La gira internacional de la cantante española Rosalía con su nuevo álbum “Lux” empieza este lunes en Lyon, en el este de Francia, en uno de los eventos musicales más esperados de los últimos meses y del que apenas han trascendido detalles. La gira, cuyos boletos se vendieron rápidamente en cuanto se pusieron a la venta en diciembre, incluye más de 50 conciertos y tiene paradas en Barcelona y Madrid, antes de llegar a Bogotá el 16 de julio y seguir su circuito latinoamericano por Santiago, Buenos Aires, Rio de Janeiro o México.

La artista catalana, de 33 años, causó furor con su último trabajo, “Lux”, un disco con toques espirituales y un fuerte componente sinfónico, cantado en más de una decena de idiomas, y con invitados de lujo como la cantante islandesa Björk o la flamenca Estrella Morente. En noviembre, días después de la publicación del álbum, 12 de sus canciones, entre ellas “La perla”, “Berghain” o “Reliquia”, se colaron en el Top 50 Global de las más escuchadas en Spotify.

Rosalía también hizo historia al convertirse en la primera artista en lograr cinco debuts en el número 1 de las listas de Billboard estadounidenses: Top Latin Albums, Top Latin Pop Albums, Classical Albums, Classical Crossover y la de World Albums.

Después de sus dos primeros discos de dominante flamenca, un tercero, “Motomami”, de inspiración más latina y electrónica, en “Lux” da un paso más y se lanza a un estilo sinfónico. Es un disco “catedralicio” con “una coexistencia de orquesta, coros y electrónica bastante rompedora y disruptiva”, dice a AFP Jordi Bianciotto, crítico musical del diario español El Periódico.

Es “una apuesta arriesgada”, añade, porque “va mucho más allá de los patrones de lo que entendemos como música pop comercial para grandes aforos de conciertos”, añade. “Cada álbum es totalmente diferente: tiene una base musical que le permite ser muy atrevida”, coincide Odile de Plas, responsable musical en la revista francesa Télérama.

La complejidad del disco, que incluye la Orquesta Sinfónica de Londres y coros como los de la Escolanía de Montserrat, genera muchos interrogantes sobre cómo será la puesta en escena en los conciertos. Después de su Motomami Tour, donde algunos echaron en falta una banda en el escenario, puede ser que la cantante catalana traiga ahora una buena dosis de músicos, como “una respuesta un poco chulesca” a los que la criticaron, según Bianciotto.

En su actuación en los Brit Awards a finales de febrero, donde se coronó como artista internacional del año, su versión de “Berghain”, con orquesta, coros y la invitada Björk, dio la vuelta al mundo. “Es una versión diferente de la del álbum. Todo el tramo final, con esa electrónica de rave dura, invita a pensar que la Rosalía más electrónica y bailable seguirá estando ahí”, vaticina Bianciotto sobre los próximos conciertos.

Sea como sea, sus seguidores estarán entregados. Rosalía tiene un público que “está muy atento a cualquier cosa que se le ocurra y que plantee”, asegura el periodista musical. La artista sabe que “haga lo que haga, la sigue mucha gente, incluso haciendo cosas sorprendentes, muy cambiantes de un disco a otro”.

En la ceremonia de los premios musicales británicos, Rosalía defendió “la música diferente, las culturas diferentes, los idiomas diferentes”, en un eco a su álbum, donde canta en más de una decena de lenguas, entre ellas el latín, el ucraniano o el alemán. “Es una artista que se abre a otras músicas, a otros conocimientos”, abunda Odile de Plas.

En el contexto actual del éxito de la música latina en el mundo, personificado en el puertorriqueño Bad Bunny y su actuación en la Super Bowl, Rosalía representa un caso “bastante aislado”, incide Bianciotto, ya que son pocos los representantes españoles que han alcanzado ese nivel, dominado por artistas casi siempre caribeños, especialmente de Puerto Rico y Colombia. “Rosalía es la excepción, una excepción alta porque lo suyo es más arriesgado que lo de cualquier otro y con mucha inventiva”, zanja.

Björk, Estrella Morente, Sílvia Pérez Cruz, la Sinfónica de Londres... Estos son algunos de los prestigiosos invitados de “Lux”, el último álbum de la cantante española Rosalía, quien lanza este lunes su esperada gira internacional. El cuarto trabajo de la artista catalana, que incluye 18 temas (tres menos en su versión en línea), toma aires sinfónicos y espirituales, y abraza estilos como el canto lírico, el fado y por supuesto el flamenco, la base musical de la autora de “Motomami”. Estas son las principales colaboraciones en “Lux”:

La artista islandesa tiene una participación estelar en esta canción, primer single del álbum, donde Rosalía se rodea además de la Orquesta Sinfónica de Londres, un imponente coro y el músico estadounidense Yves Tumor. En este tema de aires operísticos, Björk interviene con su voz aterciopelada, y en el video está representadas por un pajarillo.

“Me siento extremadamente honrada de estar en esta canción con Rosalía. Es tan emocionante ver cómo crece esta mujer: felicitaciones por este álbum increíble”, escribió la artista islandesa en X cuando se publicó la canción. Es la segunda colaboración entre Rosalía y Björk, que ya cantaron juntas en “Oral” (2023), cuyos beneficios fueron destinados a la lucha contra la pesca intensiva.

Hace unas semanas, en la primera interpretación en directo de “Berghain”, en los premios Brit Awards, Björk apareció ataviada con un vestido azul tubular, entre músicos y bailarines, en una impresionante puesta en escena que terminó con Rosalía bailando en el centro de una rave tecno.

Estas dos intérpretes, referentes para Rosalía, participan en este tema, uno de los más flamencos del álbum. Ambas grabaron por separado la canción y la enviaron a la estrella del pop. En un día “la grabé entera de arriba abajo y en el medio puse unos arreglos de voces, jugando con el perdón”, dijo hace unos días a AFP Pérez Cruz, quien explicó que incluso antes de saber que “Lux” iba a ser un disco tan sinfónico, “soñó” que su amiga Rosalía hacía un álbum con una orquesta.

Morente también estuvo varios días preparando el tema. La cantaora, hija de Enrique Morente y una de las voces flamencas más prestigiosas, dijo meses después de la salida del disco que estaba “disgustada” con Rosalía, por lo poco que aparecía su interpretación en el tema final. “No ha sido respetuosa conmigo”, dijo en una entrevista a la prensa local.

Rosalía hace una incursión en el fado, la música tradicional portuguesa, de la mano de la artista Carminho, coautora de la canción. En este tema melancólico, como es habitual en este género, la estrella española canta en portugués, uno de los 13 idiomas que aparecen en “Lux” (luz en latín).

“Todavía estoy sin palabras. Este disco es una obra de arte y no podría estar más feliz por ti, Rosalía. ¡Gracias por invitarme a formar parte de él, por tu amistad y tu talento! ¡Qué honor escucharte cantar en portugués, un verdadero fado tradicional!”, escribió Carminho en Instagram tras la salida de “Lux”.

El tono sinfónico del álbum viene dado por la Orquesta Sinfónica de Londres, dirigida por el islandés Daníel Bjarnason, quien agradeció a Rosalía su “coraje” por tomar riesgos e inspirar a otros a “buscar nuevas tierras y trazar sus propios mapas, no solo seguir los ya marcados”, en un mensaje en redes sociales.

La Escolanía de la abadía de Montserrat, cerca de Barcelona, un coro infantil activo desde el siglo XII, también participa en varios temas de “Lux”, que tiene una fuerte componente religiosa.

“Aceptamos este proyecto porque Rosalía, como ella misma ya ha explicado, habla de la vivencia de Dios. El discernimiento permanente de Dios es algo muy benedictino y ella lo hace además a través de la música”, explicó a la prensa local la histórica coral.

Fuente: AFP.

La cantautora lanzó un nuevo material con el que presenta su propuesta sonora y un homenaje a las mujeres paraguayas.

• Por Jimmy Peralta.
• Fotos: Gentileza

Con un sonido pop electrónico, a lo largo del disco, la cantante narra vivencias íntimas mar­cadas por el amor, el deseo, los desencuentros, la bús­queda personal y el empo­deramiento, con un espíritu libre y valiente.

“Y la verdad empezó con la propuesta de Paloide (sello). Yo tenía como cuatro can­ciones compuestas, dos de ellas por ahí ya estaban como maqueta, ya tenían una estructura, pero me falta­ban seis canciones más. Para eso fue crucial la presencia de mi amigo Leito Benítez, con quien compuse algunas de estas canciones y también las preproduje con él. Más adelante se fue sumando más gente y el proceso de pospro­ducción lo cerré con mi pro­ductor Kamba”, explica Sari Carri su devenir creativo que concluyó con el lanzamiento de su más reciente material disco “Peineta de oro”.

Sari viene de publicar en 2022 “Vas a llegar”, un EP al que le sucedieron algunos sencillos, hasta llegar este nuevo disco que consta de 10 canciones y que fue editado por Paloide Music. “Creo que lo diferente entre este disco y el anterior está en el desa­rrollo del sonido, ya que fue evolucionando para bien. En este disco se siente el con­cepto mucho más alineado a las canciones, a diferencia del EP, y lo que tienen de simila­res es la esencia de las letras, la energía dulce y atrapante, hasta tienen en común ese sonido un poco onírico, diría, gracias a los instrumentos y la suavidad de los detalles”, describe la artista.

“Peineta de oro”, lanzado el 24 de febrero, Día de la Mujer Paraguaya, es un álbum conceptual inspirado en la fuerza, la dulzura y la picar­día de las mujeres paragua­yas. Su nombre recupera una historia del Paraguay del siglo XIX: las Kygua verá (Peineta de oro, en guaraní), mujeres que fueron pione­ras en independizarse eco­nómicamente y en ejercer su libertad, dejando una huella silenciosa pero poderosa en la memoria del país.

“Las colaboraciones con otros músicos fue algo muy orgánico, ya que a lo largo de estos años fui conociendo diferentes artistas que se volvieron amigas y amigos. Casi todas las colaboraciones del disco ya estaban pensa­das desde la composición. Creo que esto fue un ele­mento clave porque tenía­mos un norte desde el ini­cio de este desafío”, destaca Sari al hablar de la dinámica que terminó involucrando a un gran equipo: Leo Benítez, Aharon Emery, Guille Gui­llén, Niccco, Eve Calletti, Lorena Blume, Merce, 411y, entre otros.

A lo largo del disco, la can­tante narra vivencias ínti­mas marcadas por el amor, el deseo, los desencuentros, la búsqueda personal y el empo­deramiento, con un espíritu libre y valiente. “La canción ‘Asunción’ me parece una de las más importantes. Nos ubica en el escenario pre­sente, donde suceden esta y tantas historias”, dice.

“Es una canción en la que quería expresar el amor que le tengo a nuestra ciudad, y a la vez mi sentir como asuncena, que no puede hacer ojos ciegos a la reali­dad. Dentro de esto quise involucrar ele­mentos carac­terísticos de nues­tra ciu­dad, que den una especie de imagen mental a cualquier persona , conozca o no conozca Asunción”, agrega.

Sari, antes de desarro­llar su carrera solista, formó parte de otros proyectos, pero ella vincula su primer acercamiento a la música mucho tiempo antes. Una vida familiar cargada de música, dos coros de niños y más.

“La composición vino muchos años después ya cuando decidí que quería cantar y que quería dedicarme a la música. Una vez que decidí estudiar la carrera de música y el pro­fesorado, con herramientas que adquirí pude comenzar a experimentar el mundo de la composición, y ya unos años después, comenzar a trabajar con diferentes productores en la búsqueda de mi sonido”, comenta.

El sonido pop electrónico es un sello profundo en la sono­ridad de este nuevo material de Carri, donde la identidad no se altera y en sí genera un clima constante durante los temas. “La búsqueda de mi sonido... siento que sufrió un borrón y cuenta nueva en el 2020, porque ahí empecé a experimentar con mis ami­gas, buscar el sonido a mis composiciones. Entonces comenzamos a probar en un ambiente supercasero, muy orgánico y libre, cómo podía hacer sonar mis com­posiciones a un estilo más mío, auténtico, inspirada en la artista de ese momento que hasta hoy me inspira. Entonces, aproximada­mente en el 2017 empezó la búsqueda, pero recién en el 2020 encontré el camino, y fue ese mismo año que lancé mi primer tema”, narra la joven artista.

“Peineta de oro” está disponi­ble en todas las plataformas. La parte visual del disco fue un trabajo en colaboración con Mubu Lab, y el audiovi­sual se realizó de la mano de Doomboys Corp.

La banda de rock Salaman­dra recuerda hoy con un gran concierto en Voüdevil Venue (Mcal. Estigarribia casi EE. UU.) el décimo aniversario del lanzamiento de su álbum “Alma en peña”, un material que marcó un hito para ellos y para el rock hecho en Para­guay. Las entradas para esta celebración están disponi­bles en www.tuti.com.py.

La banda se reencuentra con su público, a una década del lanzamiento del material que tuvo como primer corte a la canción “Solito”, que batió todos los récords en las radios nacionales. La pieza se convirtió en un himno juvenil llevando a la banda a sobrepa­sar las fronteras estilísticas del rock, transformándose en un fenómeno popular.

El material discográfico fue producido artísticamente por Willy Chávez y Javier Zacher; grabado por Rodolfo Brugada en los estudios Romaphonic, Buenos Aires, Argentina, en el año 2015 y masterizado por Rolando Obregón en Romaphonic. El CD fue oficialmente lanzado el 4 de setiembre del 2015 con un gran concierto en el club 24 de Mayo de la ciudad de Ypacaraí, con un lleno total.

Diego Serafini habló con La Nación del Finde respecto de la banda, la fórmula creativa para el flamante disco y del sello sonoro del proyecto que lidera.

• Por Jimmi Peralta
• Fotos: Gentileza

La agrupación para­guaya de rock Gaia presentó hace algu­nas semanas su más reciente material fonográfico. Se trata de “Dopamina”, el sép­timo álbum del proyecto que cuenta con nueve can­ciones, entre las que se des­tacan los cortes de promo­ción “Ella baila”, “El salto”, “Dopamina” y “Ella es”. El material, producido por Diego Serafini en su estudio Supernova, explora la sono­ridad orgánica en la sinergia de la interpretación, al ser registrado el core del disco de manera simultánea.

Con 25 años de trayectoria, la banda apuesta en su desa­rrollo a través del compro­miso que le pone a su propia propuesta, su sonido y temá­tica. “Dopamina” es un disco en donde el ritmo ocupa un papel importante y es pro­ducto del trabajo de la banda y la participación de amigos músicos como Paolo Serafini, Sebastián Elizeche y Abril Casco.

La formación está com­puesta actualmente por Tito Bustamante (batería), Javier Ramos (guitarra y voz), Fernando Samaniego (guitarra), Jorge Chamorro (bajo) y Diego Serafini (gui­tarra y voz), quien habló con La Nación del Finde sobre el proyecto y el flamante disco.

–Cuando empezamos, yo creo que todos estábamos más que nada buscando una forma de sacar la música que nos salía en ese entonces, con todo el ímpetu de la juventud y, sobre todo, sin dudar de que en este país era posible lograr algo como artistas. Hoy en día, con Gaia siento que “no tenemos nada que probarle a nadie” y por lo tanto el arte que hace­mos es mucho más “despreo­cupado”, por decir de alguna forma. Lo que sí buscamos es dejar una huella en la historia de la música en nuestro país.

–Voy a ir de adelante para atrás… El primero sería, jus­tamente, la salida de nues­tro séptimo álbum, “Dopa­mina”, que nos permitió hacer una suerte de renova­ción de compromisos con la banda y darnos cuenta de que aún sigue valiendo la pena hacer música como Gaia. El segundo momento podría ser el video de nues­tra canción “Adicto” que, a pesar de salir casi 3 años des­pués del álbum que incluía ese tema, nos catapultó de una manera que no esperá­bamos en ese momento. El tercero debe ser indefectible­mente haber abierto el Pilsen Rock 3, un show que fue his­tórico y que también nos hizo ver cómo estábamos como banda para el público… toda esa gente coreando nuestras canciones. En esa época, no teníamos forma de medir el impacto real de lo que está­bamos haciendo…

–Además de los integrantes, que a esta altura ya fueron bastantes los que fueron rotando, una de las cosas que cambió hace un tiempo fue la dinámica del trabajo de la banda, y no precisa­mente el musical, sino el “administrativo”, ya que llega un momento en que es muy difícil que todo eso recaiga en una o dos perso­nas. Entonces, eso le da a la banda más responsabilidad compartida y mejor enten­dimiento de cómo funcio­nan ciertas cosas. También la visión en cuanto a “cuál va a ser la música que vamos a hacer en el siguiente mate­rial” va cambiando cons­tantemente, porque eso hace eliminar la monoto­nía y nos hace desafiarnos a nosotros mismos para no repetirnos.

–Este álbum empezó a ges­tarse en la pandemia, pero en ese entonces tuvimos el último cambio de inte­grantes que sufrimos, y eso paró todo. Veníamos arras­trando ese trabajo. Men­ciono esto porque fue el disparador en cierta forma de que sacar el álbum sea una necesidad imperiosa que teníamos que concre­tar inmediatamente. Eso le dio inmediatez, crudeza y espontaneidad. También por eso en un momento decidimos hacerlo todo nosotros, sin depender de nadie, además de grabarlo en vivo. Es decir, toda la parte instrumental se hizo con los 4 instrumentos tocando al mismo tiempo en el estudio, incluso hay errores que quedaron en las tomas elegidas.

En cuanto al título del álbum, fue la última canción a la que le pusimos letra, y ahí hizo “click”, porque es un concepto muy de lo que estamos pasando hoy en día como seres humanos… todo inmediato, y luego a lo siguiente, sin disfrutar del presente, todo muy ver­tiginoso, como una droga.

–La crítica social siempre es algo que nos inspira, tal vez no escribiendo literal­mente, pero sí desde una posición de expresar lo que sentimos respecto a las pro­blemáticas que nos rodean hoy en día, sean relaciona­das con experiencias más personales, o hechos que vivimos no tan de cerca, pero que son realidades de las que nos pareció perti­nente hablar en las cancio­nes.

–Como punto de partida, siempre trato de no repe­tir nada. Y si lo hago, es involuntario, porque me parece mucho más intere­sante que siempre tenga­mos un “lienzo en blanco” para ponerle colores nuevos o, al menos, nuevas combi­naciones de esos colores. Tal vez lo que sí hago es que trato de encontrar nuevas maneras de usarlos, sin que parezcan gastados o repeti­dos. Es algo que detecto en mucha de la música de hoy… la mayoría es poco original o repetida…

–Es difícil no ver esos números, pero tampoco es una obsesión o una regla. Ya estamos en un momento de nuestra carrera donde hacemos la música que nos sale, que nos gusta, lo mejor posible y con todas las ganas. Como había men­cionado, a esta altura no necesitamos probar nada, se trata solo de expresar­nos como músicos… y creo que cuando lo encarás así, el resto viene solo, tarde o temprano.

–En un principio íbamos a trabajar con un par de productores locales, pero después eso frenó un poco el avance, entonces pro­puse aprovechar nuestros propios recursos, y ver si la banda estaba cómoda con la idea de que yo produzca este álbum, ya que tenía un concepto de sonido muy claro desde que las canciones comenzaron a aparecer en los ensayos. Todos estuvieron de acuerdo y logra­mos concretar algo que nos gusta mucho.

–En todo momento y, como en todos los materiales anteriores, salvo una o dos excepcio­nes, siempre busco la colaboración en la composición con los demás integran­tes… “Dopamina” no es excepción. Hay por lo menos una o dos can­ciones que tuvieron su puntapié inicial en uno de los cinco integrantes que después fui­mos trabajando para darle forma entre todos y llevarlas hacia un concepto unificado.

–Lo rítmico, para mí, siempre tiene un peso gigante en las producciones en las que participo, ya que es lo que marca el pulso o el “groove” de una canción, sea desde el instrumento que sea. Es lo que te hace mover la cabeza, o los pies, o el trasero… dependiendo de cómo esté conceptualizado. Y en el caso de las guitarras, efectivamente, este álbum es más “marcado” rít­micamente que los anteriores. El sello de las armonías que van y vienen es como el ADN de Gaia, es lo que nos permitió conseguir un sonido bastante reconocible y es algo que no hacemos conscien­temente, pero que siempre aparece en alguna forma en las canciones, es decir, se da naturalmente, no es algo estudiado.