estos viajes por Paraguay y por Latinoamérica nos ayuda­ron a abrir la cabeza, a descu­brir y a redescubrirnos como artistas, como seres huma­nos, como paraguayos.

Sabíamos que queríamos tener un álbum con muchí­sima identidad local, pero que hable ya en “latinoame­ricano” en ese sentido, con nuestra idiosincrasia, pero con la lengua que une al resto de las culturas, y mostrando de esa manera a Paraguay de una manera tan particular, que no significa salir a decir que está todo bien, sino conec­tar con el lado del latino que es común, donde es bello, donde es cálido, pero al mismo tiempo también hay cuestio­nes de las que hablar. Tam­bién hay corrupción, también hay contrabando, también está roto. Y, de alguna manera eso, meter en la conversación y proyectar un Paraguay casi mágico, en ese sentido.

–No queremos pintar un escenario donde todo está bien y es el mejor país del mundo, porque sabemos que estamos en el epicentro de uno de los países más calien­tes del mundo, y no lo digo solamente de lo climático, sino también de lo geográ­fico. Entonces, el nombre del disco empieza a agarrar otro valor y otro alcance. Decir todo el mundo está caliente puede tener varias lecturas a pesar de las noticias o de las sensaciones que tene­mos en el ambiente sobre el clima, sobre la polariza­ción. Yo creo que este álbum se refiere a otro tipo de calor. Creo que Paraguay integra ya una conversación mun­dial donde, si sentimos que todo el mundo está caliente, también es, al ser parte del mundo, parte del problema y parte de la solución. Si hay un problema climático y si el mundo nos necesita, ya nos sentimos parte de la conver­sación, de la radicalización de la idea, de la ansiedad que puede generar el miedo a la guerra.

Entonces, a nosotros lo que nos queda es, como decimos, resistir con identidad, con arte, con canciones, subli­mar eso con baile, y nos damos cuenta de que, al ser ya un proyecto internacional, realmente podemos mos­trar a nuestra cultura desde el lugar que podemos tam­bién porque si bien no somos folclóricos, que es de alguna manera lo que más exportó musicalmente el Paraguay, creo que mostramos otra ver­satilidad, otra cara y abrimos también lugar.

–Mira, lo que tenemos para dar al universo es nuestra identidad, lo que descubri­mos que nos hace especia­les. Es ir para adentro, ir profundo y encontrar las similitudes y las diferen­cias, celebrarlas y abrazar­las. Creo que este es un pro­ceso de búsqueda que ya viene de muchísimos años atrás. Si miramos en retros­pectiva, te das cuenta de que, sin querer, esos pri­meros álbumes que eran de la etapa más fiestera de la banda, de alguna manera ya estaban flirteando con una mezcla de lenguaje y de idiosincrasia autóctona, desde el primer álbum que se llamó “Guaraní Cool”, ahí, sin tanta conciencia. Pero ya empezó a agarrar un poco más de carácter, creo yo, a partir del álbum “Señor Pombero”. Es la primera mirada nuestra de viajar y volver, y decir: bueno quizá no tenemos mares, quizá no tenemos montañas, quizá no tenemos nieve, pero tene­mos cerros, tenemos arro­yos, tenemos cascadas, tenemos esta tierra colo­rada, tierra roja. Tenemos esta mitología guaraní que nos inunda, esta síncopa de nuestro lenguaje, esta forma particular de acentuar las palabras que tiene que ver con el mestizaje, esas cosas que hoy en día parecen más obvias, en aquel momento y con la juventud todavía se empezaron a construir.

–“Señor Pombero” está pla­gado de esos paisajes y esos mensajes y es un proyecto en construcción. De ahí va a los “Ojos rojos” que habla de Asunción, del sauce, del cen­tro, y va evolucionando hacia una especie de búsqueda de poética personal y de identi­dad. Creo que es algo que no acaba nunca, porque la revi­sión es histórica. De hecho, cuando llega este álbum, ya empieza a usar otras frases, como por ejemplo “revisión histórica”. La revisión histó­rica es mucho más profunda que solamente revisar los últimos discos. Es una revi­sión histórica de nuestra herencia, de nuestra historia, que puede ir desde lo cultu­ral hasta lo político, depende de la amplitud que uno le dé. La razón por la cual “La hora paraguaya” llega un poco más tarde, pero llega con esta potencia. Ahora, no se puede desconocer los factores cul­turales y hasta políticos que hacen que en nuestra escena haya tardado en manifestarse un poco más que el resto.

Cada país tiene un timing cultural y creo que las cir­cunstancias de Paraguay hacen que esta construcción haya tardado un poco más, y que realmente somos parte de una escena que espera su hora hace mucho tiempo. Esa canción nos parece que es para revisar, es un guiño irónico, le da la vuelta a esa frase despectiva de decir “¿a qué hora llegamos?, ¿la hora europea o la hora para­guaya?”. Entonces, ahí hay algo también, ahí es donde nos ponemos un poco más observadores de la circuns­tancia del porqué.

–Con la ayuda de los audio­visuales creo que el disco agarra otro carácter, por­que siento que es mucho más que una suma de canciones y melodías. Hay poesía, hay un fuerte grado emotivo, y también es una obra colabo­rativa, ya porque tiene visua­les, tiene línea gráfica. Creo que pudimos reunir a lo mejor de lo mejor que tenemos en la escena para que todo el mundo se sienta parte de un álbum que ya empieza a sen­tirse como una obra colectiva, donde yo simplemente soy una parte, una parte impor­tante, pero siempre parte de un colectivo. Cuando se logra eso, creo que tiene mucho más impacto, mucha más fuerza. Realmente estamos mos­trando lo que está pasando acá en Paraguay y, específi­camente, también en Asun­ción, porque también hay una representación del lugar geo­gráfico de donde nacimos, que me parece que le hace mucho más potente al álbum, al men­saje y al concepto.

–Yo quería que este álbum sea impactante y que real­mente remueva un poco el avispero de la escena local y que también nos proyecte mucho más allá. Recordá que también es el primer álbum que sacamos con PopArt, que es un sello dis­cográfico que, aparte de que tiene años también en la escena latinoamericana, finalmente es un equipazo, es una oportunidad de lle­gar mucho más lejos. Enton­ces, yo sentía que contába­mos con una oportunidad, una plataforma muy grande que no queríamos desapro­vechar. Creo que toda esa mezcla de incertidumbre, de ideas, de colaboraciones, de procesos, construyó este álbum. No es un álbum que tuvo una línea homogénea de construcción, sino que fueron varios capítulos y un montón de canciones para llegar hasta once. Energé­ticamente, superdeman­dante; creativamente muy rico, y siento que es como una obra, de alguna manera, que cierra un hito nuevo, cie­rra una etapa y abre otra, porque es la revisión total de los últimos casi 20 años.

–Temores: cero. Al contrario, vamos comprendiendo de que realmente lo que se necesita, ya sea en la industria local o en la escena local, es colaboración. Ese dicho que dice que entre muchos llegamos más lento, pero llegamos más lejos. En ese sentido, pudimos cultivar un montón de artistas, amigos y amigas del continente y otros lugares que la verdad que nos influencian y nos inspiran un montón. En mi caso, un buen número de cantautores, compositores con los que me es un placer juntarme a componer canciones y cambiar ideas. Si bien todavía me gusta en lo personal agarrar la guitarrita y componer con un cuaderno así solo, que puede ser intenso también y hasta psicológico, colaborar, me parece que es una manera realmente de ampliar el alcance de una canción. Este álbum está lleno de eso. Cuando empezamos a buscar canciones, que fue una búsqueda de casi 2 años, se armaron tipo islas o campamentos de composición en diferentes grupos que me tocó curar, donde en algunos casos yo viajaba a Ciudad de México a componer con un chileno, con un sinaloense, con un chilango de Ciudad de México, con un costarricense, en Monterrey en el estudio, luego acá en Paraguay con El Chávez, con Mauri, en diferentes equipos. Realmente tratamos de abrir el espectro lo máximo posible para encontrar cuál era el manojo de canciones que realmente representen a este álbum, yo estoy seguro que también, además de ganas de jugar, no hay que descartar la ambición, que esto ya es una cruzada, es una misión casi.

–Aunque no parezca, el último que salió y lo más difícil fue encontrarle el nombre al álbum. Fue lo último y la cumbre. La pregunta era cómo nombramos, contamos un álbum con algo que tenga esta picardía, que tenga este picante, que tenga este calor, que tenga todo esto en una sola frase. Queríamos que sea una frase memorable, que sea una frase, no solamente tipo una palabra. Le estuvimos dando mucha vuelta. Siento que en el inconsciente colectivo general también había una revisión de lo que era Paraguay y otros proyectos globales que de alguna manera también se empezaron a acercar mucho más a su identidad, nos dieron confianza. Cuando salió “Todo el mundo está kaliente”, como que fue el hilo conductor de cómo armar justamente la tracklist y el color de las visuales también. Otra decisión muy complicada era haber sido cómo llegar a estas once canciones porque hay un montón de canciones que fueron afuera que tenían que ver incluso con el álbum, pero queríamos resumir de una manera de sentir que no tenía rellenos. Incluso hay una canción acabada que ya quedó para una segunda etapa, una colaboración con Tierra Adentro, un supertema que quedó afuera para una segunda edición, o para un single posterior, ya que no queríamos que justamente pase desapercibida, entonces fueron decisiones, así como estéticas también. Y luego creo que fue muy fluido. Tenemos la suerte de tener un equipazo con la dirección de arte de Lucas We, que en realidad facilitó muchísimo la confianza en que la mirada audiovisual iba a ser precisa. Creo que algo se va construyendo también. Ocupar los roles de cada uno y confiar sobre todo en que cada uno debe su óptica y su arte va a dar lo mejor.

Y la última decisión difícil habrá sido seguramente decir que está terminado, porque, qué sé yo, es un proceso que podríamos seguir. Me quedo con la frase tipo bueno es mejor que perfecto, prefiero que sea que se sienta bien que se escuche que la gente le llega, a decir tipo no hay ninguna coma o detalles de imperfección que quedaron. Siento que tiene también eso, un poco de salvaje y de artesanal en su construcción.

–Por un lado está esta visión de que Paraguay es esta isla rodeada de tierra, tan, también, históricamente influenciada y a veces aplastada por nuestros vecinos, todo eso, toda esa sensación, esa herencia es algo que con lo que crecimos, y por otro lado, salir y mirar a Paraguay desde lejos y mirarnos desde lejos y también escuchar lo que se dice de nosotros, lo que se piensa de nosotros, es algo que construye y empuja también a romper con esos paradigmas, con esas muletillas que se tienen también de Paraguay.

–Fundamental, un momento histórico que lo cambió todo, “7 Cajas”, que es del año 2013. Si pensás, también es de la época de “Señor Pombero” y de la época de… podría poner “Hemisferios” y otros álbumes más de la escena, que realmente empezaron a hacer esa mirada un poco más particular del orgullo de lo nuestro, no solamente ese orgullo, el orgullo de ser paraguayo, sino revisar un poco más. Eso me parece que ofrecen todos esos proyectos y nos traen hasta acá simplemente tratando de seguir construyendo escena. No sé, si “7 Cajas” fuera un hecho aislado o “Señor Pombero” no hubiese tenido otra ola, me parece que se queda chico. Lo que está bueno es de lo que viene pasando y construyéndose es que eso abre en otros proyectos, y anima a las nuevas generaciones a seguir indagando un poco por ahí. Los “Kchis” ya es un proyecto que, si bien está cada vez más grande, también tiene ya esa misión. Nosotros nos sentimos parte de una cruzada, y la cruzada es allanar el camino para las nuevas generaciones. Y eso es muy real y muy consciente dentro de nuestro crecimiento. Sabemos que, mientras más crecemos más gente viene detrás.