Andrés Selich, vocalista del grupo, compartió las ideas y detalles que envuelven al último material de la banda.

Kita Pena vuelve a marcar presencia con novedades sono­ras. En los últimos días lanzó “110/220”, su más reciente trabajo discográfico, un EP que consta de 4 canciones y un interludio, del cual ya se conoció un avance a fines de 2025, que fue mundial.

La banda, con cerca de una década y media de vida, se mantiene vigente en la pro­ducción y propuesta, dialo­gando con nuevas sonori­dades, apoyándose un poco más en las letras y poniendo al ritmo, al clima sonoro y al humor siempre como pila­res de su música. Este mate­rial, que es el sucesor oficial de “ Casi nada de lo que nos enseñaron sirve para sonreír y otras fábulas” (2018), fue producido por Marcelo Soler, mezclado por Carlos Dentice y masterizado por María Triana Mas­tering.

Andrés Selich, uno de los can­tantes de la banda, con­versó con La Nación sobre este lanza­miento, sobre la búsqueda y la dinámica que llevó a la mate­rialización de este proyecto, que amplia hori­zontes del grupo, pero desde un territorio que le es propio.

–El nombre aparece por la idea de cambiar de energía. Nos gustaba esa imagen de poder enchufarnos en luga­res distintos, pasar por otros climas, probar otras intensi­dades, pero seguir siendo la misma corriente. El EP tiene bastante de eso. Hay cancio­nes que vienen de momentos distintos, algunas más lumi­nosas, otras más introspecti­vas, pero todas conviven den­tro de una misma búsqueda. Sentíamos que no hacía falta esperar a tener un disco largo para mostrar este momento. Estas canciones tenían algo en común y el formato EP nos permitía decirlo sin estirarlo de más.

–Todos en la banda escu­chamos mucha música y eso inevitablemente se filtra. Nos gusta probar, jugar con climas distintos, ver hasta dónde puede ir una canción.

Creo que experimentar tam­bién hace que todo sea más divertido. La clave está en que eso nuevo no entre como dis­fraz. Tiene que pasar por la banda, por nuestra forma de tocar, de cantar y de decir. Ahí recién se vuelve nues­tro. El miedo a perder iden­tidad puede aparecer, pero también sería raro cuidar tanto una forma que termine volviéndose una jaula. Para noso­tros la identidad no es repetir siempre lo mismo, sino seguir reconociéndonos aunque cambiemos de energía.

–Creo que primero aparece. Hay un temperamento de la banda que sale bastante naturalmente: cierta forma de mirar, de no ponerse solemne, de mezclar algo sensible con algo más coti­diano. No sé si lo llama­ría humor en el sentido de hacer reír, sino más bien una manera de pararse frente a las cosas. Después sí hay un trabajo consciente. Escucha­mos si ese clima sostiene la canción, si la letra entra en ese mundo, si algo sobra o si se vuelve demasiado expli­cado. A veces una canción necesita más luz, otra nece­sita más rareza, otra pide ser más directa. Nos inte­resa que las canciones ten­gan algo para decir, pero que no pierdan cuerpo. Que no se vuelvan discurso. Que pue­dan dejar una idea, pero tam­bién moverte un poco.

–Las letras siempre vienen de alguien. De una mirada, de una frase, de una inco­modidad o de una necesi­dad puntual. Pero para que una letra llegue a Kita Pena tiene que tener la capacidad de representar a todos de alguna manera. No significa que todos hayan vivido exac­tamente lo mismo, sino que todos puedan reconocer algo ahí y defenderlo como pro­pio. Una canción puede nacer de una experiencia personal, pero si queda encerrada sola­mente en eso, le cuesta crecer.

En la banda se cuida mucho esa primera voz, pero tam­bién se acepta que la can­ción pida cambios. A veces una palabra cambia todo. A veces una frase que parecía importante no entra. Lo lindo es cuando algo que empezó en una persona termina encon­trando una forma que todos podemos cantar.

–Estamos en un proceso de encontrar una nueva forma de movernos. Kita Pena tiene muchos años, muchas etapas y muchas vidas adentro. No sentimos que estemos empe­zando de cero, pero tampoco queremos funcionar en auto­mático. Este EP nos agarra en un momento de cambio de energía, justamente. Con ganas de seguir haciendo música, pero también de entender cómo se comparte hoy, cómo se sostiene una banda y cómo se conecta con la gente después de tanto tiempo. Capaz estamos en un proceso de reconexión: con las canciones, con la banda y con una versión nueva de nosotros.

–Es un momento raro para hacer música. Hoy una can­ción también tiene que sobre­vivir al scroll. Eso puede ser cansador, porque además de hacer música tenés que pensar cómo lograr que alguien se detenga un rato a escucharla. Las plataformas abrieron puertas, eso es real, pero también concentraron mucho la atención. Hay más música que nunca, pero no necesariamente más escu­cha. Una canción puede estar disponible en todo el mundo y al mismo tiempo perderse en dos segundos entre mil cosas.

En Paraguay hay mucho talento y mucha gente haciendo cosas con identidad, pero todavía cuesta sostener circuitos, espacios y hábitos de escucha. Entonces uno va aprendiendo a moverse en ese paisaje sin traicionar lo que hace. Comunicar más, sí. Adaptarse, también. Pero sin convertirse en una banda que existe solo para alimentar el algoritmo.

–No sé si pensamos las can­ciones como consejos. Nos interesa más que funcio­nen como lugares donde uno pueda reconocerse un poco. Hay preguntas que vuelven en este EP: cómo dejar de preocuparse por todo, cómo cambiar de ambiente cuando algo te apaga, cómo volver a creer sin tener todo resuelto, cómo cortar una cadena antes de repetirla. Son cosas sim­ples de decir, pero difíciles de hacer. Capaz la búsqueda va por ahí. No tanto en encon­trar una verdad enorme, sino en animarse a mirar algunas cosas de frente. A veces una canción no te resuelve nada, pero te acompaña mientras tratás de ordenar un poco el ruido. Y eso, para nosotros, ya vale bastante.

El cantante le aporta su identidad sonora e interpretativa a canciones que fueron himnos décadas atrás.

“El concepto es darle más potencia a canciones que de por ahí quedaron con un sonido, a lo mejor, un poco de tiempos anteriores, consiguiendo nuevas versiones. Las llevo hacia un sonido identificando lo que me gusta y con lo que soy”, explica Marcos Kasa­netz sobre la idea del proyecto que viene encarando, en la semana en la que dio a cono­cer su nuevo trabajo musical, una versión rockera de la can­ción “Un vestido y un amor”, del cantante argentino Fito Páez.

“La idea surge a raíz de que en mis shows yo reci­clo muchas canciones de los 90 y 2000 que fueron o son himnos, pero que que­daron un poco olvidadas, así es que cuando las toco la gente las canta y las corea, como si yo fuese el mismo artista que las hizo. Mis versiones son muy pecu­liares, primero porque me encanta darle potencia a todo, soy muy rockero”, señala el cantante.

Marcos, con dos décadas de trayectoria en la escena musical, viene desarrollando un proyecto que tiene como base el abordaje de versio­nes de clásicos, y que pre­tende que crezcan hacia la grabación de canciones de su autoría. “Detrás de todo esto quiero meter canciones mías que dejé postergadas desde hace mucho tiempo. Siento que ahora, después de años, volví a encontrar la motivación y la gente que me acompaña en este trecho del viaje”, agregó.

Se trata de un artista que tiene una fuerte influencia del rock rioplatense, con un padre que siempre tocaba la guitarra en su casa, la música y el canto siempre estuvieron presentes en su formación.

“Inicié mi carrera desde jovencito cantando en cer­támenes, intercolegiales de la canción. Fui vocalista de una banda que se llamaba La Fruta Prohibida, con la que tuvimos una época dorada, giramos por todo el país prác­ticamente. También formé parte de un reality de tele­visión de cantantes y bai­larines. Durante diez años canté con Los Farranderos, con presentaciones en festi­vales, eventos privados, con ellos aprendí muchísimo”, narra Marcos.

En 2018 decidió tomar vuelo independiente junto a sus amigos Eduardo Benítez y Lorenzo Recalde, con quie­nes dieron vida al proyecto Los Calaveras. La pandemia se encargó de enfriar aque­lla ilusión.

“Pero hace un mes nos volvi­mos a juntar y nos volvimos a enamorar. Siento que estoy en un momento pleno, justo, perfecto, maduro, con expe­riencia, definido, con energía, con cariño, rodeado de gente hermosa que me quiere y me acompaña, lindo momento para retomar y darle a mi público lo que tanto me pide: canciones. Entonces eso es lo que se viene este año de mi parte, canciones y más can­ciones”, sentenció.

“Son canciones de los 90 que a un tipo de mi edad lo mar­caron, y siguen siendo him­nos para nosotros, con el plus de que en una versión nueva también les gusta. Ni te hacés idea cómo cantan temas como ‘Canción de des­pedida’”, comenta.

Marcos, quien forma parte de la cartelera musical de la capital, viene trabajando en la producción en estudio junto a César da Costa, un recono­cido de la escena, con quien construyó una afinidad per­sonal y musical. La versión de “Un vestido y un amor” apuesta a una mayor solidez y estabilidad, en el acompa­ñamiento, con el color propio de la voz de Marcos. El tema fue lanzado con un video clip, grabado en el centro histórico de la ciudad.

“La producción con César la trabajamos de forma extre­madamente amena. Es un tipo de mucha experien­cia y trayectoria también, y por suerte coincidimos en mucho, tenemos química musical, eso facilita el tra­bajo y cuidamos todos los detalles dentro de lo legal, porque como se sabe, hay cosas que se pueden modi­ficar, otras que no, en eso César es muy entendido, entonces trabajo bajo su asesoramiento sumamente calificado”, concluyó.

El destacado cuarteto de jazz paraguayo Joaju, junto al reconocido cantautor Ricardo Flecha, se enorgullecen en anunciar el lanzamiento de su esperado álbum homenaje a la vida y obra artística de Maneco Galeano, a 80 años de su nacimiento. Con una colección de 9 temas, con arreglos exclusivos de Giovanni Primerano, de canciones emblemáticas de Maneco, además de una composición inédita, capturan la esencia de su estilo único, con una fusión de jazz y ritmos tradicionales paraguayos, transportan al oyente a un viaje sonoro que celebra la riqueza musical del país.

El álbum propone un diálogo entre el pasado y el presente, conservando la esencia de Maneco mientras abre espacio a nuevas sonoridades que dialogan con su memoria. Al mismo tiempo, busca resaltar la figura de Maneco como uno de los pilares de la música paraguaya de autor, cuyo legado vocal y compositivo marcó una época y continúa influyendo en las nuevas generaciones.

Este proyecto tomado como un “Legado Musical” no solo es un homenaje, sino también una reinterpretación fresca y vibrante de la obra de un artista que ha dejado una huella imborrable. A través de sus letras y melodías, Maneco Galeano abordó temas desde una identidad propia de nuestro país en su contexto histórico que resuenan en todas las generaciones, y este álbum busca revitalizar su mensaje de amor, esperanza y resistencia.

La presentación oficial del álbum se llevará a cabo el 23 de junio en el Teatro Municipal de Asunción, tickets a precios populares vía Ticketea. Este evento promete ser una celebración inolvidable, en un encuentro intergeneracional diverso para rendirle un sentido y merecido homenaje a Maneco. El álbum, “Maneco 80″ estará disponible en todas las plataformas digitales a partir del 24 de junio del 2026.

Este proyecto cuenta con el apoyo de la Fundación Itaú, tanto para la grabación del álbum como para la realización de una serie de conciertos didácticos que promoverán la figura de Maneco Galeano y su legado en la cultura paraguaya.

“Maneco Galeano dejó un camino que seguimos recorriendo; en este álbum. Que es un viaje que lo celebra y lo mantiene vivo en el sonido de hoy”, dice Joaju Cuarteto. “Dedico este trabajo a la memoria de Maneco Galeano. Su legado sigue guiando nuestra voz y nuestra forma de hacer música”, comenta Ricardo Flecha, por su parte.

El cantautor paraguayo Diego Rickmann, de 23 años, presenta su segundo álbum de estudio, titulado “Después del futuro”, que reúne trece canciones que combinan sonidos característicos del Sur, letras introspectivas e inspiradoras y una identidad artística profundamente personal. Su primer disco fue “Sinceridad”, estrenado en diciembre de 2023.

“Después del futuro” apuesta por la autenticidad y propone un universo propio. Guitarras acústicas y eléctricas con distorsión, solos expansivos, atmósferas etéreas y melodías coreables que permanecen sin perder profundidad. El material se configura como una serie de “canciones para recordarte quién querés ser”: una declaración de fe en los sueños.

A partir de una pregunta simple y casi existencial, el trabajo se despliega como un mantra contemporáneo: canciones que reconectan con lo esencial en medio del ruido cotidiano. Es un disco que acompaña, eleva y activa. Si en su primer álbum, Rickmann hablaba en retrospectiva y se centraba principalmente en el amor romántico, esta nueva producción amplía la mirada: ambición, sueños, amor por la vida, amistad, introspección y transformación personal.

La música atraviesa su vida desde la infancia. Influenciado por sus padres, Diego creció rodeado de compositores como Tchaikovsky y Beethoven. “Desde muy chico, escuchaba a mis hermanos practicar lo que estudiaban en el Conservatorio Nacional y les copiaba de oído. Los adultos se sorprendían por la rapidez con la que aprendía”, recuerda.

A los seis años ingresó al Conservatorio con el violín. Durante su infancia y adolescencia integró coros, orquestas y bandas, como intérprete y compositor. Con el tiempo, su curiosidad y disciplina lo llevaron a dominar múltiples instrumentos: guitarra, piano, batería, bajo, voces, violín y sintetizadores.

Uno de los rasgos que define su recorrido es la independencia creativa. Sinceridad fue construido únicamente con un celular, una guitarra y la necesidad urgente de expresarse. Sin micrófonos profesionales ni campañas de difusión, logró conectar de forma directa con su audiencia.

“Decidí sacarle el mayor provecho a lo que tenía y así armé todo un álbum”, cuenta. “Cuando vi que las canciones tocaban la fibra de quienes las escuchaban, confié más en mi visión. Me animé a hacer música que no solo transmita emociones, sino que acompañe, impulse y motive”.

En “Después del futuro”, esa sensibilidad inicial se convierte en expansión sonora. Los instrumentales ganan espacio y los arreglos construyen climas astrales y melancólicos que, de pronto, se tornan luminosos y esperanzadores. La obra se mueve en un rock acústico de carga emocional, con alma de balada y energía de ruta. Un disco para escuchar en soledad, pero también para cantar con amigos, subir el volumen en el auto y volver a creer en lo que viene.

El álbum reúne trece tracks, titulados: “Intro (después del futuro)”, “1 de enero”, “Ya hice más”, “Nuestra excusa”, “Sale el sol 2.0”, “Locura”, “Al borde”, “Hoy si”, “La emoción de ganar”, “Amar (lado a)”, “Un solo para Guille”, “Outro (después del futuro)” y “Me fascina”. Desde el 10 de enero de 2026 está disponible en plataformas de Spotify, Apple Music y YouTube. Instagram y TikTok: @therickmann.