• Jimmi Peralta
• Fotos: Gentileza

El reconocido guitarrista José Villamayor vuelve a hurgar entre las sonoridades del jazz y el 6x8 nacional. En este diálogo con La Nación del Finde, habló sobre su último álbum y cómo los 10 temas que lo componen constituyen “un recorrido que avanza hacia la luz”.

La apuesta por la música producida en el país se encuentra muchas veces en medio de la tensión entre lo posible y lo proyectado, realidad y sueños. La tenacidad en el trabajo y el compromiso con los objetivos son los que, entre otros elementos que atañen al talento, permiten el surgimiento de cada nuevo nuevo proyecto.

En este sentido, José Villamayor es un guitarrista de la escena jazzística local con una carrera de más de dos décadas. Recientemente presentó “Aires nacionales II”, un nuevo registro personal grabado en formato de sexteto, en el que plasma su búsqueda sonora y sensibilidad entre los géneros que lo constituyen internamente: el jazz y la música paraguaya.

Villamayor, quien logra este disco con apoyo de Matías Insaurralde y la producción de Sergio Cuquejo en Spirit And Sound, contó en estudio con la participación de Vetner López, Juan Pablo Giménez, Giovanni Primerano, Bruno Muñoz, Ezequiel Takebe, Dani Pavetti y Nico Vera.

–¿Cómo definirías tu último álbum?

–Para mí, “Aires nacionales II” es un disco que habla de la luz y de la esperanza. Creo mucho en el poder emocional que tiene la música y en lo que puede generar en quien la escucha. Por eso pensé el álbum como un viaje, diseñado para escucharse en orden, con un recorrido simbólico. El disco comienza con “Gota de luz”, que representa ese pequeño destello de esperanza que todos necesitamos para sentir que vamos por el buen camino. Y termina con “La esperanza de un nuevo día”, que funciona como un recordatorio de que cada mañana ofrece una nueva oportunidad, una nueva esperanza. De alguna manera, el álbum va desde esa primera chispa de fe hasta una esperanza más plena: un recorrido que avanza hacia la luz.

–¿Qué hilo conductor une los dos discos de “Aires nacionales” o cómo se proyecta uno a través del otro?

–Para mí, el hilo conductor entre ambos discos es la idea original que dio nacimiento al proyecto “Aires nacionales”: agrupar mis músicas con “aires nacionales”, valga la redundancia; pasar por el filtro del jazz y del folclore. No desde un lugar estrictamente tradicional, sino desde mi propia mirada, mi tiempo y mi bagaje. Lo que une a ambos discos es esa búsqueda de tocar nueva música con “aires nacionales”, aunque cada uno lo hace desde sonoridades distintas. El primer disco está grabado con una formación más reducida y completamente acústica, con instrumentos de madera como el contrabajo, el requinto, la guitarra y la percusión, lo que genera una estética más orgánica y cercana a lo folclórico. En cambio, “Aires nacionales II” amplía la paleta tímbrica: aparece una convivencia entre lo acústico y lo eléctrico. Esa mezcla mantiene la raíz del proyecto, pero explora nuevas texturas y colores sonoros.

–¿Qué búsquedas musicales y/o sensibles pensás que predominan en este material?

–Pienso que en este disco la búsqueda musical y sensible no están separadas, sino que funcionan como una misma cosa. La intención principal es generar sensaciones en el oyente: que la música pueda transmitir ideas desde lo emocional, casi en la piel, a medida que avanza el recorrido del álbum. Cada obra propone un clima particular.

–¿Podrías hablarnos de lo que plantea cada una de las propuestas?

–En “Gota de luz” me interesa que se perciba esa esperanza inicial, ese destello o chispa de fe. “Una hoja al viento” invita a una filosofía de dejarse llevar con serenidad, con cierta paz, como el viaje de una hoja al viento. “La raíz del alma” apunta a ese reconocimiento del mundo interior, de aquello profundo que define a cada persona. “Ñandutí” busca conectar con la belleza estética de nuestra cultura, mientras que “La fiesta de la vida” transmite celebración y energía colectiva, ese lado extraño y maravilloso de estar vivos. Hay también espacios más introspectivos o reflexivos: “Pya’e” sugiere esa sensación de rapidez permanente del mundo moderno, esa ansiedad constante de actualización donde parece que nunca terminamos de asentarnos. La idea misma de la obra es que incomode un poco, que nos acelere, que nos haga sentir corporalmente ese pulso vertiginoso en el que vivimos. “Paseo por el río” propone un viaje hacia lo vulnerable y lo interno. “Canción para los sobrevivientes” conecta con una memoria emocional compartida, marcada por experiencias globales como la pandemia. Finalmente, “Arasunu” se vincula con una idea de misterio y de conexión con el tiempo: el trueno como símbolo de algo ancestral que permanece inmutable, más allá de los cambios tecnológicos o culturales, y que nos une con quienes vivieron antes que nosotros.

–Con los años fuiste aprendiendo y cambiando… ¿Qué cosas dan los años a la hora de escuchar o tocar música?

–Creo que una de las cosas más importantes que dan los años es la necesidad de no mostrar todo el tiempo todo lo que uno sabe. Cuando empezás a tocar, muchas veces querés demostrar constantemente los recursos, abrir el abanico técnico para que se vea todo lo que podés hacer. Con el tiempo esa mirada cambia: empezás a entender las herramientas musicales más como recursos y, sobre todo, como recursos emocionales que como elementos de exhibición. La técnica deja de ser un fin en sí mismo y pasa a estar al servicio de la música, de lo que la música necesita decir. Al comienzo, cuando uno arranca, suele estar muy conectado con el lado emocional. Después aparece la academia o el estudio profundo, y uno queda fascinado con las posibilidades teóricas y técnicas, a veces alejándose un poco de esa esencia inicial. Pero con los años se vuelve al origen, a la idea primaria de la música como una experiencia de conexión y bienestar, tanto para quien la toca como para quien la escucha.

–¿Qué aporta a la mirada y el oficio del músico el ejercicio de la docencia?

–Para mí, ese contacto permanente con nuevas energías y miradas nutre mucho y renueva mi propio lenguaje musical. La docencia también me permite mirar la música desde otra perspectiva, volver a repensarla y redescubrirla constantemente a través de los procesos de otros. Algo muy interesante, además, es que con el tiempo voy conociendo el nacimiento de muchas promesas musicales. Varios alumnos míos, con los años, terminan convirtiéndose en colegas dentro de distintas agrupaciones, incluso en las mías, y eso es algo que me genera una enorme satisfacción, tanto humana como musical.

–¿Cómo surge para vos la necesidad o el oficio de componer?

–En mi caso, la composición no siempre parte de una búsqueda planificada, sino más bien de apariciones espontáneas de ideas. Muchas veces surgen en medio de la vida cotidiana: caminando, manejando en silencio, en medio de la práctica o también en determinados estados emocionales donde siento la necesidad de plasmar algo. Cuando eso sucede, intento registrarlo de inmediato, generalmente grabándolo en el celular. Cuando no tengo la posibilidad, trato de retener la idea en la cabeza lo más posible para después grabarlas, aunque a veces no lo logro. La gran mayoría de las veces quedan como ideas registradas que luego retomo y desarrollo con mayor profundidad. Es un proceso muy ligado a la inspiración, pero también al trabajo posterior: volver sobre esa idea, darle forma y transformarla en obras que puedan ser compartidas.

–¿Por qué elegiste explorar desde el jazz la música paraguaya?

–Explorar la música paraguaya tiene que ver directamente con mi propia vivencia musical. Por un lado, el folclore paraguayo y, por otro, el jazz, después de tantos años de estudiarlo, tocarlo y vivirlo. De manera natural, entonces, esos dos mundos empiezan a convivir dentro de mi lenguaje y aparecen a la hora de componer. Si bien escribo música en otros estilos, en este proyecto decidí agrupar aquellas obras que comparten esos “aires nacionales”: una sonoridad, una estética y una raíz vinculada a lo paraguayo, vistas a través del filtro de mi propio bagaje. Por eso el repertorio responde a ese concepto más que a una limitación estilística de mi producción en general.

–¿Editar se debe a un impulso personal?

–En mi caso, grabar un disco no tiene tanto que ver con una decisión individual. Porque si dependiera solo de mí, probablemente estaría produciendo y grabando constantemente, además de tocar. La realidad es que para que un proyecto discográfico se concrete tienen que darse muchas condiciones. Por un lado, la disponibilidad de los músicos: poder coordinar ensayos, que todos tengan el tiempo para estudiar el repertorio y trabajar el material, y que además estén disponibles justamente aquellos músicos que uno considera idóneos para el proyecto. Muchas veces eso es complejo, porque la mayoría vive la música también como sustento diario o tiene otras prioridades laborales que dificultan sostener un proceso largo de ensayos y grabación. Por otro lado, están las condiciones económicas propias de producir un material. Grabar un disco implica costos y una estructura que necesita cierta viabilidad para poder realizarse. Entonces, más que un impulso personal, la grabación termina siendo el resultado de que coincidan las condiciones humanas, de tiempo y económicas necesarias para que el proyecto sea posible.

Rodrigo “Coto” Nogués, presidente del Club Olimpia, confirmó que realizó una oferta significativa para que la reconocida banda surcoreana de K-pop BTS se presente en Paraguay.

En una entrevista reciente, Nogués expresó que está haciendo “todo lo posible” para lograr que la banda brinde un concierto en nuestro país. “La presión de las Army es muy fuerte. Hicimos una oferta importante, pero todavía no hay noticias”, confirmó a 1020 AM.

La exitosa banda de K-pop BTS continúa generando expectativa entre sus fans paraguayos, ante una posible fecha en nuestro país de su tour “Arirang”. Según la página de Instagram @zxc_top7, conocida por compartir información confiable sobre la banda: “BTS podría llegar a Paraguay en noviembre”.

Esta cuenta ya había adelantado con precisión otras fechas de la gira “Arirang” en países como Argentina, Chile y México, lo que aumenta la ilusión de los fans paraguayos.

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La gira “Arirang” marcará el regreso de BTS a los escenarios tras una pausa de cuatro años por el servicio militar obligatorio. La banda recorrerá más de 30 ciudades en Asia, Norteamérica y Europa, con paradas en estadios emblemáticos como el Metropolitano en Madrid, el Estadio GNP Seguros en Ciudad de México o el Monumental de Buenos Aires.

Formado por la compañía Big Hit Entertainment (actual HYBE), BTS debutó en 2013 con el sencillo “No More Dream”. Está integrado por siete miembros: RM, Jin, Suga, J-Hope, Jimin, V y Jungkook, combinando canto, rap y baile de manera única.

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El gigante del streaming Netflix anunció este martes que transmitirá en vivo el concierto de regreso de la popular banda surcoreana BTS, cuyos integrantes vienen de concluir su servicio militar obligatorio. El estelar grupo de K-pop interrumpió su actividad en 2022 por el reclutamiento de sus siete miembros.

La banda confirmó el lanzamiento del álbum ARIRANG para el 20 de marzo y al día siguiente un concierto gratuito en la plaza Gwanghwamun de Seúl, antes del inicio de una gira. Netflix anunció que esa presentación gratuita será transmitida en vivo a más de 190 países.

El disco ARIRANG -cuyo nombre alude a una canción folclórica coreana sobre la añoranza y la separación, muy querida en Corea del Sur- será su primero desde la antología “Proof”, de 2022. El nuevo álbum “contiene una reflexión profunda sobre el origen e identidad del grupo”, señaló Netflix, que anunció también un documental sobre el regreso de la agrupación titulado “BTS: el retorno”, que será lanzado el 27 de marzo.

La gira mundial comenzará en abril y tendrá 79 presentaciones en 34 ciudades, incluyendo varias latinoamericanas como Ciudad de México, Bogotá, Lima, Santiago, Buenos Aires y Sao Paulo, además de Madrid, según su sello discofráfico HYBE. Antes de su servicio militar, BTS generaba más de 5,5 billones de wones (3.700 millones de dólares) anuales en Corea del Sur, equivalente a 0,2 % del PIB total del país, según el Instituto Coreano de Cultura y Turismo.

Fuente: AFP.

La presidenta Claudia Sheinbaum se hizo eco el lunes de la frustración de cientos de miles de fans mexicanos sin boletos para ver a la banda de k-pop BTS y escribió una inhabitual carta a su homólogo surcoreano para pedirle más conciertos. Como parte de su gira mundial de regreso a los escenarios, BTS se presentará tres veces en Ciudad de México en mayo.

Las entradas, puestas a la venta el pasado fin de semana, se agotaron en minutos en una muestra del creciente furor entre los mexicanos por toda la cultura surcoreana, que abarca desde las series de televisión a la gastronomía. Según datos de Ticketmaster, responsable de la venta de los boletos, más de 2,1 millones de usuarios ingresaron a la plataforma para comprarlos, mientras la fila virtual rebasó las 1,1 millones de personas formadas para adquirir alguna de las 136.400 entradas disponibles para los conciertos.

“Esta diferencia estructural entre el número de personas interesadas y los boletos disponibles explica por qué no fue posible satisfacer la totalidad de la demanda”, agregó la empresa en un comunicado. La k-popmanía ya se había hecho presente en el gabinete presidencial de México.

Al anunciarse que BTS se presentaría en el país, el secretario de Economía, Marcelo Ebrard, publicó un video en TikTok en el que se le ve saludando a Jin, un miembro de la banda, después de un concierto que dio en solitario en noviembre. Ahora, la mandataria llevó el tema a la diplomacia internacional.

“Cerca de un millón de jóvenes” intentaron comprar boletos para los conciertos del grupo de k-pop, dijo ayer lunes Sheinbaum en su habitual rueda de prensa diaria. La gobernante izquierdista relató que, durante el fin de semana, luego de ver en redes sociales el revuelo causado por los fanáticos que no alcanzaron a comprar entradas, consultó al canciller: “¿Podemos mandarle una carta al presidente de Corea?”.

En su inhabitual misiva, Sheinbaum pidió al presidente Lee Jae Myung “que vengan más veces” a México los aclamados artistas del k-pop, quienes se mantenían en pausa desde 2022 cuando realizaron el servicio militar, obligatorio en el país asiático para los hombres menores de 30 años.

Los siete integrantes fueron dados de alta el año pasado y el grupo anunció entonces su regreso a los escenarios en 2026. Anteriormente, la mandataria había preguntado a la compañía que organiza las presentaciones en México, Ocesa, sobre la posibilidad de organizar más recitales, pero la respuesta fue negativa, dijo.

Fuente: AFP.