El Instituto Municipal de Arte (IMA), a través de la Escuela Municipal de Arte Dramático “Roque Centurión Miranda” (EMAD), llevará a cabo la clase magistral “Del escenario al aula. Pedagogía para artistas”, a cargo del dramaturgo y actor mexicano Enrique Saint-Martín, el viernes 5 de junio, en horario de 19:00 a 21:00. El encuentro tendrá lugar en el noveno piso de la sede institucional ubicada en Presidente Franco y Montevideo. La actividad está dirigida a profesores, artistas y estudiantes de teatro y disciplinas artísticas, con una inversión de G. 50.000.

El encargado de dictar esta capacitación es el profesor, actor y dramaturgo Enrique Saint-Martín, originario de México, quien cuenta con una prolífica carrera en las artes escénicas. Saint-Martín ha participado como actor en más de 50 puestas en escena y ha desarrollado la dramaturgia de 23 obras teatrales. Obtuvo importantes galardones como el premio estatal de Literatura de Baja California y distinciones al mejor actor. En su vasta experiencia en el sector cultural público, se desempeñó con éxito como subdirector operativo del Instituto Municipal de Arte y Cultura en Tijuana y como Coordinador Académico del Instituto de Cultura de Baja California, un perfil de liderazgo idóneo para guiar la transición de los artistas desde las tablas hacia las aulas.

El director de la Escuela Municipal de Arte Dramático “Roque Centurión Miranda” (EMAD), el profesor Mario Santander, destacó el gran valor de este espacio para la comunidad artística local, señalando que la docencia en el arte requiere no solo de talento escénico, sino de una estructura metodológica clara que permita transmitir la pasión y el oficio de manera efectiva a las nuevas generaciones. En consonancia con este enfoque, la directora general del IMA, Luz María Bobadilla, remarcó el constante compromiso de la institución con la formación continua y de alta calidad para sus docentes y alumnos, promoviendo vínculos académicos internacionales que jerarquizan la pedagogía artística en la ciudad de Asunción.

La propuesta académica tiene como objetivo auxiliar a los artistas y estudiantes de arte brindándoles conocimientos pedagógicos y metodologías de la enseñanza esenciales para impulsar y enriquecer sus clases artísticas. A lo largo de una intensa jornada teórica y práctica de dos horas de duración, se abordará un temario enfocado en comprender los procesos de aprendizaje del alumno y sus comportamientos dentro del aula.

Asimismo, se profundizará en la figura del profesor-artista, analizando cómo incorporar los conocimientos teatrales a la docencia frente a los esquemas de los maestros tradicionales. El bloque de contenidos se completará con herramientas indispensables sobre planeación y planificación educativa -abarcando programas curriculares, temporales y el diseño de lección por lección-, además de los tipos, momentos e instrumentos de la evaluación pedagógica, concluyendo con una clase práctica interactiva entre todos los asistentes.

Las personas interesadas en formar parte de esta clase magistral pueden asegurar su cupo realizando los trámites correspondientes a través del correo electrónico glofarano@gmail.com para los pagos digitales. La organización general se encuentra a cargo de la EMAD. Para obtener más detalles sobre esta y otras actividades del instituto, se invita a la ciudadanía a seguir de cerca las actualizaciones informativas en las redes sociales oficiales, a través de @institutomunicipaldearte en Facebook, Instagram y TikTok.

El español Javier Bardem buscó inspiración en el mundo animal para meterse en la piel del perturbado Max Cady en la versión televisiva de “Cabo del Miedo”, y traer el personaje interpretado en el pasado por Robert De Niro y Robert Mitchum a otra generación con otros traumas. “Hay algo amenazante, un componente animal en Max Cady que siempre ha estado ahí”, dijo Bardem en una mesa redonda de cara al lanzamiento de la serie que llega a la plataforma Apple TV el 5 de junio.

“Tiene algo que no te deja quitarle los ojos de encima, pero cuando menos lo esperas, te puede atacar (...) y fuimos en esa dirección”, agregó el actor de 57 años. “¡Un predador paciente!”, le complementó su antagonista en la pantalla, Amy Adams. La actriz de 51 años interpreta a Anna Bowden, quien al igual que su esposo Tom (Patrick Wilson) y sus dos hijos, se convertirá en el blanco de la furia de Cady, un exconvicto que cumplió condena acusado de matar a su esposa.

Para el rol, Adams se inspiró en las actrices clásicas “por la forma en que podían equilibrar una feminidad extrema con una voluntad y determinación absolutamente inquebrantables”. “Creo que es simplemente parte de cómo me gusta ver a las mujeres, fuertes y suaves a la vez. Me encanta esa contradicción”, acotó.

La serie está basada en el libro “Los verdugos” (1957) de John D. MacDonald, del cual hay dos versiones cinematográficas, una de 1962, y la otra de 1991, protagonizada por De Niro, Nick Nolte y Jessica Lange, y dirigida por Martin Scorsese. Scorsese y Spielberg son productores ejecutivos de la serie creada por Nick Antosca.

“Ellos leyeron los guiones, dieron sus observaciones, vieron los episodios”, dijo Antosca en la mesa redonda. El también guionista defendió expandir “esta pesadilla atemporal” a una serie de diez episodios para traer elementos del pasado e introducir “muchas sorpresas y giros” que reflejen la cultura del momento, “así como las versiones previas”.

Uno de estos nuevos elementos es la historia de Cady, cuyo juicio termina uniendo a su entonces abogada Anna y al fiscal que lo acusa, un joven Tom Bowden.

“Ellos se casan por el juicio, tienen hijos por el juicio, así que esta condena y su sufrimiento es la base de su felicidad”, comentó. Para Antosca, “Cabo del Miedo” es la historia “de la destrucción de una familia que se siente segura”, y el aspecto más aterrador de la trama es que “un monstruo” es capaz de “encontrar vulnerabilidades invisibles”, y psicológicamente, poco a poco, separar a los miembros de la familia.

Pero el formato televisivo le permitió además dar más profundidad a Cady y mostrar la evolución de su furia. “Quería que la audiencia pudiese a veces simpatizar con él, y otras veces, tenerle pavor”. Bardem, en la alfombra roja de la serie en Los Ángeles, sostuvo que el elemento tecnológico fue crucial para traer la historia a la década actual.

“El hecho de poder manejar, manipular el pensamiento, la idea, la voluntad a través de lo que leen por este teléfono, por el ordenador... Él es un hombre consciente de eso y lo utiliza”, dijo a la AFP. El thriller veraniego, ambientado en la pantanosa Georgia, incorporó a los jóvenes Joe Anders y Lily Collias para encarnar a los hijos de la atormentada familia Bowden.

Fuente: AFP.

En “Amos del Universo”, el inseguro Adam se convierte en He-Man con solo blandir la espada de Grayskull. Pero para el actor Nicholas Galitzine, la transformación en el musculoso héroe de los años 1980 fue un esfuerzo titánico. “Quisiera que pudiese apenas apuntar la espada al cielo”, comentó entre risas Galitzine, quien protagoniza la nueva versión de la cinta que llega a los cines estadounidenses este viernes. “Fue una tarea monumental”, dijo a la AFP.

Durante meses, la rutina de Galitzine giró en torno a comer mucho (o poco, dependiendo de la fase), a levantar pesas y a hacer ejercicios de cardio en cualquier minuto disponible. “Sabía que iba a ser realmente difícil, pero no imaginaba cuán fuerte tienes que ser mentalmente para hacer esto”, contó el británico que pasó buena parte del proceso “envidiando la comida” a su alrededor.

Galitzine, de 31 años, no creció viendo las aventuras de He-Man, ni mucho menos la adaptación del personaje de Mattel a la pantalla grande en la década de 1980 que lideró Dolph Lundgren, pero se sintió atraído por el proyecto apenas leyó el guion. “No solo lo devoré de principio a fin, sino que estuve riéndome casi todo el tiempo”, recordó.

El humor, afirmó, fue parte importante de la cinta dirigida por Travis Knight, cofundador del estudio de stop-motion Laika, con éxitos como “Coraline”. “Hay mucho humor en la forma en que conocemos a Adam. Es un chico un poco torpe, que no está totalmente cómodo en su propia piel, así que había mucho material con qué trabajar”.

El actor compartió pantalla con Camila Mendes, en el papel de su amiga Teela, e Idris Elba (Duncan). El trío hace frente a Jared Leto, en la piel (o huesos) del malvado Skeletor, y Alison Brie, que interpreta a su mano derecha, la hechizera Evil-Lyn, en una lucha por Eternia. Para Mendes, de 31 años, asumir el rol de una heroína fuerte era una oportunidad ansiada.

“Teela es una especie de fuerza estabilizadora a lo largo de la película”, dijo a AFP. La actriz subrayó que esto es latente en la dinámica entre su personaje y los dos hombres a su lado: Adam y su padre, Duncan. “Hay humor en ver a Teela frustrarse con los dos porque son un desastre, y para ella es como ‘Oh, genial, tengo que hacer todo yo sola de nuevo’”.

Fuente: AFP.

• Por David Sánchez, desde Toulouse (Francia), X: @tegustamuchoelc (*).

La segunda temporada de “Beef” no quiere repetirse. Y quizá esa sea su decisión más inteligente. Después de convertir una pelea de tráfico en una parábola contemporánea sobre la rabia, la serie creada por Lee Sung Jin —“Sonny” para todos en la industria— abandona la furia individualista de su primera entrega para mirar algo todavía más incómodo: el matrimonio, el dinero y el modo en que el capitalismo termina modelando incluso nuestras formas de amar.

La nueva temporada cambia Los Ángeles suburbano por un ecosistema de élites entre Montecito y Corea del Sur. Hay nuevos personajes, nuevos conflictos y una estructura más coral. Pero el corazón de la serie sigue siendo el mismo: personas atrapadas en ciclos emocionales que apenas comprenden.

Durante una conferencia virtual organizada por Netflix, Lee Sung Jin explicó que la inspiración inicial fue “muy simple”: observar dos parejas en etapas distintas de sus relaciones. Sin embargo, al desarrollar la historia, apareció inevitablemente otra variable. “Si quieres explorar honestamente el matrimonio en 2026, inevitablemente tienes que enfrentarte al capitalismo”, afirmó.

La temporada, según el creador, está construida alrededor de “las cuatro estaciones de la vida”. Cada pareja representa un momento distinto del desgaste sentimental: juventud, estabilidad, resignación y vejez. El plano final —una imagen aérea inspirada en el samsara budista— resume la idea central: todos permanecen atrapados en un ciclo repetitivo de deseo, frustración y búsqueda de sentido.

La gran novedad de esta entrega no es solo temática. También lo es generacional. Lee Sung Jin reúne por primera vez en pantalla a dos leyendas absolutas del cine coreano: Youn Yuh-jung y Song Kang-ho. Dos intérpretes monumentales que, paradójicamente, pasaron buena parte del encuentro minimizando su propio talento.

Youn Yuh-jung interpreta a Chairwoman Park, una multimillonaria afilada, manipuladora y profundamente lúcida. Para el público estadounidense supone además un pequeño giro: la actriz, acostumbrada a encarnar figuras cálidas o excéntricas, asume aquí un rol más cercano al antagonismo. Ella misma bromeó con ello durante la conversación: “En realidad soy una mujer elegante. No hablo así en mi vida real”.

Parte de su ansiedad provenía del idioma. Aunque ha trabajado internacionalmente durante años, confesó sentirse insegura actuando en inglés. Lee Sung Jin respondió incorporando esa tensión al personaje: una mujer tan poderosa que puede decidir cuándo hablar inglés y cuándo no hacerlo. La lengua deja de ser una limitación para convertirse en una demostración de poder.

Más reveladora aún fue la historia detrás del fichaje de Song Kang-ho. El actor de Parasite rechazó inicialmente el proyecto. Según contó, le aterraba interpretar un personaje tan distinto a los que había hecho antes. Fue Youn Yuh-jung quien terminó convenciéndolo personalmente por teléfono. “Le dije: eres el mejor actor de Corea, puedes hacer cualquier papel”, recordó ella entre risas.

El resultado es una relación tan extraña como fascinante. Ella interpreta a una mujer inmensamente rica que ya no busca amor romántico ni utilidad práctica en el matrimonio. Busca entretenimiento. “El primer marido es por amor, el segundo por conveniencia y el tercero por diversión”, explicó la actriz.

Song Kang-ho, por su parte, definió a su personaje como alguien dominado por la carencia emocional. Un hombre movido por el dinero, sí, pero también por una necesidad infantil de afecto. “Creo que le falta amor, incluso amor maternal”, señaló.

La temporada también expande el universo identitario de la serie. Lee Sung Jin contó que decidió trasladar parte de la acción a Corea después de volver al país para dirigir un videoclip de RM, miembro de BTS. Allí volvió a conectar con una sociedad atravesada por el poder económico de los chaebol —los grandes conglomerados familiares coreanos— y vio en ello una dimensión poco explorada de la experiencia asiático-estadounidense.

Por eso “Beef” ya no habla únicamente de rabia. Habla del agotamiento moral de sobrevivir dentro de sistemas que transforman las relaciones humanas en transacciones permanentes. Incluso los personajes más jóvenes, explicó Lee Sung Jin, terminan descubriendo cómo el tiempo erosiona ideales que parecían sólidos a los veinte años.

Quizá ahí reside la evolución más interesante de la serie: entender que la violencia emocional no siempre explota en gritos o persecuciones. A veces aparece en cenas silenciosas, matrimonios funcionales o conversaciones donde nadie dice exactamente lo que siente.

La primera temporada de “Beef” era una historia sobre personas incapaces de controlar su ira. La segunda parece mucho más sombría: una historia sobre personas que ya ni siquiera saben si todavía son libres.

* David Sánchez es un periodista franco español afincado en Toulouse, centrado especialmente en cine iberoamericano, miembro de la crítica internacional Fipresci. Sitio: https://www.tegustamuchoelcine.com.