La destacada artista Jazmín del Paraguay presentó oficialmente su nuevo álbum de estudio titulado “Kuñataĩ”, una obra conceptual disponible en todas las plataformas digitales que sitúa a la mujer paraguaya en el centro de su narrativa sonora. El disco propone un emotivo recorrido temático que retrata la transición de niña a mujer, fusionando las raíces del folclore con una marcada sensibilidad contemporánea, identidad bilingüe en guaraní y español, y un firme sentido de arraigo cultural.

El álbum se compone de seis canciones: “Ella”, “La Carta”, “Taconeando”, “Kuñataĩ”, “Por Todas” y “Fiesta Pynandi”. Como anticipo de este universo estético, la cantante había publicado el pasado 24 de junio el sencillo “Por Todas”, que sirvió como carta de presentación del proyecto. Para esta producción, la artista sumó un destacado equipo técnico y musical, con la producción, mezcla y masterización a cargo de Luigi Manzoni, la coautoría y aportes en acordeón de Óscar Sanabria, junto a la colaboración de instrumentistas en guitarras, batería, percusión, vientos y coros.

En la víspera del estreno oficial, el 21 de agosto, Jazmín del Paraguay brindó un preestreno íntimo en la sala 7 de Cine Villamorra para presentar el material en exclusiva a un selecto grupo de seguidores de su club de fans. El evento de escucha privada, cuyo acceso se definió mediante un sorteo previo, permitió a sus admiradores más cercanos experimentar el contenido del disco horas antes de su distribución masiva.

Con el lanzamiento de “Kuñataĩ”, la cantante alcanza el hito de cinco álbumes de estudio en su trayectoria profesional. La artista consolida de este modo un proyecto musical sostenible dotado de infraestructura propia para la creación de contenidos, producción y espectáculos en vivo, reafirmando su posición como una de las referentes fundamentales de la renovación de la música popular paraguaya.

En Weverse, una fan paraguaya le preguntó a Taehyung de BTS cuándo visitará al “corazón de Latinoamérica”, haciendo referencia a Paraguay, y el famoso respondió: “¿Acaso hay Armys ahí?”; lo que desató la alegría de sus fans en suelo guaraní. La respuesta de Tae ocurrió este domingo último y para algunos es una señal de que la banda se presentará en Paraguay.

La respuesta de Tae generó todo tipo de interpretaciones por parte de sus fanáticas llamadas Armys. Por un lado, algunas lo toman como una señal de que Paraguay podría tener shows de BTS, pero por otro, hubo quienes interpretaron la pregunta de Tae como que desconocía la existencia de su fandom en nuestro terruño.

Lo cierto es que los rumores sobre conciertos de BTS en Paraguay vienen desde enero del 2026. A prinicipios de este año, Army Paraguay había circulado por una insider que BTS concretaría fechas para el país, sumado a las declaraciones del empresario Coto Nogues, quien contó que presentó una oferta para que el grupo se presente en suelo guaraní. Además, hasta el presidente de la República, Santiago Peña, contó a una Army paraguaya que pidió que el grupo visite el país.

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Lo cierto es que el comentario de Tae sobre sus fans en Paraguay generó reacciones como: “Más paraguaya que nunca. Te amo Kim Taehyung”, “Tae, ¿qué es un Paraguay?“, “Ni sabía que había Armys allí”, “El chiste de que Paraguay no existe llegó muy lejos, ni Tae sabía que existía”, “La esperanza crece más con esto, Taehyung confirma BTS en Paraguay”, “Añe ilusiona vai paite jeyma” o “Yo creo que puede ser una señal que van a venir a Paraguay”.

Un dato de color es que durante la presentación de BTS en el show de medio tiempo de la final del Mundial 2026, Taehyung realizó un gesto que las fans en Paraguay asociaron con el famoso meme “tranquilo nomás”, protagonizado por el creador de contenido paraguayo-estadounidense Fabio Meza, conocido como Freaki Fabi.

Cuando Tae hizo un gesto similar durante la presentación de BTS, las redes paraguayas comentaron: “Tae paraguayo”, “BTS en Paraguay”, “Coto cumplió” o “Esto significa fecha para Paraguay”, fueron algunas de las teorías que comenzaron a circular. Por ahora, BTS en Paraguay sigue siendo un rumor, pero las fans paraguayas están más ilusionadas que nunca.

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Los siete integrantes de la banda surcoreana BTS anunciaron vía historias de Instagram de manera simultánea que no enviarán sus trabajos musicales, incluyendo su último álbum “Arirang”, para ser considerados en la próxima edición de los Premios Grammy. El comunicado cuestionó la segregación de la música por origen o idioma.

Los siete miembros que son: RM, Jin, SUGA, J-hope, Jimin, V y Jung Kook compartieron el mismo mensaje en sus cuentas de Instagram este miércoles. “Hemos decidido no presentar nuestra música a los Grammy este año. Esperamos que la música pueda ser escuchada y apreciada por lo que es en sí misma, en lugar de ser dividida por región o idioma. Agradecemos enormemente a ARMY y a todos los que siempre nos han apoyado”, rezó el comunicado.

La decisión de BTS surge semanas después de que la Academia de la Grabación anunciara la creación de una nueva categoría: “Mejor Interpretación de Música Pop Asiática” o Best Asian Pop Music Performance. Aunque la organización del Grammy anglosajón presentó el galardón como un espacio para premiar géneros como el K-pop, J-pop o C-pop, la medida desató un fuerte debate entre los fans.

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Para muchos sectores, encasillar a las agrupaciones asiáticas en una categoría propia funciona como una barrera para evitar que compitan en las categorías generales como Álbum del Año, Canción del Año o Mejor Interpretación de Dúo/Grupo Pop.

Tras finalizar su servicio militar, BTS regresó con “Arirang”, un álbum que rompió récords históricos en Billboard, debutando en el n.º 1 del Billboard 200 y posicionando múltiples temas en el Hot 100. A pesar de contar con las cifras de ventas y streaming más altas del 2026 a nivel mundial, decidieron no postularse a los Grammy antes que ser calificados dentro a una categoría regional.

El grupo surcoreano, que ha sido votante oficial de la Academia desde 2019 y acumula 5 nominaciones previas en la gala, se convierte en el primer grupo de K-pop en rechazar abiertamente el proceso de postulación de la Academia de la Grabación.

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Andrés Selich, vocalista del grupo, compartió las ideas y detalles que envuelven al último material de la banda.

Kita Pena vuelve a marcar presencia con novedades sono­ras. En los últimos días lanzó “110/220”, su más reciente trabajo discográfico, un EP que consta de 4 canciones y un interludio, del cual ya se conoció un avance a fines de 2025, que fue mundial.

La banda, con cerca de una década y media de vida, se mantiene vigente en la pro­ducción y propuesta, dialo­gando con nuevas sonori­dades, apoyándose un poco más en las letras y poniendo al ritmo, al clima sonoro y al humor siempre como pila­res de su música. Este mate­rial, que es el sucesor oficial de “ Casi nada de lo que nos enseñaron sirve para sonreír y otras fábulas” (2018), fue producido por Marcelo Soler, mezclado por Carlos Dentice y masterizado por María Triana Mas­tering.

Andrés Selich, uno de los can­tantes de la banda, con­versó con La Nación sobre este lanza­miento, sobre la búsqueda y la dinámica que llevó a la mate­rialización de este proyecto, que amplia hori­zontes del grupo, pero desde un territorio que le es propio.

–El nombre aparece por la idea de cambiar de energía. Nos gustaba esa imagen de poder enchufarnos en luga­res distintos, pasar por otros climas, probar otras intensi­dades, pero seguir siendo la misma corriente. El EP tiene bastante de eso. Hay cancio­nes que vienen de momentos distintos, algunas más lumi­nosas, otras más introspecti­vas, pero todas conviven den­tro de una misma búsqueda. Sentíamos que no hacía falta esperar a tener un disco largo para mostrar este momento. Estas canciones tenían algo en común y el formato EP nos permitía decirlo sin estirarlo de más.

–Todos en la banda escu­chamos mucha música y eso inevitablemente se filtra. Nos gusta probar, jugar con climas distintos, ver hasta dónde puede ir una canción.

Creo que experimentar tam­bién hace que todo sea más divertido. La clave está en que eso nuevo no entre como dis­fraz. Tiene que pasar por la banda, por nuestra forma de tocar, de cantar y de decir. Ahí recién se vuelve nues­tro. El miedo a perder iden­tidad puede aparecer, pero también sería raro cuidar tanto una forma que termine volviéndose una jaula. Para noso­tros la identidad no es repetir siempre lo mismo, sino seguir reconociéndonos aunque cambiemos de energía.

–Creo que primero aparece. Hay un temperamento de la banda que sale bastante naturalmente: cierta forma de mirar, de no ponerse solemne, de mezclar algo sensible con algo más coti­diano. No sé si lo llama­ría humor en el sentido de hacer reír, sino más bien una manera de pararse frente a las cosas. Después sí hay un trabajo consciente. Escucha­mos si ese clima sostiene la canción, si la letra entra en ese mundo, si algo sobra o si se vuelve demasiado expli­cado. A veces una canción necesita más luz, otra nece­sita más rareza, otra pide ser más directa. Nos inte­resa que las canciones ten­gan algo para decir, pero que no pierdan cuerpo. Que no se vuelvan discurso. Que pue­dan dejar una idea, pero tam­bién moverte un poco.

–Las letras siempre vienen de alguien. De una mirada, de una frase, de una inco­modidad o de una necesi­dad puntual. Pero para que una letra llegue a Kita Pena tiene que tener la capacidad de representar a todos de alguna manera. No significa que todos hayan vivido exac­tamente lo mismo, sino que todos puedan reconocer algo ahí y defenderlo como pro­pio. Una canción puede nacer de una experiencia personal, pero si queda encerrada sola­mente en eso, le cuesta crecer.

En la banda se cuida mucho esa primera voz, pero tam­bién se acepta que la can­ción pida cambios. A veces una palabra cambia todo. A veces una frase que parecía importante no entra. Lo lindo es cuando algo que empezó en una persona termina encon­trando una forma que todos podemos cantar.

–Estamos en un proceso de encontrar una nueva forma de movernos. Kita Pena tiene muchos años, muchas etapas y muchas vidas adentro. No sentimos que estemos empe­zando de cero, pero tampoco queremos funcionar en auto­mático. Este EP nos agarra en un momento de cambio de energía, justamente. Con ganas de seguir haciendo música, pero también de entender cómo se comparte hoy, cómo se sostiene una banda y cómo se conecta con la gente después de tanto tiempo. Capaz estamos en un proceso de reconexión: con las canciones, con la banda y con una versión nueva de nosotros.

–Es un momento raro para hacer música. Hoy una can­ción también tiene que sobre­vivir al scroll. Eso puede ser cansador, porque además de hacer música tenés que pensar cómo lograr que alguien se detenga un rato a escucharla. Las plataformas abrieron puertas, eso es real, pero también concentraron mucho la atención. Hay más música que nunca, pero no necesariamente más escu­cha. Una canción puede estar disponible en todo el mundo y al mismo tiempo perderse en dos segundos entre mil cosas.

En Paraguay hay mucho talento y mucha gente haciendo cosas con identidad, pero todavía cuesta sostener circuitos, espacios y hábitos de escucha. Entonces uno va aprendiendo a moverse en ese paisaje sin traicionar lo que hace. Comunicar más, sí. Adaptarse, también. Pero sin convertirse en una banda que existe solo para alimentar el algoritmo.

–No sé si pensamos las can­ciones como consejos. Nos interesa más que funcio­nen como lugares donde uno pueda reconocerse un poco. Hay preguntas que vuelven en este EP: cómo dejar de preocuparse por todo, cómo cambiar de ambiente cuando algo te apaga, cómo volver a creer sin tener todo resuelto, cómo cortar una cadena antes de repetirla. Son cosas sim­ples de decir, pero difíciles de hacer. Capaz la búsqueda va por ahí. No tanto en encon­trar una verdad enorme, sino en animarse a mirar algunas cosas de frente. A veces una canción no te resuelve nada, pero te acompaña mientras tratás de ordenar un poco el ruido. Y eso, para nosotros, ya vale bastante.